HOLLYWOOD (la transición irremediable)

Con el tiempo el cine comercial de la industria de Hollywood ha ido en mayor medida convirtiéndose en un cine plano, lineal, insulso y aburrido. Esta es mi percepción, por supuesto. Películas que en otros tiempos se habrían convertido en atemporales, ahora son plenamente olvidables.

Títulos como: “La Conspiración del Silencio”, “The Imitation Game”, “En Busca de la Libertad” o “La Teoría del Todo” entre otros,  son filmes que deberían haber quedado en mi memoria como grandes películas, y que sin embargo, han quedado como films de sobremesa… sí, de esas de Antena 3 después de comer… telefilmes que no dejan ningún atisbo de majestuosidad… “pelis pa´echar el rato”….



Cada vez está más presente el cine de otros países, guiones más interesantes incluso en genero de acción, donde suelen ser historias menos agraciadas…  aún así, siempre hay un matiz en el guión que lo eleva de categoría.

El cine de los 90 donde descubríamos el New York más popular y céntrico, pasó de moda… Nos aburren sus calles, sus ciudadanos y sus elementos urbanos… De EEUU nos aburren sobremanera sus casas de madera blanca, sus grandes jardines sin vaya y sus cocinas kilométricas…

Tal vez al público americano le siga entusiasmando ver una y otra vez las mismas calles, los mismos coches y siempre lo mismo en cada plano… pero creo que incluso a cualquier madrileño le aburriría ver cine donde el escenario siempre sean la Gran Vía, la Castellana, o la M30… El orgullo patrio yanqui es ya anodino… perdió su efervescencia hace tiempo… se ha diluido en la cultura del resto del mundo.



El cine que nombro anteriormente es cine que en otra época me habría entusiasmado, pero que a día de hoy, ya sea por la edad, mi pasión por el cine, o que realmente es ya cansino… no me presta ningún interés, ni aporta nada nuevo.

Hace poco sacaban un titular en la revista Cinemanía donde se decía que “el mejor guionista del mundo”, Aaron Sorkin, ya no hacía taquilla, y es que el público evoluciona, y más con un cine americano que se queda rancio ante las nuevas propuestas independientes, o de menor presupuesto… El cine europeo es mucho más interesante y apuesta por historias distintas que captan la atención del gran público...

Si observáis en los últimos años, hasta las grandes productoras de Hollywood han fijado sus escenarios en ciudades europeas, eso si, muchas de estas producciones no han salido de Los Ángeles, se han limitado a construir replicas de escenarios antes de plantarse en Alemania, Inglaterra o Francia, pero es una evidencia que el cambio de aires es una necesidad.



Pero por mucho que la mona se vista de seda… Los guiones americanos muestran siempre personajes sobre-actuados, personajes que a día de hoy deberían guardar un poco las formas… debería asemejarse un poquito más a la realidad… como siempre digo, la evolución en el cine camina hacia el realismo… prueba de ello es, por ejemplo: eliminar el sonido de explosiones en las escenas espaciales… o cuando alguien recibe un disparo en el abdomen, que termine muriendo si no es atendido de inmediato…

John Mcclane molaba, pero forma parte del cine de los 90, un cine donde se permitían esa licencia, a día de hoy Mcclane pierde fuelle en sus nuevas entregas porque al espectador moderno le cuesta recrearse en ese cine noventero, y lógicamente a las nuevas generaciones no les puedes vender esa moto.

Spielberg y sus colegas consiguieron crear el llamado “Nuevo Hollywood”, y ahora estamos en la transición de un nuevo Hollywood aún mejor.. démosle tiempo… los remakes, los reboots y de más muestras de falta de ingenio son síntomas de que el cambio esta cerca… Paciencia.

ASESINO NATOS (el caprichito de Stone)

Oliver Stone hace grandes producciones por lo general. Su cine está más vinculado a la política, ya sea de un modo directo o con una historia de trasfondo que nos lleve hasta estos confines. Pero a veces se desmarca para saciar sus propios caprichos, así como para deleitarnos a quienes nos gusta este lado más gamberro de Stone. En un artículo anterior ya hablamos de “Giro al Infierno” (U Turn - 1997), un film alocado donde el director mostraba su lado más paranoico y salvaje. Pero fue mucho antes, en 1994, cuando nos dejó de piedra con “Natural Born Killers”, un film extremo repleto de peculiaridades que protagonizaron maravillosamente Woody Harrelson y Juliette Lewis.

