ALZHEIMER

Hoy es el día mundial del Alzheimer, y hace tiempo realicé un corto para el Notodofilmfest donde trataba de explicar como son los primeros síntomas. No hay voz en off, no hay diálogos, es tan simple como olvidar detalles... que haces en ese momento... ¿entrabas o salías?.... es tan cruel como vivir en LA NADA.

SIEMPRE ALICE (el dulce Alzheimer de Julianne Moore)

Ver una película sobre Alzheimer con actores como los que encontramos en este film, es igual a edulcorar el drama hasta limites insospechados. La película escrita y dirigida por Richard Glatzer y Wash Westmoreland (Novela: Lisa Genova), apunta muy bien, pero al no dejar los míticos matices americanos de lado, la obra se torna distante de la cruel realidad.

La manía de construir personajes en entornos adinerados, con casas perfectas y trabajos maravillosos, hace que al espectador no le termine de cuajar algo tan cruel como la enfermedad del Alzheimer… Moore hace un trabajo espléndido, pero como siempre digo, las estrellas de Hollywood brillan por si solas, impidiendo que nos acordemos del nombre del personaje, reluciendo constantemente un “Julianne Moore” que no nos deja adentrarnos en el problema a mostrar.



A parte de esto, el film no se ofrece cruel, las situaciones que le ocurren son de las menos crudas que pueda manifestar esta enfermedad… A pesar de estar filmado con un toque europeo, con mucha cámara a hombro, planos sostenidos de varios minutos, y una música casi inexistente… los colores cálidos de los interiores, las ropas sonrosadas, y el comportamiento tremendamente comprensivo y apacible de sus personajes ante una situación tan desquiciante, hacen de la cinta un despropósito.

En la escena donde va a dar su discurso y los papeles se le caen al suelo, todos nos tememos lo peor… que su gran discurso se truncase ante ese lamentable incidente, pero lejos de eso, sale airosa de la situación… y esto es un grave error en el guión.



Las tramas que engloban a su familia son flojas, parecen no vivir ese drama como cualquier humano lo haría… Hasta el marido (Alexander Baldwin) no parece desquiciarse en ningún momento… su vida sigue más o menos igual, su desesperación es inexistente y la película avanza sin mayores tragedias… Tampoco centran su atención en la descomposición del matrimonio… el sexo, el impedimento de mantener la rutina dentro de una pareja…

Una historia donde hay un personaje con Alzheimer, debe mostrar el cruel agujero por donde se escapa la vida de toda una familia entera… Es de las enfermedades más devastadoras, y de las que más fuerza tienen para arrastrar a amigos y familiares… y en este film esto no ocurre.



Si esta misma película saliera de una producción europea, la cosa pintaría de otro modo… Imagino personajes con trabajos más normales… el marido siendo guarda jurado en un centro comercial… la protagonista profesora de instituto, sin necesidad de mostrar una gran mente para ver como se destruye…. Son este tipo de cosas las que diferencian el buen cine del cine edulcorado de Hollywood, un cine a medias tintas al que ellos consideran duro y digno de los premios que se ha llevado, entre los cuales el Oscar a la mejor actriz principal…



Absurdo, plenamente absurdo si lo comparamos con el maravilloso cine europeo… pero los americanos es lo que tienen, una ceremonia de los Oscars donde ellos mismos se lo guisan y se lo comen, y donde el drama más duro pasa por este flojo guión.

En definitiva, una película delirantemente suave, y profundamente mejorable.

18 SEGUNDOS (la vida misma)

SINOPSIS

Amy y Jack no se conocen. Viven en dos ciudades distintas. Se dedican a cosas totalmente diferentes. Ni siquiera tienen gustos parecidos. Pero ambos tardan exactamente los mismos segundos en hacer las mismas cosas. Hoy se encontrarán por primera vez.

Este es otro de los cortometrajes que quedaron en mi memoria. Dirigido por MacGregor y Bruno Zacarías, es una de esas piezas que te hacen reflexionar sobre la vida… un corto que perdura en mi memoria desde 2008.

por Isaac Berrokal

CORAZÓN ROTO (el desconocido papel de Jeff Bridges)

Con guión de Peter Silverman e historia de Peter Silverman, Martin Bell y Mary Ellen Mark, fue en 1992 cuando nos deslumbraron con esta maravillosa historia de amor odio entre un padre y un hijo, interpretado magistralmente por un jovencísimo Jeff Bridges y un aún más joven Edward Furlong, tal vez sus dos mejores papeles a mi parecer.

