ARCADIA (matando a la competencia)

Costa-Gavras nos deleita con un film de alto contenido en humor negro, la película es de 2005 y atención a la sinopsis:

Bruno Davert es un alto ejecutivo que trabaja desde hace quince años en una fábrica de papel. Debido a la reestructuración económica de la empresa, él y cientos de empleados son despedidos de la noche a la mañana. En principio la medida no le preocupa; es joven (ronda los cuarenta), tiene una preparación excelente y confía en encontrar pronto un puesto de trabajo similar. Tres años después, aún sin trabajo, sólo piensa en sobrevivir y garantizar el futuro de su familia. Por ello, decide, con la ayuda de un arma, pasar a la acción y aniquilar a la competencia de una forma ordenada y lógica. Al mismo tiempo prepara el asalto a la Corporación Arcadia, el último obstáculo entre él y el puesto laboral que ansía. 



Con un argumento así es normal que quieras verla, y más si se trata de cine francés. Este filme es sin duda una ráfaga de aire fresco en cuanto a comedia negra se refiere. La sutileza con la que trata las escenas, lo bien elaborado que está el guión, y la interpretación de unos actores que dan la talla hasta el punto de creerte lo surrealista de los acontecimientos, son el pilar de esta película de dos horas de duración.

No hablamos de una película con gran fotografía, ni de maravillosos planos… es más, podemos decir que en ese aspecto es más un telefilme que otra cosa, pero el ingenioso guión, con sus peculiares diálogos, la llevan a un escalón superior donde se puede calificar de obra inteligente y destacable.



No es fácil llevar a cabo este tipo de cine sin sobrepasar la línea de lo absurdo, en este caso, su director sabe mantener las distancias sin sobrepasar la línea, aunque en muchas ocasiones se acerca a la comedia absurda más rutinaria, pero son pocas las ocasiones.

Tal vez un poco larga, tal vez le sobren 20 o 30 minutos, esta sensación la dan algunas escenas que parecen entrar en bucle, pero sin duda el final merece la pena, y aunque se pueda prever dicho desenlace, no deja de ser inquietante.

Recomendable para quienes como yo, no les gustan las comedias al uso, y requieren de el humor negro para sacar una sonrisa, e incluso una carcajada.

MARTYRS (el desastre)

Esta película fue de alguna forma un revuelo en Sitges en su presentación en el año 2008. Todo el mundo hablaba de la película francesa, apuntaba a ser una gran revelación llegándose a denominar como la película más aterradora de la década…

Bueno, por lo que vi en el tráiler en su momento, me daba en la nariz que se trataba de una película con violencia por violencia… gratuita dirían algunos… y viéndola este fin de semana mis expectativas estaban muy por encima del resultado…. La película me ha parecido un sin sentido de cabo a rabo.

Pascal Laugier escribe y dirige una historia que empieza bien, pero que se tuerce enseguida con incoherencias abismales donde el guión patina y cae al suelo de bruces.

El sentido común de toda persona, trastornada, o no, le impide pasar los días en la casa donde acaba de cometer un cuádruple homicidio…. Pero esto es solo el comienzo de secuencias a cada cual más chorra.



Me da la sensación de que su director y guionista ha tenido como primera idea, mostrar una masacre bastante realista donde una chica asesina a cartuchazos a bocajarro, a una familia feliz…. Y en base a esa idea ha ido construyendo un guión más visto que el tebeo, y repleto de violencia gratuita para resolverlo todo con una estúpida idea, la del dolor y el sufrimiento más allá del soporte humano para alcanzar “el más allá”…. Esto lo podía haber hecho en un cortometraje o mediometraje y ahorrarse tanta paja.

Los personajes que visten de negro parecen sacados de una obra de teatro cutre, como si mostrando trajes negros lo identificáramos directamente con el mal… Ideas pasadas de rosca para una película que ha quedado coja y manca.

La película se centra en la primera matanza, donde una chica cree que debe aniquilar a la familia que le dio tanto sufrimiento. Todo ello  para que la chica a la que no puedo salvar en su escapada, deje de perseguirle con una navaja y agredirle… sí, una especie de mezcla de cine de terror chino y violencia a la francesa caracterizan no solo al film, sino a la chica, que es una mezcla entre oriental y occidental…



Los planos son demasiado cerrados y se mueven  descontroladamente sin llegar a ofrecer imágenes que podamos retener en la retina. Estas persecuciones dan lugar al aburrimiento, y a desear que la cámara se esté quieta de una vez por todas…

Las incongruencias siguen dándose de la manera más mezquina… de pronto parece que el espíritu hollywoodense se apodera del guionista para dar lugar a cuerpos sobre humanos capaces de sobrevivir a tiros a bocajarro por la espalda (la mujer que ha sido abatida de un cañonazo resulta estar viva horas después), y cortes en vertical que sesgan todo el brazo y arterias, y que no sangran una sola gota…. (la chica trata de suicidarse cortándose de manera irremediable las venas en sentido vertical, y ni siquiera sangra).