La historia está escrita por Quentin Tarantino, y está inspirada en Charles Starkweather y Caril Ann Fugate, una pareja que asesinó a 11 personas entre Nebraska y Wyoming a finales de los años 1950.

El guión fue vendido a Jane Hamsher y Don Murphy por diez mil dólares, que a su vez se lo vendieron a Warner Bros cuando decidieron que aquel joven Tarantino no era el más adecuado para dirigirlo. Ya en manos de Oliver Stone, éste lo reescribió para centrarlo en la atención Mickey y Mallory Knox.



Tarantino renegó siempre de esa reescritura alegando sentirse responsable del guión, sin poder entender que lo qué vendes, puede ser modificado o incluso guardado en un cajón sin que puedas hacer nada.

El rodaje de “Asesinos Natos” comenzó por escoger a los dos protagonistas. Stone no dudó en el papel para Mallory, tenía claro que sería Lewis. Donde tardó más en decidirse fue en el papel para el sanguinario Mickey, que eliminó toda duda cuando dio con Harrelson, el cual describió como “un tipo con cara y alma de asesino”. No sabemos bien qué llevó a Stone a pensar esto de Harrelson, pero el propio Woody habló de que tal vez su terrible infancia con un padre alcohólico como el que narra la historia (el padre de Mallory y el de el propio Mickey) tuviera algo que ver en todo eso…

Un reparto de lujo conformaba el elenco de esta película denominada por el propio Stone como “El Guernica del cine”. Actores como: Tommy Lee Jones, Robert Downey Jr., Ashley Judd, Tom Sizemore, Yared Harris, Russell Means, Rodney Dangerfield y Evan Handler cimentaron la primera línea intrepretativa.



El rodaje está repleto de hazañas y curiosidades…  Hay que tener en cuenta que se trata de una road movie, y esto siempre está condicionado a pasar un rodaje difícil afrontando todo tipo de improvistos.

Una de las experiencias más extrañas fue en la cárcel donde se rodó el motín… Stone quiso que los presos fueran los que de verdad se encontraban cumpliendo condena. Y claro, dirigir a tanta gente, y de estas caracterísiticas, podría ser peligroso.

En una de las escenas donde caminan por los bajos de la prisión, gotea agua, chorretones que caían directamente sobre los actores y el equipo técnico.. bien, se  trataba de las tuberías de desagüe de los baños de estas instalaciones. Literalmente les caía mierda encima.

En la escena donde Tom Sizemore entra en la celda de Lewis e intenta violarla sin éxito, porque Lewis saca todo su salvajismo para liberar a su personaje de las garras de este depravado… bien, pues le golpeó en la nariz haciéndole sangrar… y Stone antes de cortar el rodaje al ver lo que sucedía, se puso a animar a los actores gritando y exigiendo que aprovecharan ese accidente para dar realismo a la toma, todo ello sin cortar. Vamos, que la sangre que vemos en la nariz de Tom, es suya.



La cinta está repleta de planos extraños: de pronto hay color, como se queda en blanco y negro… planos subjetivos hasta de una bala volando hasta la cabeza de una camarera, secuencias de dibujos animados… y cuenta con escenas surrealistas con mucho valor metafórico, por ejemplo cuando Mickey se libra de la cárcel cuando haciendo trabajos forzosos en el desierto, viene un tifón del que todos huyen, menos Mickey, que galopa a caballo hacia el tornado.

También cabe destacar la escena donde Stone convierte el terror en comedia por medio de unas risas enlatadas que retumban en los momentos más inapropiados. Por ejemplo cuando el padre de Mallory abusa de ella con tocamientos, o anunciando que su hermano (el de Mallory) es realmente hijo de ella y de su padre… Incluso hay risas para cada muerte de los miembros de la familia a manos de la propia Mallory... sin duda una sátira de un mundo donde la televisión convierte el drama en espectáculo.



En fin, un despiporre que a mí, particularmente, convirtieron el film en uno de mis favoritos. Tal vez el hecho de descubrir esta película con 16 añitos fuera lo que me libró de los estúpidos prejuicios que te da la edad… y más en esto del cine.

Odiada por muchos, amada por muchos otros (división generacional), este film es sin duda un himno a la rebeldía adolescente, y sobre todo, una crítica muy directa hacia la televisión americana, que termina convirtiendo a asesinos en estrellas, como con el caso de Charles Manson, a quien convirtieron en un villano amado por muchos y muchas adolecentes, y no tanto.

