TERROR (y los dos tipos de público)

El cine de terror enmarca dos tipos de espectador, el espectador amante del terror como tal, y el espectador amante del terror y admirador del arte cinematográfico. Es entonces cuando en foros, debates, o redes sociales en general, los dos chocan… y es simplemente porque se meten en el saco a dos espectadores totalmente distintos.

Por poner un ejemplo es como si metemos a fans de BB King, por poner un ejemplo, y fans de BB King pero guitarristas, esto es músicos… Los músicos siempre sacarán conclusiones de su música mucho más elaborada… saben que los punteos son más o menos difíciles, que los tempos son de una forma u otra… todo un sin fin de tecnicismos que hacen disfrutar más, o al menos de otra forma, a este tipo de espectadores…. En cambio los que tan sólo se limitan a escuchar música, el arte les viene más a groso modo, y puede que disfruten más del concierto justamente por esa ignorancia, pero los músicos lo poco que disfruten debatiéndose entre lo bueno y lo malo, será siempre mucho más intenso y de calidad.

El cine plagado de clichés suele ser referente a otras épocas, como el de los 80 o incluso ya el de los 90… si contemplamos una película rollo “Pesadilla en Elm Street” o “Viernes 13”, sabremos que un aire de nostalgia nos invade, y por lo tanto no seremos objetivos, diremos que la peli mola, aunque sea una auténtica mierda.



El cine de sustos sencillos no surge efecto con los “músicos” que les gusta BB King… vamos, que a quienes nos gusta el cine, y el cine de terror (por separado), los sustitos con resalto musical y caretos diabólicos saliendo de la oscuridad, solo nos llevan al aburrimiento absoluto, y hablo de verdad, en serio, literal… el cine trillado es aburrido, y la falta de originalidad es lo peor que pueda ocurrir en este tipo de cintas.

Tal vez este todo inventado, pero está claro que el estilo de cada director marca la diferencia… Si “Casino” lo hubiera dirigido un director de encargo (véase películas típicas de sobremesa), seguro que jamás hubiera triunfado por muchas estrellas que tenga el film… Scorsese sabe lo que quiere y sabe llamar nuestra atención con su dirección, por eso es una de las estrellas que brillan con luz propia.



El cine de terror podría ser CINE, si directores con sello propio se encargasen de él… o si los productores dejasen de obligar a meter clichés obsoletos pensando que es lo que gusta, y da dinero.

Pero claro, mientras las taquillas sigan generando dinero con películas mediocres, esto seguirá igual.

En definitiva, y por lo que escribo esto, es para entender que el cine de terror tiene dos públicos, y que es imposible que los dos entren en el mismo saco, prueba de ello son filmes como “It Follows”, “La Bruja”, o en su momento “El Proyecto de la Bruja de Blair”, que fue incomprendida por el espectador más llano.



Pero hay luz al final del túnel… además de algunos directores como James Wan, o Federico Álvarez, otros directores de mayor reconocimiento están fijando su atención en este género… sería maravilloso ver una película de terror de Nolan, Tarantino, Aronofsky, o el propio Scorsese… Todo llegará.

WHIPLASH (sabroso latigazo proveniente del corto)

Hacía mucho tiempo que una película no me atrapaba tanto como esta.

Escrito y dirigido por Damien Chazelle, en su opera prima, el jovencísimo director (31 años) se alza con 3 premios Oscar (mejor actor de reparto, mejor sonido y mejor montaje…. El director le da muchas vueltas a muchos oscarizados, pero bueno) e innumerables premios de toda clase como mejor película en Sundance (premio del jurado y del público) con este espectacular film.

SINOPSIS:

El objetivo de Andrew Neiman (Miles Teller), un joven y ambicioso baterista de jazz, es triunfar en el elitista Conservatorio de Música de la Costa Este. Marcado por el fracaso de la carrera literaria de su padre, Andrew alberga sueños de grandeza. Terence Fletcher (J.K. Simmons), un profesor conocido tanto por su talento como por sus rigurosos métodos de enseñanza, dirige el mejor conjunto de jazz del Conservatorio. Cuando Fletcher elige a Andrew para formar parte del grupo, la vida del joven cambiará.