La cosa es que cuando parece acabar todo con la muerte de la chica, aparecen en escena unos individuos  de negro que parecen salir de Dark City, y lejos de terminar, cogen fuerza para mostrar una segunda parte absurda donde nos pasamos el tiempo viendo como dan de ostias a una chica, para terminar despellejándola, supongo que fue por eso por lo que se llevó el premio al mejor maquillaje en Sitges… Y cabe destacar el gran fallo de racoord que contemplamos en el rostro de la chica… de tener la cara literalmente partida, amoratada e hinchada, a desaparecer todo esto al cabo de unas horas (este tipo de traumatismos duran días).



Como he dicho antes, todo esto parece una excusa para ponernos de los nervios viendo como un gañan atiborra a ostias a una chiquilla, para concluir con una (de nuevo excusa) resolución sobre “el más allá”.

En mi opinión el film es un desastre, y ni siquiera puedo destacar cualidades técnicas, ya que ni los planos, ni la foto, ni nada de nada es destacable… podría ser perfectamente un telefilm de sobre mesa.

No sé si habrá muchos fans de este film, pero lo que está claro que no llama a los fans del gore, pues el gore gurda siempre realización con lo cómico, y es eso lo que le diferencia de este tipo de películas.

Ahora los americanos han hecho una versión… será fácil superarla.

LA ESCAFANDRA Y LA MARIPOSA (angustia poética)

“Se inspira en la novela "La escafandra y la mariposa" escrita por Jean Dominique Bauby a causa de un accidente (1995) que lo introdujo en el mundo del "Locked in Syndrom" (encerrado en sí mismo). Totalmente paralizado, sin poder comer, hablar, ni respirar sin asistencia, el antiguo redactor jefe de la revista "Elle" dicta letra por letra, moviendo sólo el párpado izquierdo, una especie de viaje inmóvil”.

Si no has visto esta película, y te gusta el cine independiente con mucho trasfondo, y sobre todo mucha poesía visual y literal… ésta es, sin duda, tu película.

Ronald Harwood fue el valiente que se atrevió a adaptar el libro de Jean-Dominique Bauby al guión cinematográfico, y Julian Schnabel a dirigirlo… cuidado, porque dirigir esto es muy difícil… piénsalo bien… hablamos de la representación en pantalla de un tipo que sólo puede pensar, y que a medida que el film avanza, logra comunicarse con el único lenguaje de un párpado que se abre y se cierra.



Esto es cine francés en estado puro. Un film dramático donde los personajes cobran una importancia cada vez mayor, y de alguna forma al unísono, según corren los minutos de la cinta los personajes logran posicionarse en el mismo ranking de importancia en el guión.

El actor Mathieu Amalric logra interpretar el papel de su vida, y es que es plenamente natural en sus pensamientos hablados (indispensable ver en V.O.), y aunque pueda parecer extraño, en su gesto paralítico, algo insuperable y con un potencial soberbio que impacta de lleno en la retina del espectador.

El director consigue transmitir el agobio y la angustia de los primeros minutos donde el protagonista entra en el hospital consciente, pero sin poder comunicarse ni lo más mínimo… recordando mucho a “Johnny cogió su fusil” (1971), pero con un trabajo más moderno y cayendo en detalles asombrosos, como el parpadeo del ojo  hiperrealista en un plano subjetivo.



El uso de la cámara en mano para conseguir la subjetividad del plano es magistral… Muchos pensarán que la cámara a hombro o en mano es algo sencillo, pero es tal vez lo más complicado de filmar… Este tipo de técnica tiene más tela, que montar la cámara en travelling y tirar por vías de adelante a atrás….

Los enfoques y desenfoques… la mirada de un único ojo que se estrella contra lo primero que aparece en pantalla… y más adelante, cuando crees que la película va a ser en primera persona… aparece el plano general con su protagonista en él.

La carga dramática es monumental, pero no es una historia lacrimógena… el humor permanente en el protagonista ameniza la situación y se evade, en parte, del problema en cuestión.