Por Isaac Berrokal

JUNGLA DE CRISTAL: LA VENGANZA (el final alternativo)

Son muchos los buenos momentos que he pasado viendo esta película y seguramente, a la mayoría de vosotros os haya pasado igual. Es un carrusel de acción y humor casi perfecto al que muchos (me incluyo entre ellos) ponen por delante del primer film de la saga. Hoy en LaMuvida queremos hablaros del final alternativo que se rodó y nunca se utilizó en el film.

Cuando John McTiernan volvió a la saga “Die Hard” para filmar la tercera entrega, (después de una mediocre segunda parte filmada por Renny Harlin) se propuso aumentar la acción, la amplitud y el mundo de Jhon McLane en todos sus aspectos. Dado que en la segunda entrega y aun ambientándola en un aeropuerto, el bueno de Renny Harlin sólo había conseguido copiar los “tics” de la primera entrega, pero en un film mucho más irregular y la sensación de estar en un aeropuerto en vez de en un edificio brillaba por su ausencia. A McLane no se le notaba ninguna evolución respecto al primer “Die Hard”…los personajes secundarios eran mucho más planos y aunque la película de Harlin es muy digna, no había ningún momento realmente remarcable o inolvidable en ella.



McTiernan decidió dar toda la amplitud que podía dar la ciudad de Nueva York, rodando en ella escenas inolvidables por todas partes. Obtuvo los permisos correspondientes y nos regaló una panorámica inolvidable… empezando por el principio de la película mostrando el tráfico y el trasiego de la ciudad, mientras sonaba “Summer in the city” de fondo, hasta la explosión de la primera bomba frente a uno de los mayores centros comerciales de NY en los años 90; nos presentó a un McLane resacoso, abandonado por su mujer y suspendido de empleo y sueldo; nos regaló, quizás, uno de los mejores compañeros para un héroe que se han visto en la historia del cine, “Zeus Carver” (genial Samuel L Jackson); y volvió a poner a un villano de altura, maquiavélico, excéntrico y con ganas de venganza por la muerte de su hermano a manos de McLane, al que definió como “un poli irlandés y paleto” (el hermano era Hans Grueberg, el villano de la primera película).

Lo que no pudo poner McTiernan fue el final que rodó en un principio para este genial film. Para ser sinceros, hubo dos finales alternativos, el que se rodó y que os mostraremos más abajo, y otro que no pasó de ser una idea. Éste ultimo se desechó muy al principio del rodaje.



En este final, la bomba que Zeus entrega a uno de los falsos policías (la bomba de la fuente del elefante que les hace calcular los galones exactos de agua para desactivarla) no vuela la presa donde McLane surfea encima de un camión por el acueducto, sino que al final de la película, aparece en el avión donde Simon y su batallón huyen. Simon abre el maletín sin saber que es la bomba y dice en todo jocoso: “¿alguien tiene 4 galones exactos de agua para parar esto?”… acto seguido estalla la bomba en el avión.

Este final se desechó porque había ciertas similitudes con el final de la 2ª película de la saga y porque McTiernan quería filmar el “surfing” de McLane en el camión.

El otro final, que sí se rodó, era mucho más crudo y fue el estudio quien decidió no incluirlo en la película porque consideraba que el personaje de Bruce Willis no era vengativo, sino que actuaba en defensa propia debido a las circunstancias que le rodeaban. Si nos fijamos bien cuando vemos la película, la acción realmente acaba con la explosión del barco…nuestros héroes descubren en el puerto que Simon “ha ganado”, hasta que McLane se acerca a una cabina telefónica a llamar a su ex mujer, mira la base de un bote de aspirinas que antes le dio “Simon” y suelta el teléfono mientras grita “¡¡¡ Espera Zeus!!!”. Luego nos traslada a Canadá donde sucede el acto final.



Sin embargo, en el final alternativo, la escena de la cabina no existía y los hechos sucedían así:

En el bote de aspirinas, no ponía nada de Canadá, sino que había sido adquirido en una farmacia de un país del este de Europa (en la escena rodada, McLane dice que la dirección del bote de aspirinas le llevó a una farmacia alemana (podéis comprobarlo en el vídeo)). Sin embargo, en la escena en cuestión, Simon habla en Húngaro, por lo que puede que McLane  le “sacase la información a hostias” al farmacéutico para llegar al restaurante donde sucede la escena (aunque no se especifica que estén en Hungría). Simon, fundió los lingotes de oro robados y los transformó en estatuillas del “Empire State” para sacarlos sin problemas de Estados Unidos. A McLane, que ha dejado de beber, le echan de la policía porque creen que ha sido el autor del robo (aunque por lo que dice en el vídeo, el jefe de la policía le cree y trata de que le den la pensión)… el resto no os lo cuento y dejo que lo veáis en el vídeo.