SINOPSIS:

Jack Keely (Jeff Bridges), un hombre que acaba de salir de la cárcel en libertad condicional, vuelve a ver a su hijo Nick (Edward Furlong) después de muchos años de no saber nada el uno del otro. Jack es un hombre rudo y distante al que parece importarle muy poco la vida de su hijo, de modo que hace todo lo posible por deshacerse de él. Por el contrario, Nick, un adolescente conflictivo, no está dispuesto a renunciar a su padre.

En esta historia encontramos una maravillosa fotografía a cargo de James R. Bagdonas, donde se refleja a la perfección las calles barriobajeras de una ciudad invernal y repleta de vida de todas las clases.



La música es de James Newton Howard, y encontramos también temas del fabuloso Tom Waits, unos temas acordes a la perfección con el ambiente recreado en el film.

Personajes que se van desarrollando durante el metraje con una sinceridad asombrosa, con momentos de drama donde el director, Martin Bell,  prescinde de la música para dejar una escena realista y cruda, alejándose de la lágrima fácil y acentuando más, si cabe, la personalidad de los personajes.

Según transcurren los minutos nos vamos adentrando en la nueva vida de los protagonistas. Jack, el padre que está bajo la supervisión de su agente de la condicional, consiguiendo redimirse con un trabajo de limpiacristales que oculta a su hijo, contándole a éste que es jefe de algún trabajo mejor visto. Y su hijo, tonteando con una pandilla de barrio, con chavales de toda índole, y enamorándose de la hija de una prostituta que le lleva a todo tipo de problemas a él y a su padre.



Bares con mesas de billar, bailes al son de Tom Waits, ukeleles refugiados de la lluvia, amores adultos y adolescentes… gente mala sin escrúpulos, sueños de futuro que se desquebrajan… esta historia es una verdadera maravilla que se quedó con un escaso premio Independent Spirit al mejor actor (Jeff Bridges) y 5 nominaciones. Es entonces cuando te das cuenta de que Hollywood, que ni la percibió, es simplemente un escaparate sin criterio, movido por otras motivaciones e intereses.

Si queréis ver una gran película, no lo dudéis, Corazón Roto (American Heart) es vuestra película.



Por Isaac Berrokal

GUERREROS DE ANTAÑO (la ternura y brutalidad de Lee Tamahori)

Once Were Warriors (1994)

SINOPSIS

En Nueva Zelanda, una familia descendiente de guerreros mahoríes vive, al igual que muchos otros, en los suburbios de una gran ciudad, en una situación de marginalidad respecto a las personas de raza blanca. La vida familiar del clan estará presidida por los problemas de alcoholismo, la delincuencia y los escasos medios económicos.

Lee Tamahori es el director de este film, un film de bajo presupuesto y de alta calidad basado en la novela de Alan Duff. Tal vez el drama más bien plasmado en la pantalla que he visto en las dos últimas décadas.



He querido rescatarlo porque mucha gente aun no lo conoce. En su momento dio mucho que hablar por la temática de violencia de genero ligado al alcoholismo y la marginalidad.

Los personajes están perfectamente interpretados y definidos. Un padre que a priori es una bellísima persona, pero que en manos del alcohol es el mismísimo diablo, con una mano muy suelta que siempre termina estrellándose contra la cara de su mujer, la actriz Rena Owen, quien ganó el premio a la mejor actriz en el festival de Montreal de 1994.

Lo más interesante de la dirección y la interpretación es como consigue su director y obviamente el interprete Temuera Morrison, mantener la línea del amor odio. Mantiene la tensión en el film con un padre que siempre está al limite de estallar, y cuando eso ocurre se da lugar a las escenas más crudas y reales en lo que a violencia se refiere. Es muy complicado dejar en la línea la tensión continua durante una hora y media.



Hay escenas memorables que han pasado a la historia del cine, tal vez no en la memoria del cine americano, pero a nosotros eso nos importa bien poco, pues rara vez el cine americano consigue sobrecogernos como lo hacen ciertas películas europeas. Una de las escenas que todos los que hemos visto esta cinta recordamos, es la paliza que Jake Heke (Temuera Morrison) propina a un tipo (no voy a decir de quien se trata para no provocar spoiler) en un bar. Donde en un plano secuencia se muestra la absoluta brutalidad de un hombre llevado por el odio.

El guión llega a límites insospechados donde la repugnancia del ser humano hace mella, y de alguna manera la conciencia al espectador se ve prevenida ante situaciones que si bien suelen ocurrir a gente marginada, ciertos elementos suelen ser más propicios de familias acomodadas.

Maravillosa cinta que hoy traemos a La Muvida por si alguien quiere ver cine del bueno, eso si, nada de palomitas, se te pueden atragantar.