Un premio Oscar a su montaje, pues es clave para llevar el ritmo trepidante que te mantiene atento, nervioso, y con el corazón en un puño según se van incrementando los sucesos en torno a Andrew Neiman, el papel que interpreta Miles Teller con gran talento, y que no se deja amedrentar por el Oscarizado  J.K. Simmons en este film al mejor actor de reparto. Un personaje al estilo de El Sargento de Hierro, pero en profesor de música, y que te hace reír con sus obscenidades a la vez que odiarlo por su tiranía.

La historia no sale mucho del interior de la clase donde practican, pero tiene una infinidad de planos que sustituyen a las palabras que otros directores habrían preferido utilizar para explicar la mayoría de los sentimientos de sus personajes.



Tan solo da pie a un “anticlímax” donde una conversación entre Simpson y Teller encienden la mecha para la sorpresa final… un final tremendo donde nada es lo que parece, y cuando crees saber el camino, vuelve a girar dejándonos ojipláticos….

Si encima te gusta el Jazz, podrás disfrutar de un sonido impecable y pegadizo, que el propio director utiliza para dar vida a las escenas donde la música no es la protagonista… Una pieza redonda, magnífica, un film recomendable inclusive si te gusta el reguetton…

Será que las películas de superación nos motivan para nuestras metas personales….? No lo sé, pero esta cinta es una auténtica joya.

La película nace de un cortometraje anterior, como muchos buenos films… aquí os dejamos el corto.

https://vimeo.com/123482554

PI, FE EN EL CAOS (un Aronofsky arriesgado en su debut)

Darren Aronofsky se llevó el premio al mejor director por está enfermiza película en Sundance ´98, y es que no es para menos. Cuando la alquilé por primera vez en el videoclub allá por el año 1999, 2000 (no lo recuerdo bien), lo hice simplemente porque el argumento, junto con la fotografía, me atraparon sin más.

SINOPSIS:

Max es un brillante matemático que está a punto de dar con el descubrimiento más importante de su vida: la decodificación del sistema numérico que rige el aparente caos del mercado bursátil. Pero primero ha de encontrar el valor del número PI. Mientras se acerca a la verdad, y afectado periódicamente por unas brutales jaquecas, Max es acosado por una agresiva firma de Wall Street y una secta judía que pretende descifrar los secretos ocultos tras los textos sagrados. Todos ansían apropiarse del inminente hallazgo de Max. 



Aronofsky es a día de hoy uno de mis directores favoritos, y no por esta cinta en particular, sino por su estilo, que a pesar de abandonar en algunos films como “La fuente de la vida” (2006), o  “Noé” (2014), es muy reconocible en maravillas como “El Luchador” (2008), o “Cisne Negro” (2010), donde su gusto por el grano destacable en el film, y los planos a hombro dando lugar a secuencias realistas y bastante crudas, dejan un sello inconfundible (ojo, sello, que no “propiedad de”… que ya me conozco a algunos lectores del blog y su afán por que hable con propiedad…).

“PI” es su primer largometraje tras cuatro cortos; y con él atrapa la atención del jurado en el Sundance de 1998, donde una foto en B&N perfectamente quemada a cargo de Matthew Libatique, llamaba la atención de por sí. La manera de adentrarnos en la mente alocada y obsesiva de su personaje “,Max”, interpretado maravillosamente por Sean Gullette, nos va llenando de angustia, de paranoia, de sudores fríos… Aronofsky mueve la cámara de un lado a otro con el fin de inquietarnos, y lo logra sobre todo en los momentos de acción, donde cuelga la cámara de la cintura del protagonista enfocando a la cara, y le hace correr por la ciudad como loco.



Los planos angulares, la saturación de los claro/oscuros, y los personajes que acompañan a la historia, son realmente un pieza fundamental para que todo se torne oscuro y atosigante…

Es difícil transmitir como lo hace en esta película, y sobre todo tomar la decisión de elegir planos complicados y muy arriesgados que pueden ser un todo o nada ante un público o un jurado conservador… Está claro que es un film que gusta o disgusta, con momentos donde las matemáticas, la ciencia y la física toman el protagonismo, y que si no eres algo curioso, puede llegar a aburrirte…



Es la 5ª vez que la veo, y debo reconocer que no para de absorberme… como digo, esa fotografía es hipnótica, el ritmo, y sus personajes hacen el resto…

Recomiendo verla en versión original subtitulada, pues el doblaje en este film es de chiste.

ELEPHANT (la masacre de Columbine)

En 2003 Gus Van Sant se atreve con el relato cinematográfico de la masacre de Columbine.

