BUD SPENCER (hasta siempre)

A veces, cuando me preguntan en entrevistas que directores o que cine he mamado… tengo la sensación de que esperan una respuesta del tipo: Jean-Luc Godard, o François Truffaut…. Pero siempre digo lo mismo… yo empecé en esto porque me gustaban las pelis de Van Damme, películas como E.T., y me crié viendo las pelis de Terence Hill y Bud Spencer… Y hoy escribo este artículo para recordar la memoria de este último, que ayer se nos fue a los 86 años.

Bus Spenser era el fuerte del dúo que conformaban las películas más divertidas que yo veía de pequeño… Terence Hill era mi preferido, para que lo voy a negar, me gustaba su desparpajo y su creatividad a la hora de solar guantazos… Pero ninguno de los dos era nadie sin su compañero.



Títulos como “Quien Tiene un Amigo Tiene un Tesoro” (1981), “Banana Joe” (1982) o “Dos Súper Dos” (1984), eran películas que consumía una tras otra, tras el paso por el videoclub cuando iba a visitar a mi abuela, pues en aquella época no tenía video en casa.

Las cintas de estos dos maravillosos actores eran garantía de diversión, y de valores morales, pues la figura infantil estaba siempre presente en sus guiones.

Hoy nos quedamos huérfanos del señor Bud, hoy es un día triste y un día de agradecimientos… gracias Bud por tu cine, por haber creado los recuerdos más entrañables frente al televisor los sábados por la mañana… gracias por toda tu grandeza… tus sopapos seguirán siempre presentes en nuestros recuerdos más nostálgicos.

John Wick (Otro día para matar)

En 2014 David Leitch y Chad Stahelski nos presentaban una película de acción y venganza… sin más, directos al grano.

Keanu Reeves aceptó este papel de asesino a sueldo retirado, que tras perder a su mujer, la cual le había llevado por el buen camino, se cruza con un niño rico consentido que resulta ser el hijo de uno de los mafiosos rusos más chungos de la ciudad… La casualidad quiere que el niñato se encapriche de su Mustang del 70, y termina entrando en su casa a robarle el coche y matar al perrito, regalo de su mujer antes de morir que representaba le representaría como regalo póstumo…. Esto es suficiente para encabronar a Keanu y volver a activar su vena asesina para acabar con  dicho niñato.



La película mantiene muy bien la tensión, y la acción hace que en ningún momento te duermas… El personaje de Keanu está algo estereotipado, un asesino imparable, muy parecido a Oldboy, al que todos temen y admiran a su vez.

La violencia está presente, pero en forma de disparos básicamente. Se echa de menos que la sangre sea física, y no digital, le habría dotado más empaque a la cinta, y de un disfrute mayor para los amantes de la violencia gratuita.

Hay que destacar algunos temas de la banda sonora, compuesta por Cho Young-wuk, y digo “algunos”, porque no todos los temas son acertados para las escenas, algunos lo rebajan a peliculilla de vídeo club… Pero por ejemplo Marilyn Manson es un grado de calidad con el tema Killing Strangers, con el que eleva la elegancia del personaje, y de las escenas donde retumba su bajo saturado….



En mi opinión patina bastante al final, dando lugar a escenas más típicas de los 80, que de ahora… Peleas de última hora donde se retan a luchar sin armas para dar un espectáculo bajo la lluvia donde el malo y el bueno tienen que medirse en un marco muy desfasado y rancio a día de hoy. Y eso que la ejecución del niñato ruso está toda contemplada en un maravilloso plano general, donde la figura de Reeves se acerca con majestuosidad hacia él para no darle tregua ni para el speech típico que acontece antes de cada ejecución…

También es de lamentar el final, hubiera preferido ver morir a Keanu por amor, y no acabar el film viendo como se grapa él solito una puñalada de varios centímetros en una clínica veterinaria… Como si el problema fuera sólo la raja en la piel.. sin tener en cuenta los órganos internos atravesados por semejante puñal…



El happy end no le hace ningún bien, y tira por tierra la crudeza de las escenas anteriores… por esa regla de tres, entiendo que el ruso tampoco ha muerto, pues la puñalada que él recibe está en un lugar menos aparatoso que el de Keanu… afectando sólo al músculo trapecio…

En fin, John Wick me deja un sabor agridulce, bien por las escenas de tiros, y mal por caer en el topicazo de final feliz…

GOLPE DE ESTADO (un amago al realismo)

Drew Dowdle y John Erick Dowdle firman este guión que a priori puede oler a petardo americano del montón, pero que por estar ambientada en un país asiático, me llamó la atención.