En mi opinión, este final, demostraba que lo acaecido en la película afectaba psicológicamente al personaje de una manera importante (aunque no es seguro, en algunos comentarios del director se afirmaba que Zeus también había muerto debido a las heridas sufridas)…y en cierto modo, era un final más redondo, ya que al final McLane le hacía el mismo juego a Simon, que había estado sufriendo todo el film. Era mucho más original y… bestia.

El vídeo tiene comentarios escritos en castellano… ¡¡¡Que lo disfrutéis!!!

por Adrián Alfaro

SAN ANDRÉS (Brad Peyton, el nuevo destructor)

Cuando te dispones a ver una película catastrofista siempre vas con la idea de que seguramente sea un videojuego más que cine… Pero debo reconocer que “San Andrés” a pesar de tener efectos digitales para aburrir, están muy bien hechos.

SINOPSIS

La falla de San Andrés acaba cediendo ante las temibles fuerzas telúricas y desencadena un terremoto de magnitud 9 en California. Ante tal catástrofe, el piloto de helicóptero de búsqueda y rescate Ray (Dwayne Johnson) y su ex esposa Emma (Carla Gugino) viajan juntos desde Los Ángeles hasta San Francisco para salvar a su única hija, Blake (Alexandra Daddario). Pero su tortuoso viaje hacia el norte solamente es el comienzo del desomoronamiento de todo lo que creían firme en su vida.



El guión tira de tramas clásicas con personajes dentro de tópicos memorables… una pareja separada con una hija en común, un nuevo novio para la mujer que está podrido en pasta pero que es un miserable… una hija que falleció en las mismas condiciones que se prevee morirá la que les queda….bueno, cosas que se huelen pero que siempre entretienen, y debemos pensar en las nuevas generaciones que aún no han visto nuestras películas míticas de los 90…

Este film es muy fantasioso, pero es lo que esperamos de esto, palomitas y diversión… no podemos andar con el término realista para este tipo de argumentos, porque entonces se convertiría en un documental repleto de sangre y drama.



Dwayne Johnson está correcto dentro de su papel de hombre robusto, humilde y desdichado tras la tragedia de su hija. No le salen las lágrimas ni aunque se restriegue cebolla en los ojos, pero bueno, nos vale con que lo intente.

Nada más comenzar nos deleitan con una maniobra imposible con el helicóptero que nos hace presagiar el circo que nos tienen preparado… sinceramente, no quería ver otra flipada de Roland Emmerich, ya no tiene uno el cuerpo para tanto efecto malo. Pero la cosa se va moderando según avanza la historia. Tal vez el querer arrancar con tal espectáculo imposible de llevar a cabo, estropee un poco la perspectiva… pero como digo, todo se modera dentro del espectáculo, y va adquiriendo un ritmo rápido, divertido y repleto de escenas de acción gratas para la vista.



Aunque sigan sin despeinarse, ni romper la ropa de los personajes ante catástrofes de tal magnitud, hay que reconocer que han añadido algunos puntos dramáticos que mejoran el film, como, por ejemplo, las convulsiones de la chica cuando se ahoga en las profundidades del edificio sumergido… Este tipo de detalles transmiten mejor el miedo y se permiten la licencia de seguir conservando el grado para todos los públicos tan ansiado en Hollywood.

Dentro de este tipo de films le doy mi humilde aprobado, pues me ha resultado emocionante, divertida y bien realizada frente a lo que se viene viendo hasta la fecha en cine catastrofista.

Emmerich, cuidadín con Brad Peyton.

Por Isaac Berrokal

ROBOCOP (Paul Verhoeven)

Como esta es la sección adecuada, me voy a poner nostálgico … ¡Ojala se hicieran películas como esta hoy en día! Y es que es imposible igualar a Paul Verhoeven, su crítica social, su gore, su manera de profundizar y hacerte temblar en cada escena, su genial elección de actores (lo que Peter Weller hizo aquí es brutal). A mi de pequeño, en la escena en que uno de los villanos se deshace en acido, mis padres me tapaban los ojos… cuando pude verla por fin con unos añitos más, comprendí por que lo hacían, es muy gore y muy buena.