No se centra en la parálisis, sino en el progreso del afectado en su día a día y su recuperación de cara a la sociedad… sus hijos… su mujer… se trata de una historia que tiene como caldo de cultivo el accidente, pero nos lleva poéticamente por derroteros donde nos hará pensar en quiénes somos, y qué hacemos con nuestras vidas, así como valorar la salud… La lucha por la supervivencia con un escenario como el mar de fondo, un hospital triste y algo viejo, y una enfermera de bandera que hace las delicias visuales del enfermo, son ingredientes constantes en la cinta.



El director no deja escapar en ningún momento los pensamientos más íntimos de esta persona impedida… sus comentarios en off son tan nostálgicos, poéticos y cachondos, que es casi imposible despistarse o aburrirse. Y la angustia de verlo así, en silla de ruedas y en estado lamentable, se evade en los flash backs que nos retrotraen a momentos vividos de su vida, donde gozaba de una espléndida salud. También nos libera de esa angustia su propia imaginación, que baila con imágenes de quien más cerca se encuentra en su malograda historia.

Destacar una fotografía maravillosa a cargo de Janusz Kaminski, y una música perfecta compuesta por el americano Paul Cantelon.

En 2007 obtuvo:

4 nominaciones al Oscar: Mejor director, guión adaptado, fotografía, montaje.

2 Globos de Oro: Mejor película extranjera, director. 3 nominaciones.

Premios BAFTA: Mejor guión adaptado. Nominada a mejor film de habla extranjera.

Festival de Cannes: Mejor director, Technical Grand Prize. 3 nominaciones.

2 premios Cesar: Actor (Mathieu Amalric), montaje. 7 nominaciones

National Board of Review: Mejor película de habla no inglesa.

Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor fotografía. Finalista a mejor película.

American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año.

Critics' Choice Awards: Mejor película de habla no inglesa. 3 nominaciones.



Por Isaac Berrokal

SOLO CONTRA TODOS (la paranoia de Gaspar Noé)

“Solo contra todos” (Seul Contre Tous - 1998) es un film del director francés Gaspar Noé, director de la famosa “Irreversible” (2002), que mucho antes nos deleitaba con esta cinta donde la violencia hace acto de presencia dando sello personal a Noé.

SINOPSIS

Francia, 1980. Un carnicero (Philippe Nahon) vive solo con su hija tras ser abandonado por su mujer. Un día la niña tiene su primera regla y corre hasta la carnicería de su padre que, al ver la sangre, cree que la pequeña ha sido violada. El carnicero sale enfurecido de la tienda y acaba agrediendo a un inocente. La niña es internada y él encerrado en prisión...



Pero ahí no acaba la cosa. Gaspar Noé escribe y dirige esta cinta haciendo hincapié en la paranoia mental de su protagonista, un Philippe Nahon que está soberbio (por favor, ver en versión original), y que clava la interpretación a la perfección. En ella podemos ver cómo una persona comienza a caer en una espiral infernal hacia un pozo sin fondo, consecuencia de una serie de sucesos de los que no sabe salir.

Un personaje demencial que termina haciéndose con una pistola y 3 balas, algo que le ocasionará un problema hasta para quitarse la vida. Con una tremebunda voz en off podemos oír cómo dentro de su cabeza la conciencia diabólica lucha con su conciencia mega diabólica… y es que este personaje no tiene un ángel y un diablo, tiene dos demonios a cada cual peor.



El montaje llama mucho la atención, repleto de ritmo, de sonidos estridentes y de flashazos que arremeten contra la poca armonía que queda en el espectador tras ver media hora de cinta.

Gaspar es un mago representando la violencia, una especie de equilibrio entre el espectáculo de Tarantino y la crudeza de Michael Haneke. Un film demoledor con un final enloquecido que te deja unos minutos pensando en tu sofá…. “¿se puede estar más colgado?” juzguen ustedes mismos.

[embed]https://youtu.be/a2LrPPzQhkM[/embed]

Por Isaac Berrokal

LARGO DOMINGO DE NOVIAZGO (y el mundo de Jean-Pierre Jeunet)

Jean-Pierre Jeunet es por todos conocido como el creador de la fantástica AMELIE (Le fabuleux destin d'Amélie Poulain - 2001) una película que a todos llamó la atención de una forma u otra, y que seguramente el secreto esté en su imagen, la fotografía que nos presenta Bruno Delbonnel, su director de fotografía habitual, y con el que se entiende al milímetro para llevar a cabo tales obras de arte.

“Largo domingo de noviazgo” fue otra maravillosa cinta que por algún motivo no llamó tanto la atención, y que a mi personalmente, me parece una de sus joyas más emocionantes y mucho mejor pulida que su famosa Amelie.