SINOPSIS:

Recreación de la matanza perpetrada por dos adolescentes en el instituto Columbine. Es un día cualquiera de otoño, y todos los estudiantes hacen su vida rutinaria: Eli, camino de clase, convence a una pareja de rockeros para hacerles unas fotos. Nate termina su entrenamiento de fútbol y queda con su novia Carrie para comer. John deja las llaves del coche de su padre en la conserjería del instituto para que las recoja su hermano. Pero ese día no será como los demás... 

Todos recordamos este terrible suceso que conmocionó al mundo y sobre todo a los americanos, que recibían otra bofetada en la cara que les advertía una vez más del peligro de vender armamento como si fueran cigarrillos.



Gus Van Sant no nos contará la historia de una forma habitual, repleta de planos rutinarios y perfectamente iluminados. Todo lo contrario, nos meterá de lleno en la historia como si fuéramos testigos del minuto a minuto que estos chicos viven en los días previos, y por supuesto el día de la masacre. El director contó con actores profesionales en ciertos papeles, y alumnos de instituto que nada tienen que ver con la interpretación para dar vida a los propios alumnos del instituto, de manera que su cruda visión de lo sucedido se plasmase con mejor efecto en la retina de los espectadores.



No repara en contar con detalle del por qué hicieron esto, de hecho no hay nada previo al momento en que los jóvenes reciben por correo las armas,  momento en el que se disponen a probarlas en el bosque. Nos atisba sus ideales de adolescente atontado, cuando en su habitación cuelgan esvásticas y en la tele se emite un documental de Hitler.

La cinta es lenta, recorre a tiempo real y en planos secuencia el recorrido desde que se suben al coche y se dirigen a la escuela. El espectador sabe lo que va a ver, y de esta forma nos deja casi a modo de documental la idea de cómo fueron esos momentos. La tensión va subiendo sin necesidad de música, como digo parece poner tras los personajes al espectador como testigo directo de todo.



Tampoco se adentra demasiado en los personajes, pero sí que nos presenta a algunos de ellos para que podamos sentir apego por sus vidas a la hora de su ejecución.

Consigue plasmar los momentos tal y como sucedieron, con la frialdad de un asesino que mira a los ojos a su víctima y dispara sin piedad. Siguiendo los pasillos del instituto exactamente como lo hicieron ellos, y llenándolos de sangre hasta el final que todos conocemos.

Gus Van Sant es de mis directores favoritos, y fue con esta cinta cuando comencé a interesarme por su cine.

Por Isaac Berrokal

IT FOLLOWS (luz al final del túnel)

IT FOLLOWS me ha hecho recuperar la fe en el cine de terror, y es que esta película escrita y dirigida por David Robert Mitchell, lleva sello personal,  tiene una dirección que sabe conducir un guión que en manos de otros directores hubiera sido más de lo mismo.

Tal vez a los fans del cine convencional esto les parezca algo extraño, pero lo cierto es que tanto a nivel crítico, como de entretenimiento, es todo un acierto.

En ella he visto cine europeo, cine independiente y un resurgir de creatividad retroalimentada de películas ochenteras como “Pesadilla en Elm Street” o “Viernes 13” entre otros clásicos, pero sin caer en secuenciado de planos típico y predecible.



El plano secuencia con el que arranca es la puerta a una dirección claramente distinta, con una secuencia que apunta a la incertidumbre explosionando la caja de los interrogantes y atrayendo la curiosidad de quienes apuntan a algo más que planos trillados y secuencias repetidas hasta la saciedad por el moribundo Hollywood.

Algo que destaca sobremanera es la música, sintetizada con saturaciones de sonido en los momentos más inquietantes dando lugar a un incremento de la tensión sin apartarnos de la forma mítica de bandas sonoras ochenteras creadas por medio de sintetizadores que pensábamos ya no nos meterían en escena. Todo esto es una demostración de retro-originalidad bien llevada, como Tarantino resurgiendo el cine de serie B en sus mejores tiempos. Otra de las cosas llamativas de esta cinta es la ausencia del ordenador y de los cromas en general… Es evidente que cada vez más directores están omitiendo la “facilidad” del ordenador y su lado económico en la producción,  para dar vida a “bichos” hechos con el uso del maquillaje y de actores que en un primer momento se reconoce su “falsedad”, pero que en pocos minutos te adentras en el juego y ya no hay actores, sino entidades dentro de los limites de lo paranormal.