SINOPSIS

Una familia estadounidense, recién llegada a un país del Sudeste Asiático por motivos laborales, se encuentra atrapada en medio de un violento golpe de Estado. Desesperadamente intentarán escapar de un ambiente en el que los extranjeros, como ellos, son inmediatamente ejecutados.

Con este argumento merecía la pena echar un vistazo, y lo cierto es que a pesar de algunas escenas surrealistas, me resultó muy tensa y bastante cruda.



Bien es cierto que por culpa de los recientes atentados yihadistas que se están cometiendo en todo el mundo, nos vemos obligados a mirar con otros ojos el terrorismo en las películas, y en esta, su director y guionista, John Erick, se muestra bastante duro con el tema.

Su protagonista, Owen Wilson, fuera de la comedia resulta muy eficiente, y olvidas rápidamente sus papeles cómicos, llevándote al padre de familia desesperado por salvar a su familia, que interpreta, de una manera francamente creíble.

La cinta también tiene momentos deleznables, cuando en mitad de tal caos de ejecuciones y destrucción se ponen a regalarse palabras de amor y cariño acurrucados ante la masacre… o las niñas pidiendo que les cuenten la historia de cuando nacieron… son cosas surrealistas que en esos momentos o no se dan, o los padres no tienen la serenidad de contar, ni de calmar como lo hacen a sus polluelos.



A pesar de todo cuenta con escenas que sorprenden… incluso el director entiende que de un tiro en el estomago una persona tarda poco tiempo en morir, y no como en las típicas películas americanas, donde la tripa, los hombros, o un costado son puntos sin importancia para el cuerpo humano.

La persecución, dentro del espectáculo que debe ofrecer la cinta, esta bastante bien filmada, con una tensión que sólo baja en la escena donde uno de los rebeldes se dispone a violar a la mujer, dando pie a un Pierce Brosnan heroico capaz de cargarse a todo ser armado estando éste de rodillas, y con la suficiente tranquilidad como para bromear con su compañero sobre a quien le correspondía matar a cada uno.



Pero esos momentos de felicidad y des tensión se pierden cuando en mitad de la película mueren, algo que sorprende bastante teniendo en cuenta que se trata de un happy end americano…

Como digo se trata de una película sorprendente, con una de sal y otra de arena que te deja satisfecho, y con la sensación de haber visto una buena peli de acción.

por Isaac Berrokal

TERMINATOR GENISYS (el culebrón de Skynet)

En su momento mi compañero Adrián Alfaro hizo su particular crítica sobre esta película, y al fin yo he podido verla. Debo reconocer que me ha resultado entretenida. Dos horas que se me han pasado voladas, y con las que he disfrutado. Pero para disfrutar de esto debes estar muy puesto en el Terminator que filmó el genio Cameron en 1991 (Terminator II, el juicio final), pues hay un esfuerzo sobrehumano en lograr parecerse a ella en todo momento.

Recuperar el T-1000 mola, es una máquina que da mucho juego, incluso el actor oriental del principio, el agente de policía de Los Ángeles, se parece a Robert Patrick, el original T-1000 de la segunda entrega. Los gestos y las miradas están muy logradas, y es que ese actor se lo ha currado.. no deja de ser una máquina sin personalidad.



El guión está repletito de guiños a la segunda entrega. Tal vez demasiados me parece a mí... Y no sólo eso, se ve un sobreesfuerzo para encajar a Schwarzenegger en toda la trama. El mote de “Abuelo” parecía un poco forzado, aunque por otra parte consiguen hacernos entender que ha sido como un padre para Sarah Connor, algo que por otro lado, destroza el guión original y hace carecer de sentido a la primera entrega.

La película empieza fuerte, con la destrucción del mundo en el día del juicio final… pero los efectos digitales son muy flojos… Hay un plano donde un tranvía es lanzado contra un edificio de cristal que parece hecho por unos becarios recién salidos de un cursillo de postproducción digital. Es una lástima que una película como ésta, no llegue a la altura en la destrucción con la que deben impactarnos y hacer que nos agarremos a la butaca.