Una banda sonora genial, unos malos que daban miedo de verdad y una estética y stop-motion así como animatronics alucinantes. Es de esas películas que veías con tus padres y descubrías lo grande que era el cine, aunque no llegases a entender todo.

Hoy en día pocos padres sientan a sus hijos a ver una película para mayores de 18 con ellos, es algo que se va perdiendo por miedo a la violencia y situaciones adultas. Yo la vi y no soy un asesino, ni voy por la calle pensando en desmembrar a la gente (si, me he puesto Verhoeven por un momento) el buen cine se debe disfrutar desde pequeño.

Adrián Alfaro

LAS SAGAS (o como exprimir un producto)

Primera parte:

A propósito del inminente estreno de la quinta película de misión imposible (Misión imposible: Nación secreta ), en La Muvida nos hemos propuesto hablar de las sagas cinematográficas, de cuales siguen mereciendo la pena y cuales murieron, están en horas bajas o pendientes de un reboot – remake. Que lo disfrutéis y si me salto alguna decirlo.

Sagas que renacieron, duran o son un pozo de posibilidades:



Misión Imposible.

Vamos a empezar con la saga que tiene un estreno más próximo. Lo de misión imposible es sorprendente, después de una muy buena primera parte dirigida por el enorme y muchas veces pormenorizado Brian de Palma, su segunda parte, un producto mucho mas vacuo y menos interesante que su predecesora, parecía que había vendido todo el espíritu a la acción “fantasma e irreal” y que aquello no iba a dar mas de si, como apunte decir, que John Woo es un director genial y tiene películas muy buenas de su etapa en su país, pero llego a Hollywood, hizo unos pocos productos de esta índole y se hundió. Pero, años después y casi por sorpresa llego J.J.Abrams ( de este genio voy a hablar mas en este articulo ) con una tercera entrega que consiguió, sin ser una gran película ( cuentan que la película no fue todo lo que podía ser porque Tom Cruise se puso divo y exigió cambios que lastraron el resultado final ) darle la vuelta a todo y volver a poner en el candelero un producto que parecía condenado, la película, mas adulta, realista y audaz reestructuro e impuso un estilo a la saga que se mantiene hasta hoy. Y cuando Abrams se hace con el control de algo… se nota y para bien, la cuarta entrega dirigida por el enorme Brad Bird, al que el propio Abrams puso a los mandos, mejoro lo que en la tercera se quedaba corto y añadió un elemento clave para que la saga siga existiendo hoy como un producto rentable y decente… el agente Hunt ya no hacia todo el trabajo solo, ahora tenia un equipo de gente con el que eran iguales o mejores en su trabajo que el personaje de Tom Cruise, abriendo un abanico de posibilidades a las tramas y situaciones para que Ethan Hunt se convirtiese en un héroe humano y cercano, no un súper hombre, La quinta parte dirigida por otro amigo de Abrams y Cruise, Christopher McQuarrie ( el cual ya ha trabajado con Cruise en una pequeña joyita llamada Jack Reacher ) pinta bien y parece seguir los esquemas definidos por Abrams en la tercera entrega.



Star Trek

Ya que estaba hablando de Abrams, la siguiente saga es esta, si o si. Hablar de esta saga en el cine, puede llevar horas por la cantidad de películas que atesora (como soy Trekkie confeso y el año que viene es el 50 aniversario de esta saga, prometo un articulo muy completo y critico). Pero nos vamos a centrar en la etapa más nueva, es decir, desde que en 2009 Abrams relanzara la saga. El Star Trek fílmico, es algo que se reinventó varias veces entre película y película y sentó unas bases en los años 80 que hizo de ellas unas películas baratas de producir, pero con una calidad que en algunos casos rozaba la brillantez, lo malo, vino desde mediados de los 90, cuando se sobre-exploto la idea con demasiadas series y filmes, los cuales llevaban la misma gente, por lo que se fue agotando y haciéndose rutinario y sobado, hasta que en 2004 la cosa no dio mas de si, entre otras cosas porque el esquema y el tipo de cine seguía siendo prácticamente el mismo desde los 80. Hasta 2009, que Paramount decidió darle un enfoque nuevo y relanzar la saga en el cine. Abrams compuso una película viva, con textura y llena de momentos sobrecogedores, divertidos y determinantes. A el y sus guionistas de cabecera ( Roberto Orci y Alex Kurztman ) hay que atribuirles la genial idea de hacer un Reboot cambiando lo suficiente, pero sin defenestrar el material original, creando una línea temporal alternativa, pero que no destrozaba lo anterior, ya que un anciano Spock venido de la línea temporal original daba credibilidad a la historia y hacia de esta entrega y su sucesora una “precuela- secuela” ( la idea a sido explotada por mas films a partir de entonces con igual o peor suerte, la ultima: Terminator Genisys, de la que hablamos hace poco en un articulo ), así de este modo, podía recrearse en el material original cambiando el curso de los personajes y la historia, dado que siendo los mismos, no estaban ligados a una muerte tardía, o tener exactamente las mismas experiencias que antes. Su secuela: Star Trek en la oscuridad, siguió el camino y elevo los aciertos de la película de 2009 dejándonos justo al principio de la serie de los años 60… dejando todo el camino, el estilo y el tono asentados para su tercera parte, que se estrena el año que viene y que ya esta rodando Justin Lin.