La sinopsis dice así:

A punto de terminar la I Guerra Mundial (1914-1918), Mathilde recibe la noticia de que su prometido es uno de los cinco soldados que, tras haber sido sometidos a un consejo de guerra, han sido enviados a la tierra de nadie que hay entre el ejército francés y el alemán, lo cual supone una muerte casi segura. A pesar de todo, emprende un duro viaje para conocer el destino de su prometido y, aunque las noticias que va recibiendo son desalentadoras, sigue adelante. A medida que se acerca a la verdad sobre los desafortunados soldados y su brutal castigo, conocerá a fondo los horrores de la guerra y las marcas indelebles que deja en quienes la han vivido. 



Sin duda es un drama, pero un drama repleto de personajes muy bien definidos e interpretados, que mantienen un matiz cómico que dulcifica escenas tan horribles como las bombas que caen en y destrozan a los soldados, o esa monumental introducción donde se van narrando las atrocidades que muchos hacían para no ir al frente en la 1ª guerra mundial, como volarse el dedo menique  o quedarse ciegos… Jean-Pierre deja muy claro su estilo dese sus anteriores cortometrajes, los cuales ya contaban con actores que ha mantenido hasta la fecha, como es el caso del francés Dominique Pinon. Su mensaje visual siempre latente con imágenes que se suceden en forma de narración donde la salpicadura cómica acompaña a cualquier desgracia que el director quiera plasmar en la pantalla.

Sorprende la dedicación con la que este director lleva a cabo sus films. Por ejemplo con AMELIE dedicó años no solo a la preproducción en sí, sino que filmaba las secuencias previamente con una cámara casera, imprimía los fotogramas clave y los esparcía por el suelo intentando entender que iba bien y que mal en todo ese secuenciado de imágenes.



En “Largo domingo de noviazgo” hizo algo que ya realizaba Kubrick en “Espartaco”, esto era repartir números a todos los extras que debían de hacer de muertos por el suelo, así podía nombrar el número para indicarle la postura que quería a cada uno de los extras. Jean-Pierre lo que hizo en éste film fue ir uno por uno a los figurantes que aparecían en cual quiera de las secuencias de la película y explicarles quien era el personaje de cada uno… si se trataba de un tipo que esperaba en la estación a su hijo pero que acababa de perder a su mujer, o si se trataba de alguien que simplemente paseaba pero tenía en la cabeza la idea del suicidio… Nadie se ha tomado tantas molestias en que la figuración tenga un personaje desarrollado para una escena de 20 segundos.

Se toma hasta el último segundo que necesite para detallarla en el set, como también en postproducción se toma su tiempo con el etalonaje de cada escena. Es evidente que cuando observamos un film de Jean-Pierre todo parece sacado de un cuento mágico, y la imagen es su sello de identidad más destacado a primera vista.

En 2009 realizó Micmacs, un film que aunque contaba con buena fotografía, se notaba la ausencia de Bruno, y aunque Tetsuo Nagata sea un estupendo director de fotografía, no creo que llegase ni por asomo al universo que había creado en sus anteriores cintas. Este film no tenía el argumento complejo y detallista a lo que nos tiene acostumbrados, tal vez se inclinó demasiado a la comedia y lo salpicó con drama, cuando suele ser al revés.

Ahora está más dedicado a la televisión, y esperamos que pronto nos deleite con otra maravilla como en sus inicios, no perdemos la esperanza, te esperamos Jean-Pierre.



por Isaac Berrokal

13 TZAMETI (la ruleta rusa francesa)

En algún lugar, en un sitio apartado al borde del mar, Sébastien (George Babluani), de 22 años, repara el techo de una casa. Su propietario muere de una sobredosis tras recibir una extraña convocatoria que supuestamente le hará ganar mucho dinero. Sébastien recupera el sobre y decide presentarse en su lugar. Para él da comienzo una caza del tesoro que le llevará hasta un tugurio clandestino, un mundo de pesadilla donde los hombres hacen apuestas con la vida de otros hombres.

Con esta sinopsis la cosa no termina de convencernos, pero si os digo que las apuestas son para una ruleta rusa donde unos 15 o 20 tíos se ponen en corro apuntando al tipo de al lado con una pistola que contiene una única bala… ¿mola no? Pues no es sólo éste el argumento, sino que encima está basado en un juego real, un juego clandestino que se llevaba a cabo en Francia y que para más inri puedes encontrar el testimonio a cara descubierta de uno de los supervivientes en los extras del DVD.



La cinta está escrita y dirigida por Géla Babluani, y como toda obra escrita y dirigida por un mismo autor, se hace muy interesante.