La cinta tiene momentos de acción estupendos, pero nada ingeniosos… las máquinas de nuevo estampándose contra las paredes, los coches volando por los aires… es más de lo mismo. Lo único que podemos resaltar es al nuevo John Connor, que ya podían haber cogido a alguien más parecido a Edward Furlong, porque Jason Clarke se parece a él como un huevo a una castaña. Pero lo chulo que tiene es que el Terminator en el que se convierte, al menos tiene un valor diferenciador… no es líquido, ni un esqueleto de acero indestructible como el T-800. Parece estar hecho de una aleación distinta que permite escenas de “destrucción” novedosas. Por ejemplo, la escena en el hospital con el “Tac” es estupenda. Algo diferente que ofrece espectáculo digital distinto, y que te hace coger un suspiro de aire fresco en la recta final de la película.



También cabe destacar la escena del school bus, un auténtico desparrame de efectos de destrucción que siempre nos resultan entretenidos… eso sí, hay errores inadmisibles, como que la cabina del bus se desprende en un plano general, y después vuelve a estar en su sitio… Sara habría muerto en ese plano, sin duda.

Lo que es realmente demencial es el culebrón que se monta…. “yo soy tu madre”, “tú eres mi padre”… “yo soy como tu abuelo”,  “soy tu hijo”… en algún momento me pareció oír con aire venezolano el nombre “Luis Javier Alberto”…

El jaleo que montan en el guión para tratar de hilar todo es demasiado evidente, y eso resta fuerza a la historia. También pecan de explicar demasiadas cosas mediante diálogos. Hay demasiado que encajar, y dos horas se quedan cortas.

Es evidente que su director, Alan Taylor, pretendía más que nada dar un espectáculo visual, y tratar de meterse lo menos posible en el berenjenal en el que finalmente ha terminado metiéndose.



El final deja mucho que desear… es un continuo recordar de la segunda entrega… incluso calcando planos del Terminator arrastrándose sin brazo por el suelo. Tanto es así que sale despedido de la máquina del tiempo para caer en un líquido donde termina sumergiéndose… esto recuerda mucho al metal fundido de la segunda parte.

Lo que termina de desconcertarme es el happy end tan absurdo, donde de nuevo aparece Schwarzenegger diciendo como si nada, “que se ha actualizado”… madre mía, después del llanto que le ocasionaste a la muchacha cuando peleabas contra John Connor en la máquina…

Despedir una entrega de Terminator con un paisaje maravilloso de verdes tierras, y con el joven Kyle Reese despidiéndose con la manita de su “miniyo”, no es precisamente digno de la saga…

En fin, entretenida y divertida, pero desastrosa en cuanto al guión.  Espero que ya no hagan más, deberían haberlo dejado estar después de la segunda entrega.



Por Isaac Berrokal

CINE DE ACCIÓN DE LOS 90 (entrañables clichés)

Todos recordamos los 90 con buen rollo, con un aire guasón y colorido… una década que, en lo que a cine se refiere, fue muy marcada por los clichés que Hollywood se empeñó en crear.

Porque lo que estaba claro en los 90, es que los protagonistas debían ser masculinos, y no sólo eso, sino cachitas, más bien jóvenes y sobre todo guapos. El superhéroe de los 80 mazado y con cara de resolver todo a hostias estaba en declive.

Es curioso, pero en las películas de esta época sólo se veían mujeres protagonizando historias si se trataba de comedia, o comedia-romántica… y encima en pocas ocasiones, el protagonismo era casi en su totalidad para figuras masculinas.

Los machos que protagonizaban los films, terminaban con mujeres de bandera, guapas, con grandes pechos y rubias de ojos azules, a poder ser… era el estandarte que se seguía.



Los clichés de la época eran claros, pero también había cosas que no podían faltar en ciertos films de acción, era muy importante que hubiera escenas donde:

1. En protagonista cruzase en plena persecución o huida, una calle repleta de coches que debían frenar en seco, rozándole o tirándole al suelo.

2. Aunque saltase de un puente a un barco, recibiese disparos en extremidades, o fuese atropellado por un vehículo, nuestro protagonista no notaría ni una bajada de tensión, ni la pérdida de sangre afectaría a su físico… y sobre todo era importante que a los tres minutos de haber ocurrido esto, nos olvidásemos por completo de dichas heridas.

3. Era fundamental que no sudase… mantuviera el peinado limpio y debidamente peinado, y si caía al agua, al salir, el pelo debía estar medio seco.. digamos que rollo “efecto mojado”, pero sin chorrear una gota de agua, eso era muy vulgar.