L'ENFANT (Palme d'Or 2005)

Sin duda Cannes es todo un referente de buen cine, y desde La Muvida queremos destacar ciertas cintas que bien han ganado la Palme d'Or o simplemente han sido seleccionadas, que también es un gran premio.

Queremos destacar la película EL NIÑO (L'Enfant – 2005) de los directores y guionistas Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne, un film realmente maravilloso que nos relata casi a tiempo real la aventura de una pareja de jóvenes que tienen un bebé y el novio decide venderlo por su cuenta a una pareja por medio de una organización de tráfico de niños. Pero la cosa no sale como quisiera y se desencadena una situación realmente tensa.



La manera de rodar en este trabajo es sencilla, cámara en mano y sin cortes, podemos decir que cada escena corresponde a un plano secuencia, una manera rápida de filmar que si no se hace bien es más que probable que termine en catástrofe.

La historia transcurre prácticamente en su totalidad por las calles de un pueblo o barrio francés, pues no se especifica. Ambientada en invierno y con una fotografía realista de cielos nublados y calles frías, los dos autores nos meten de lleno en una historia que desde el minuto uno ya te ha enganchado, y que a pesar de no tener cambios de plano ni originalidad en su mensaje visual, es suficientemente eficaz como para no dejar que apartes la mirada de la pantalla.

Personajes efímeros que van refrescando el transcurso del film e innumerables localizaciones que del mismo modo van alimentando el interés del espectador, son uno de los alicientes para el entretenimiento.

La crueldad de la historia y su crudeza está ligeramente compensada con lo ingenuo de sus personajes, adolescentes que ya no lo son tanto y que aun ríen y juegan a pesar de las circunstancias que les rodean. Jérémie Renier, Déborah François, Jérémie Segard, Fabrizio Rongione son los responsables de dar vida al film con gran éxito. Este es el tipo de película que necesita de rostros desconocidos para dar credibilidad… realmente todos los films lo necesitan, pero de eso ya hablaremos en un artículo que tenemos preparado donde los grandes actores corren peligro de cara al futuro cinematográfico.

Se aconseja ver en V.O ya que este tipo de películas pierden por completo con el doblaje (todas lo hacen, pero los films independientes suelen ser maltratados por los directores de doblaje). Si aun no la habéis visto, no sé a que esperáis.

AMOUR (recordando estrenos)

Hoy quiero recordar el último film de Haneke, AMOUR, una película que me encantó a pesar de no ser muy amigo de las dos horas de duración que últimamente tienen como estándar casi todas las producciones, aunque en este director es algo.

La historia se filma casi en su totalidad en un único escenario, el interior de la casa de la pareja de ancianos, y lo cierto es que pensé que me aburriría, pero algo en la película me dejó un buen sabor de boca, pues siendo sincero me da bastante pereza lanzarme a ver su cine por los interminables planos secuencia que le caracterizan.

En AMOUR me encuentro un Haneke más centrado en la historia y menos en los detalles rutinarios que puedan rodearlo. Planos secuencia escasos, y de no mucha duración (si no recuerdo mal en "71 Fragmentos de una cronología del azar" había un plano de nueve minutos de duración donde un anciano hablaba por teléfono). En este caso nos sorprenden varias cosas: Por un lado, y como he dicho antes, me agrada que los planos no sean excesivamente largos, pues me dicen lo mismo y me ahorran el mirar el reloj. Por otro lado la iluminación de la fotografía es más viva de lo normal,  pues siempre pretende dejar una iluminación fiel a la que tenemos en casa, en la ciudad o en el trabajo buscando siempre el hiperrealismo. También sabe tratar con maestría la elipsis, los saltos en el tiempo donde podemos ir viendo un deterioro de Anne muy logrado y sin que nos chirríe. Las interpretaciones son sublimes, de esto poco hay que decir. Cabe destacar la pesadilla donde el piso está inundado de agua, una secuencia donde demuestra que si quisiera hacer cine de terror nos pondría a todos los pelos de punta.

Michael Haneke es un maestro de lo amargo, de lo crudo, y que duda cabe que en esta cinta podía habernos sacado lo más cruel de la agonía de una anciana, casi como si de un documental de una residencia de ancianos se tratase, pero es ahí donde demuestra lo buen director que es sin hacer explícitas las escenas más desagradables y sin sobrepasar el limite de la miseria y la crueldad.

AMOUR me ha quedó como una película imprescindible en la filmografía de Michael Haneke junto con las imprescindibles: “La Pianista”, “Funny Games” y “El Video de Benny”, auténticas lecciones de cine realista e historias perturbadoras.

Seguimos a la espera de saber cual será su próxima película, pues ahora dirige una serie para la televisión llamada “Così fan tutte” que no se emite en nuestro país.