Si hay algo que aburre es el cine precocinado de Hollywood, con planos de academia, monstruos por ordenador que abrazan la tontería, y reglas mega trilladas donde lo único que consiguen es que se te cierren los ojos de aburrimiento hasta dar con el sueño perfecto, lo podemos llamar píldoras contra el insomnio, muy efectivo, sin duda. Por eso se agradecen cintas tan interesantes y bien dirigidas como IT FOLLOWS, con esto, y lo que nos está trayendo Wan con trabajos como “Expediente Warren” (2013) recuperamos la esperanza .

GUERREROS DE ANTAÑO (la ternura y brutalidad de Lee Tamahori)

Once Were Warriors (1994)

SINOPSIS

En Nueva Zelanda, una familia descendiente de guerreros mahoríes vive, al igual que muchos otros, en los suburbios de una gran ciudad, en una situación de marginalidad respecto a las personas de raza blanca. La vida familiar del clan estará presidida por los problemas de alcoholismo, la delincuencia y los escasos medios económicos.

Lee Tamahori es el director de este film, un film de bajo presupuesto y de alta calidad basado en la novela de Alan Duff. Tal vez el drama más bien plasmado en la pantalla que he visto en las dos últimas décadas.



He querido rescatarlo porque mucha gente aun no lo conoce. En su momento dio mucho que hablar por la temática de violencia de genero ligado al alcoholismo y la marginalidad.

Los personajes están perfectamente interpretados y definidos. Un padre que a priori es una bellísima persona, pero que en manos del alcohol es el mismísimo diablo, con una mano muy suelta que siempre termina estrellándose contra la cara de su mujer, la actriz Rena Owen, quien ganó el premio a la mejor actriz en el festival de Montreal de 1994.

Lo más interesante de la dirección y la interpretación es como consigue su director y obviamente el interprete Temuera Morrison, mantener la línea del amor odio. Mantiene la tensión en el film con un padre que siempre está al limite de estallar, y cuando eso ocurre se da lugar a las escenas más crudas y reales en lo que a violencia se refiere. Es muy complicado dejar en la línea la tensión continua durante una hora y media.



Hay escenas memorables que han pasado a la historia del cine, tal vez no en la memoria del cine americano, pero a nosotros eso nos importa bien poco, pues rara vez el cine americano consigue sobrecogernos como lo hacen ciertas películas europeas. Una de las escenas que todos los que hemos visto esta cinta recordamos, es la paliza que Jake Heke (Temuera Morrison) propina a un tipo (no voy a decir de quien se trata para no provocar spoiler) en un bar. Donde en un plano secuencia se muestra la absoluta brutalidad de un hombre llevado por el odio.

El guión llega a límites insospechados donde la repugnancia del ser humano hace mella, y de alguna manera la conciencia al espectador se ve prevenida ante situaciones que si bien suelen ocurrir a gente marginada, ciertos elementos suelen ser más propicios de familias acomodadas.

Maravillosa cinta que hoy traemos a La Muvida por si alguien quiere ver cine del bueno, eso si, nada de palomitas, se te pueden atragantar.

CANINO (de Giorgos Lanthimos)

Si hay una película con un guión verdaderamente original, esa es CANINO (2009), un film del griego Giorgos Lanthimos que nos cuenta como sería el comportamiento de dos personas que se han criado en una casa sin tener contacto con el exterior…

SINOPSIS

Un matrimonio con tres hijos vive en una mansión en las afueras de una ciudad. Los chicos, que nunca han salido de casa, son educados según los métodos que sus padres juzgan más apropiados y sin recibir ninguna influencia del exterior. Creen que los aviones son juguetes o que el mar es un tipo de silla forrada de cuero. La única persona que puede entrar en la casa es Christine, guardia de seguridad en la fábrica del padre.



Con un argumento tan especial es difícil quedar a la altura en su plasmación en pantalla, algo muy típico en el cine más exigente. Pero Giorgos lo consigue con creces.

Filma con un estilo muy personal, una firma muy europea que nos recuerda mucho al estilo de Michael Haneke, con planos secuencia, la cámara prácticamente sobre trípode todo el tiempo, y una iluminación muy fiel a la realidad para adentrarnos en la historia sin distracciones.

Hay escenas donde el sexo es bastante explícito, algo parecido a la mítica escena de la violación en IRREVERSIBLE ( Gaspar Noé – 2002), pero con algo más de “realismo”… El director deja todo la crudeza en la pantalla sin apenas adornos musicales y con la ausencia de planos extraños o comprometidos, algo muy básico donde la historia lo es absolutamente todo.