4. También debía ser inmune al cansancio. Por ejemplo en “Speed” (1994), Keanu Reeves sufre un percance cuando se encontraba bajo el autobús intentando desactivar una bomba. El carro se rompe y tiene que subir a pulso enganchándose a los bajos del autobús hasta subir por la trampilla interior… Bien, cuando consigue esto, su expresión es como la del que acaba de terminar un libro y piensa por unos segundos en su final. Ni un ápice de aliento, ni una gota de sudor, nada… un T1000, sin duda alguna.

5. Algo que venía en el manual del buen productor americano, era que en todo film debía haber una persecución de coches que pasara por un mercadillo callejero repleto de fruta (a ser posible en Chinatown) para ser arrollado por los coches, con un chino quejándose de forma cómica para echarnos unas risas a costa del pobre desgraciado.

6. Al finalizar la peli el protagonista con su nueva novia, debían acabar sentados en la parte de atrás de una ambulancia cubiertos con una mantita. Todo esto previo a un maravilloso beso “The End”.

Bueno, y referente a las chicas… era sencillo, durante la película iban mostrando chicas un tanto vulgares, hasta que de pronto aparecía una chica despampanante, entonces sabías que terminarían juntos, y por supuesto existiría un beso que sellaría el “happy end” del desastre que estuvieran pasando.



Daba igual de que tratase la historia, los productores de Hollywood consideraban que la vida era ya de por sí un drama, como para ofrecer más aun en sus producciones.

En los 90 era esencial sonreír, todos los protagonistas de las pelis de acción sonreían incluso en las situaciones más complicadas... y no sólo eso, sino que tenían que tener en la recámara una buena frase para dar la puntilla cómica y chulesca a lo que estaba ocurriendo.

También había un cliché para los personajes negros. Los negros eran por lo general salidos de barrios conflictivos de New York, y eran muy cachondos… siempre sonreían mostrando su reluciente dentadura, y por supuesto su papel era efímero, o como mucho secundario. En los 90 un negro no podía llevar la voz cantante del film, eso era un insulto para el pueblo americano (la cosa se fue normalizando al final de la década). Y si hablamos de cine de terror la cosa estaba clara, nuestro negro cachondo que nos ha hecho reír durante 30 minutos de metraje, debía morir de la forma más horrenda, cruel, e indigna posible.



También era importante que todas las películas se rodasen en New York, no había credibilidad en la historia si no veíamos taxis amarillos por las calles. Si algún director se atrevía a filmar algo en un ambiente europeo, era como no estar en casa… en tu ciudad… es más, era como no estar en el planeta tierra, los espectadores americanos se echaban las manos a la cabeza y exclamaban “¡no hemos venido a ver ciencia ficción!”

La actitud de los protagonistas de las pelis de acción de los 90 era un tanto extraña. Podían expresar ternura, afinidad, compasión y un gran lazo de amistad con el co-protagonista, pero en cuanto éste moría en horribles condiciones, no pasaban ni dos minutos, que ya ni se acordaban de él… seguían haciendo su vida como al que se le muere el hámster.

El cine noventero nos ha dado muchas alegrías y grandes películas, que duda cabe. Pero si las vemos a día de hoy, no puedes hacerlo sin tener en mente la frasecilla: “eran los noventa”, para justificar tanta incoherencia y despiporre.

Pero bueno… eran los 90.

Por Isaac Berrokal

DRAGÓN (la leyenda de Bruce Lee)

Sí hay una película que relate una biografía de una manera intensa, divertida, emocionante y que realmente sienta que el tiempo ha pasado por la vida de un personaje, ésta es DRAGÓN (la leyenda de Bruce Lee). Para mí Scorsese es el rey narrador de historias que cuentan la vida de un solo personaje, pero en 1993 se encontró a la altura Rob Cohen, quien escribió el guión junto a Edward Khmara y John Raffo, el cual supervisó y dio luz verde Linda Lee, la viuda de Bruce Lee.

La historia relata fielmente la vida del maestro de artes marciales y creador del  “jeet kune do”, de una manera magistral. Con un Jason Scott Lee maravilloso y acertadísimo para dar vida a Bruce Lee.

Me da pena que una película como ésta no tenga ningún premio ni reconocimiento, y en cambio otras películas de menor nivel, pero de directores reconocidos, sí que los obtengan… esto confirma el mamoneo que hay en Hollywood.