Mad Max

Lo de esta saga y su director George Miller es algo impresionante, ¿se puede hacer una secuela 30 años después del material original con las mismas bases y que resulte sobresaliente, emocionante y un ejemplo de buen cine? pues si… parece increíble, pero si. George Miller era un cirujano al que le gustaba dirigir, en sus ratos libres dirigía video clips y anuncios de TV en su Australia natal, hasta que tuvo una idea lo suficientemente completa y se lanzo a dirigir una película propia, un Western, con cuatro duros, los cuales puso su mejor amigo Byron Kennedy, el problema ( y bendito problema en este caso ), es que no podía hacer un western decente con tan poco dinero por mucho que le gustase su idea, así que decidió ambientar esa idea en un futuro apocalíptico y cambiar los caballos por motocicletas e “interceptors v8”… aquello fue una revolución, un éxito inmediato en su país y en Europa, así que el gobierno Australiano quería una secuela mejor, mas grande, con mas pasta de por medio y que se distribuyera decentemente por las salas de EE.UU, cosa que no paso con la primera parte. Y entonces “lo clavo”, ahora si pudo mostrar un futuro post-apocalíptico original, demoledor y estéticamente insuperable. Mad max 2, fue conocida en EE.UU como “ El guerrero de la carretera” ( dado que allí a nadie le sonaba Mad Max como antes decía ) y arraso. Mad Max 2: El guerrero de la carretera, es, en mi opinión, una de las mejores películas de ciencia ficción - acción de todos los tiempos y no comentare mas sobre ella por si aun queda alguien que no la ha visto, es IMPRESCINDIBLE. Años después, ya asentado en Hollywood, se lanzo una tercera vez hacia el universo de Max con una tercera parte que no pudo terminar dado que su amigo Byron Kennedy murió prematuramente en un accidente de aviación en mitad del rodaje… George se sintió incapaz y eso se nota en la película, cuyo primer tercio es mucho mas crudo que su segunda mitad dirigida por George Ogilvie ( Sigue siendo una película maravillosa… con los años, gana potencialmente ). Y a partir de aquí viene el calvario para Miller y Max. George Miller se negó durante años a realizar una 4 parte… pero al final comprendió que le debía algo al personaje y a la persona que le ayudo a ser lo que es hoy en día, Byron Kennedy, después de estar buscando y redondeando un guión a la altura, vinieron las dificultades para grabar, podríamos decir que fue casi como las 10 plagas de la Biblia, el caso es que desde mediados de los años 90 Miller intentaba rodar el film, pero cuando todo estaba preparado, en algunos casos hasta los escenarios, vehículos etc, pasaba algo que lo estropeaba irresolublemente… el desierto donde rodó la 2 y 3 parte había cambiado completamente y había crecido vegetación, encontró otra localización perfecta en otro país y vinieron una lluvias tremendas que lo convirtieron en un barrizal, etc etc etc… y así hasta que por fin en Namimbia a principios de 2014 pudo rodar Mad Max: Fury Road. Y mereció la pena… vaya si la mereció. Una película redonda, que eleva al cuadrado todos los elementos clave que hicieron mítica la trilogía original, una película extraña, exótica, pero moderna y actual, “es como si un I pod te narrara una leyenda con la voz de un abuelo mítico de tu infancia”, desprende una energía, un ritmo y una emoción que diría que ningún director mas joven es capaz de imprimir, es mas que eso… un sello personal, fiel y a la vez abierto y renovado. Solo decir, que ya se esta rodando una secuela y hay previstas 2 mas.

Continuara…

Adrián Alfaro