Una genialidad que aun no sabemos si ha sido casualidad o realmente tiene este carisma a la hora de escribir, pues en ALPS (2011) el listón no es superado ni de lejos, ni tan siquiera queda a la altura de su sinopsis, también muy inquietante.



SINOPSIS ALPS:

Una enfermera que trabaja por las noches en un hospital se ocupa de atender las necesidades de las familias que han perdido a sus seres queridos. Forma parte de un grupo llamado "Alps", cuyos miembros ofrecen, a cambio de dinero, reemplazar a los muertos en la vida diaria de esas familias.

Aun no he tenido oportunidad de ver THE LOBSTER (2015), con un argumento de nuevo muy interesante:



SINOPSIS THE LOBTER

Relato de una historia de amor no convencional, ambientada en un mundo distópico, en un futuro cercano, en el que de acuerdo a unas reglas determinadas los solteros son arrestados y enviados a un lugar donde se les obliga a encontrar su pareja antes de 45 días. Un relato sobre los efectos de la soledad, el temor a morir solo, a vivir solo, y también al temor a vivir con alguien.

Espero que en esta ocasión recupere esa brisa de inspiración y talento que le hizo realizar una maravilla como CANINO.

RE-EVOLUTION (una peli de 2.000.000€ hecha por 8.000€)

Tal vez la crisis haya sido la encargada de que los nuevos directores se lancen a por el largo, o simplemente sea una percepción mía, pero lo que es cierto es que de pronto hemos pasado de una generación de directores que se les ha ido pasando el arroz pensando en que nunca era el momento para atreverse con el largo, a una generación de directores con las ideas bien claras… ¡quiero hacer un largo!

David Sousa es un director al que conocí mientras rodaba interiores de su película en el carismático edificio audiovisual Q-BOX, en Leganés (Madrid).

Recuerdo que el equipo de gente era reducido y que en pleno verano de 2014 un grupo de actores iban de aquí para allá vestidos hasta arriba como SWAT, me moría de calor al verles…

“Re-evolution” es su opera prima, y no se anda con tonterías, nada de minimalismos ni de una única localización… “Re-evolution” es toda una película con pretensiones, y David nos va a hablar de ella:

Hola David, antes de nada felicidades, pues pude ver muy por encima las dificultades del rodaje, y sé que fue difícil.

Gracias Isaac! La verdad es que fuiste testigo de bastantes de los momentos más tralleros del rodaje. Está guay que haya testigos… si no luego la gente no se lo cree. ;)

Cuéntanos un poco quien eres y a que te dedicabas antes de lanzarte a hacer una película.

Básicamente llevo desde los 19 años trabajando como director/productor freelance. He dirigido casi un centenar de video clips, infinidad de videos publicitarios, reportajes, videos de moda, programas de tv y, en general, todo lo que pudiese pagarme le alquiler durante estos años. Eso fue lo que me enseñó todo lo que sé a fecha de hoy sobre como intentar que algo mole mucho con muy poca pasta.



Cuando te decides a hacer una película debes estar muy seguro en lo que te vas a meter, pues la gestación es dura y no puede haber vuelta atrás. ¿Le diste muchas vueltas a la idea argumental? ¿Te viste influenciado por el criterio festivalero o lo que más se vende en taquilla?

El guión de Reevolution tiene ya más de 12 años, así que me ha dado tiempo a trabajarlo en todas las direcciones. Era un guion con unos personajes muy extremos que vivían en una gran crisis social y filosófica. Cuando lo escribí en el 2003 aún no había ni siquiera crisis. Con el tiempo fui rescribiéndolo, adaptándolo a mis nuevas facetas, a mis nuevas experiencias, añadiéndole cosas de la realidad de una crisis que iba creciendo…. Pero nunca lo escribí para que gustara en un festival o que hiciera dinero. Evidentemente siempre he pensado que Reevolution puede arrasar en taquilla porque mola un montón!, pero no la escribí para un gran público. Hay acción porque a mí me gusta la acción; hay drama porque me interesa profundizar en las emociones; y hay bastante rollo ochentero porque es lo que a mí me mola. Básicamente, escribí la peli que yo hubiese querido ver en el cine.