La cinta es de 1993, y explica desde que nace hasta que muere, como un solo hombre fue capaz de triunfar de la nada, en un país racista como es EEUU, y como triunfó tanto en el sector de artes marciales, llevándolas a América en contra de sus propios compatriotas, hasta en el cine de Hollywood, un sitio prohibido para los orientales hasta que él abrió el camino.

Durante el transcurso nos detenemos en su relación con Linda, quien fuera su mujer y madre de sus dos hijos, Shannon y el malogrado Brandon. Una relación en la que tuvo que lidiar con el racismo de su suegra tomando decisiones cruciales para su vida.



Una maravillosa fotografía, una producción artística espectacular y una ambientación de Oscar, nos meten de lleno en unos años 60, 70 de infarto. La música de Randy Edelman se adapta perfectamente a lo que las imágenes nos ofrecen, se casa con cada fotograma y emociona en los momentos tanto dramáticos como de máximo clímax. Los personajes van apareciendo de manera continua dando ritmo y vida al film, y los acontecimientos son meramente retocados para adaptarlos de una forma más cinematográfica y siempre con la licencia que da el realismo.

Cuando hablamos de DRAGÓN no hablamos de una película de artes marciales, hablamos de un Biopic, y tal vez uno de los mejores que se hayan llevado a la gran pantalla. Desgraciadamente pasó desapercibido por los festivales, pero no por las salas, que se llenaron de amantes y no tanto, de las artes marciales.

[caption id="attachment_848" align="alignnone" width="660"] DRAGON: THE BRUCE LEE STORY, from left: John Cheung, Jason Scott Lee, 1993, © Universal[/caption]

El cometido de este film no era explicar cómo murió Bruce Lee, sino cómo vivió, como bien narra la voz en off de Linda Lee al final del metraje. De hecho no termina con su muerte, tan sólo se explica como en un epílogo, como algo sin importancia, porque la importancia de este film era su vida y su aportación. Una verdadera maravilla menospreciada.

Por Isaac Berrokal

JUNGLA DE CRISTAL: LA VENGANZA (el final alternativo)

Son muchos los buenos momentos que he pasado viendo esta película y seguramente, a la mayoría de vosotros os haya pasado igual. Es un carrusel de acción y humor casi perfecto al que muchos (me incluyo entre ellos) ponen por delante del primer film de la saga. Hoy en LaMuvida queremos hablaros del final alternativo que se rodó y nunca se utilizó en el film.

Cuando John McTiernan volvió a la saga “Die Hard” para filmar la tercera entrega, (después de una mediocre segunda parte filmada por Renny Harlin) se propuso aumentar la acción, la amplitud y el mundo de Jhon McLane en todos sus aspectos. Dado que en la segunda entrega y aun ambientándola en un aeropuerto, el bueno de Renny Harlin sólo había conseguido copiar los “tics” de la primera entrega, pero en un film mucho más irregular y la sensación de estar en un aeropuerto en vez de en un edificio brillaba por su ausencia. A McLane no se le notaba ninguna evolución respecto al primer “Die Hard”…los personajes secundarios eran mucho más planos y aunque la película de Harlin es muy digna, no había ningún momento realmente remarcable o inolvidable en ella.



McTiernan decidió dar toda la amplitud que podía dar la ciudad de Nueva York, rodando en ella escenas inolvidables por todas partes. Obtuvo los permisos correspondientes y nos regaló una panorámica inolvidable… empezando por el principio de la película mostrando el tráfico y el trasiego de la ciudad, mientras sonaba “Summer in the city” de fondo, hasta la explosión de la primera bomba frente a uno de los mayores centros comerciales de NY en los años 90; nos presentó a un McLane resacoso, abandonado por su mujer y suspendido de empleo y sueldo; nos regaló, quizás, uno de los mejores compañeros para un héroe que se han visto en la historia del cine, “Zeus Carver” (genial Samuel L Jackson); y volvió a poner a un villano de altura, maquiavélico, excéntrico y con ganas de venganza por la muerte de su hermano a manos de McLane, al que definió como “un poli irlandés y paleto” (el hermano era Hans Grueberg, el villano de la primera película).

Lo que no pudo poner McTiernan fue el final que rodó en un principio para este genial film. Para ser sinceros, hubo dos finales alternativos, el que se rodó y que os mostraremos más abajo, y otro que no pasó de ser una idea. Éste ultimo se desechó muy al principio del rodaje.