En un blanco y negro algo digital para mi gusto, con esto quiero decir que con un b&n en grano gordo estilo “Pi Fe en el Caos” (1998) habría sido una auténtica maravilla; la historia se mete bien en nuestras cabezas. Aunque soy de los que opinan que si hay sangre, lo mejor es el color… aunque vaya usted a saber por qué esta decisión… tal vez por falta de presupuesto, pues llevar la iluminación en B&N es mucho más económico.

Perdón, que me lio… como digo se mete bien en la cabeza, nos engancha con esos personajes tan “europeos” y tan herméticos. Tal vez se hace algo lenta y aburrida al principio, incluso yo diría que hay algo de “paja” en ese comienzo para llegar a los 95min, pero bueno, por lo menos se explica la necesidad de conseguir dinero a toda costa y así resolver tan dura decisión después.

Casi toda la trama tiene lugar en el interior de una gran casa abandonada donde se juega a la ruleta rusa en comunidad… Un sitio donde apuestan los ricos con ansias de ganar pasta disfrutando del morbo que da ver morir a los terribles humanos nacidos de la pobreza. Géla Babluani sabe como meter tensión, y lo hace en dosis comedidas, pues las ganas de ver el espectáculo sangriento pueden concluir en el primer round y después aburrir como una ostra al espectador.



En cada sesión mueren uno o dos hombres a consecuencia del tiro en la cabeza que el de atrás le propina. La cosa es así, se carga una única bala en el tambor de las pistolas de unos 15 hombres, y en corro se apuntan a la nuca. El silbato de un árbitro indica que aprieten el gatillo, y los desafortunados caen el suelo fulminados… después se descansa un rato largo hasta la próxima, donde el número de jugadores se va reduciendo hasta queda solo uno y las apuestas incrementan sus billetes. Las apuestas giran en torno a los hombres que van quedando hasta alcanzar el máximo nivel con los dos últimos.

Es una película para ver y analizar. Como decía antes, las declaraciones del tipo en los extras son increíbles. El tipo ha concursado en varias ocasiones quedando ganador… y claro, ni el salto en paracaídas, ni hacer puenting ni la montaña rusa de su pueblo le genera tanta adrenalina como esto.

Si no la habéis visto, os la recomendamos.

L'ENFANT (Palme d'Or 2005)

Sin duda Cannes es todo un referente de buen cine, y desde La Muvida queremos destacar ciertas cintas que bien han ganado la Palme d'Or o simplemente han sido seleccionadas, que también es un gran premio.

Queremos destacar la película EL NIÑO (L'Enfant – 2005) de los directores y guionistas Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne, un film realmente maravilloso que nos relata casi a tiempo real la aventura de una pareja de jóvenes que tienen un bebé y el novio decide venderlo por su cuenta a una pareja por medio de una organización de tráfico de niños. Pero la cosa no sale como quisiera y se desencadena una situación realmente tensa.



La manera de rodar en este trabajo es sencilla, cámara en mano y sin cortes, podemos decir que cada escena corresponde a un plano secuencia, una manera rápida de filmar que si no se hace bien es más que probable que termine en catástrofe.

La historia transcurre prácticamente en su totalidad por las calles de un pueblo o barrio francés, pues no se especifica. Ambientada en invierno y con una fotografía realista de cielos nublados y calles frías, los dos autores nos meten de lleno en una historia que desde el minuto uno ya te ha enganchado, y que a pesar de no tener cambios de plano ni originalidad en su mensaje visual, es suficientemente eficaz como para no dejar que apartes la mirada de la pantalla.

Personajes efímeros que van refrescando el transcurso del film e innumerables localizaciones que del mismo modo van alimentando el interés del espectador, son uno de los alicientes para el entretenimiento.

La crueldad de la historia y su crudeza está ligeramente compensada con lo ingenuo de sus personajes, adolescentes que ya no lo son tanto y que aun ríen y juegan a pesar de las circunstancias que les rodean. Jérémie Renier, Déborah François, Jérémie Segard, Fabrizio Rongione son los responsables de dar vida al film con gran éxito. Este es el tipo de película que necesita de rostros desconocidos para dar credibilidad… realmente todos los films lo necesitan, pero de eso ya hablaremos en un artículo que tenemos preparado donde los grandes actores corren peligro de cara al futuro cinematográfico.

Se aconseja ver en V.O ya que este tipo de películas pierden por completo con el doblaje (todas lo hacen, pero los films independientes suelen ser maltratados por los directores de doblaje). Si aun no la habéis visto, no sé a que esperáis.