Cuando escribiste “Re-evolution” te ibas encontrando con escenas que salían de tu imaginación pero que seguramente iban acompañadas del símbolo del Euro… ¿arrugaste muchas páginas pensando en que tales escenas iban a costar demasiado dinero, o lo escribiste y después ya se vería?

Siempre he escrito a lo grande y a lo bestia. Siempre que imagino un personaje es con una superestrella de Hollywood, siempre que hay polis tienen que ser un montón, con muchas sirenas y coches molones…. Soy muy yankee en ese sentido. Luego ya tuve que buscarme la vida para producir ese monstruo gigantesco. Muchas veces me he dado de cabezazos por haber escrito barbaridades y a mi mujer Carol, que me ha ayudado en la producción, casi le daba un infarto cada vez que le decía que necesitaba un centenar de extras para rodar una escena sin tener dinero…

Aunque sí hay un par de escenas que por complicación extrema, se han tenido que eliminar del rodaje o simplificar un poco más por supuesto.

Pero si no apuntas alto….



Realmente hablamos de películas Low Cost, pero son bajas de presupuesto normalmente porque el equipo no cobra, los materiales son cedidos por empresas y marcas, y todos estos “favores” que de alguna forma hacen que el dinero en metálico no se vea, pero ¿en cuanto tasas esta producción si hubieras tenido que pagar equipos, personal y de más?

Yo calculo que haciéndolo “correctamente” hubiese costado un buen par de millones de euros al menos. En España hacer cine es muy caro, el personal, los convenios, los impuestos….

¿Cuánto te costó finalmente?

Al final calculo que en total nos habrá costado unos 8000 euros aprox. Contando que al menos 6000 han ido para pagar impuestos. No te puedo dar la cifra exacta porque aún estamos acabándola y pueden surgir gastos en cualquier momento, pero por ahí van los tiros.

¿En cuantas localizaciones de exteriores e interiores has filmado? ¿todas en Madrid?

Todas las localizaciones son de Madrid, aunque no lo parezca (hemos intentado darle un look lo más internacional posible). Creo que hemos grabado en más de 60 localizaciones diferentes. El hit fue poder contar con Qbox, de allí sacamos al menos unas 15 ó 20 localizaciones súper chulas.



¿Puedes contarnos un par de anécdotas que te hayan marcado durante el rodaje?

Buff!!! Hay tantas!! Seguro que sería mejor peli el Making que Reevolution. Hay anécdotas en todas las fases de la peli como, por ejemplo, cuando estábamos con el casting y me dio por llamar a los Ángeles al agente de Matt Damon y Ben Affleck para proponerles un papel y, la verdad, es que no conseguí ni que se leyeran el guion. También conseguimos que la oferta les llegara a Gérard Depardieu, Zoe Saldana, Viggo Mortensen, Chris Evans… que lo declinaron muy cordialmente. En el rodaje pasó de todo… Desde que nos robaron unos televisores, hasta anécdotas que no puedo contar (lo sé, siempre son las mejores, pero no puedo…). Hubo un día que no teníamos extras para hacer de forenses en una escena, así que el equipo técnico se puso los trajes de forense e iban haciendo su trabajo hasta que el plano pasaba delante de ellos, entonces hacían de extra y cuando el encuadre cambiaba retomaban sus trabajos… En edición, el primer corte de la peli pasaba de las dos horas y treinta minutos, ahora tiene una duración de una hora y treinta y cinco minutos… Tardé casi 2 meses en eliminar más de una hora de metraje y hasta un personaje entero ha desaparecido de la historia. Hay millones de anécdotas… Y más teniendo como protagonistas a Leo Rivera, Fele Martínez, Gorka Otxoa y Hovik Keuchkerian, que cuando estaban juntos en el rodaje nunca faltaban anécdotas.

Hablando un poco de tecnicismos… Rodaste con cámaras de fotos 4K, ¿qué tal la experiencia y porqué cámaras de fotos?

Lo de las cámaras fue un hit! Panasonic nos facilitó cámaras GH4 (acaban justo de salir por aquel entonces) Increíbles!! Grabar cine con estas cámaras son todo ventajas, ya que pesan poco, son fáciles de operar, graban a una calidad increíble, se controlan desde la tablet…. Que más quieres que te diga…. La tecnología es la que está salvando el cine independiente sin lugar a dudas.



Haciendo uso de una pregunta recurrente, pero que me gusta contrastarla con diferentes realizadores.. ¿Crees que los directores de cortos que pretenden dar el salto al largo se ponen muchas trabas a la hora de tomar la decisión definitiva?

Yo no sé si se ponen trabas o si simplemente les mola más ese formato. Yo he ayudado en cortos, pero nuca he hecho cortos. Siempre se me ocurren ideas de largos y, sobre todo, de series de televisión. El corto a mí personalmente no me parece muy atractivo para trabajarlo. Pero hay ideas que en corto resultan geniales. A cada historia su formato, no? En cuanto a aquellos realizadores que dudan en si lanzarse al largo o no…. Reevolution es mi primera peli y no hay páginas para escribir todo lo que he aprendido haciéndola. Mi consejo es hacedla, salga o no salga, simplemente como personas, por lo que vais a prender y evolucionar haciéndola.

¿ Puedes dar 5 consejos a aquellos que están indecisos para saltar al largo?

Pues eso, no pienses tanto y lánzate. Al final si gusta o no…. Es tu primera peli, no? Pues aprende de ella para hacer una segunda, una tercera… no creas que te juegas toda tu vida a una sola carta.

Otros 4 consejos más….

Piensa a lo grande, no busques la perfección más bien la eficiencia, haz lo que te guste, a lo mejor es la única peli de tu vida en la que vas a tener esa libertad, y céntrate en el siguiente paso lógico, si intentas ver todo lo que queda por hacer te acojonarás y te quedarás bloqueado.

Para terminar, ¿en que andas metido ahora?

Sigo editando la peli!! Jajaja Nunca pensé que la edición y los post iban a durar tanto. Por otro lado, con mi chica Carol también trabajamos juntos haciendo reportajes para televisión, vídeos corporativos, alguna que otra publi, algún videoclip…. Pero el 90% del tiempo lo paso editando “Reevolution”

Muchas gracias por tu tiempo David, esperamos ver pronto tu película y las que sucedan después.

Un Abrazo

[embed]https://www.youtube.com/watch?v=SSjmrDv4hdk[/embed]

[embed]https://www.youtube.com/watch?t=84&v=XuI0PihmCvY[/embed]

L'ENFANT (Palme d'Or 2005)

Sin duda Cannes es todo un referente de buen cine, y desde La Muvida queremos destacar ciertas cintas que bien han ganado la Palme d'Or o simplemente han sido seleccionadas, que también es un gran premio.

Queremos destacar la película EL NIÑO (L'Enfant – 2005) de los directores y guionistas Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne, un film realmente maravilloso que nos relata casi a tiempo real la aventura de una pareja de jóvenes que tienen un bebé y el novio decide venderlo por su cuenta a una pareja por medio de una organización de tráfico de niños. Pero la cosa no sale como quisiera y se desencadena una situación realmente tensa.



La manera de rodar en este trabajo es sencilla, cámara en mano y sin cortes, podemos decir que cada escena corresponde a un plano secuencia, una manera rápida de filmar que si no se hace bien es más que probable que termine en catástrofe.

La historia transcurre prácticamente en su totalidad por las calles de un pueblo o barrio francés, pues no se especifica. Ambientada en invierno y con una fotografía realista de cielos nublados y calles frías, los dos autores nos meten de lleno en una historia que desde el minuto uno ya te ha enganchado, y que a pesar de no tener cambios de plano ni originalidad en su mensaje visual, es suficientemente eficaz como para no dejar que apartes la mirada de la pantalla.

Personajes efímeros que van refrescando el transcurso del film e innumerables localizaciones que del mismo modo van alimentando el interés del espectador, son uno de los alicientes para el entretenimiento.

La crueldad de la historia y su crudeza está ligeramente compensada con lo ingenuo de sus personajes, adolescentes que ya no lo son tanto y que aun ríen y juegan a pesar de las circunstancias que les rodean. Jérémie Renier, Déborah François, Jérémie Segard, Fabrizio Rongione son los responsables de dar vida al film con gran éxito. Este es el tipo de película que necesita de rostros desconocidos para dar credibilidad… realmente todos los films lo necesitan, pero de eso ya hablaremos en un artículo que tenemos preparado donde los grandes actores corren peligro de cara al futuro cinematográfico.

Se aconseja ver en V.O ya que este tipo de películas pierden por completo con el doblaje (todas lo hacen, pero los films independientes suelen ser maltratados por los directores de doblaje). Si aun no la habéis visto, no sé a que esperáis.