En este final, la bomba que Zeus entrega a uno de los falsos policías (la bomba de la fuente del elefante que les hace calcular los galones exactos de agua para desactivarla) no vuela la presa donde McLane surfea encima de un camión por el acueducto, sino que al final de la película, aparece en el avión donde Simon y su batallón huyen. Simon abre el maletín sin saber que es la bomba y dice en todo jocoso: “¿alguien tiene 4 galones exactos de agua para parar esto?”… acto seguido estalla la bomba en el avión.

Este final se desechó porque había ciertas similitudes con el final de la 2ª película de la saga y porque McTiernan quería filmar el “surfing” de McLane en el camión.

El otro final, que sí se rodó, era mucho más crudo y fue el estudio quien decidió no incluirlo en la película porque consideraba que el personaje de Bruce Willis no era vengativo, sino que actuaba en defensa propia debido a las circunstancias que le rodeaban. Si nos fijamos bien cuando vemos la película, la acción realmente acaba con la explosión del barco…nuestros héroes descubren en el puerto que Simon “ha ganado”, hasta que McLane se acerca a una cabina telefónica a llamar a su ex mujer, mira la base de un bote de aspirinas que antes le dio “Simon” y suelta el teléfono mientras grita “¡¡¡ Espera Zeus!!!”. Luego nos traslada a Canadá donde sucede el acto final.



Sin embargo, en el final alternativo, la escena de la cabina no existía y los hechos sucedían así:

En el bote de aspirinas, no ponía nada de Canadá, sino que había sido adquirido en una farmacia de un país del este de Europa (en la escena rodada, McLane dice que la dirección del bote de aspirinas le llevó a una farmacia alemana (podéis comprobarlo en el vídeo)). Sin embargo, en la escena en cuestión, Simon habla en Húngaro, por lo que puede que McLane  le “sacase la información a hostias” al farmacéutico para llegar al restaurante donde sucede la escena (aunque no se especifica que estén en Hungría). Simon, fundió los lingotes de oro robados y los transformó en estatuillas del “Empire State” para sacarlos sin problemas de Estados Unidos. A McLane, que ha dejado de beber, le echan de la policía porque creen que ha sido el autor del robo (aunque por lo que dice en el vídeo, el jefe de la policía le cree y trata de que le den la pensión)… el resto no os lo cuento y dejo que lo veáis en el vídeo.



En mi opinión, este final, demostraba que lo acaecido en la película afectaba psicológicamente al personaje de una manera importante (aunque no es seguro, en algunos comentarios del director se afirmaba que Zeus también había muerto debido a las heridas sufridas)…y en cierto modo, era un final más redondo, ya que al final McLane le hacía el mismo juego a Simon, que había estado sufriendo todo el film. Era mucho más original y… bestia.

El vídeo tiene comentarios escritos en castellano… ¡¡¡Que lo disfrutéis!!!

por Adrián Alfaro

LIONHEART: EL LUCHADOR (el mejor film de Van Damme)

Sheldon Lettich & Jean-Claude Van Damme escriben este guión para delicia de todos los adolescentes y espectadores amantes del cine block buster.

SINOPSIS:

León Gualtier es un desertor en la Legión Extranjera que llega a los EE.UU y encuentra a su hermano entre la vida y la muerte y a su cuñada sin dinero para curar a su marido y mantener su hija. Para ganar el dinero necesario, Gualtier acepta para participar en peleas clandestinas.

En 1990 nacía en circuito de videoclub “Lionheart: El luchador”, una película de Sheldon Lettich protagonizada por Jean Claude Van Damme. Un film donde el actor belga al fin ponía una nota dramática en una historia donde la ternura por medio de una niña pequeña y su madre, a quienes debía mantener de manera anónima, y a base de peleas callejeras, consigue calar en el corazoncito de los espectadores.



En esta película nos encontrábamos con un Van Damme más humano, con una interpretación más dedicada y con un argumento donde la superación y el drama van de la mano deleitándonos con escenas de acción y algunos personajes bastante llamativos, como es el caso de Harrison Page, quien da vida a un “ratilla” de la calle con mucha labia y un corazón que no le cabe en el pecho, el cual se convierte en manager y compañero de aventuras durante los 108 minutos del metraje .

En esta ocasión los luchadores están bastante caracterizados, recuerdan a ciertos videojuegos donde los villanos se diferencian muy bien unos de otros… quien sabe, tal vez en los 80 Van Damme basase su idea en estos personajes digitales…

Este film medio ochentero y con un fuerte look que atisbaba el cine de los noventa, es sin duda la mejor película de Jean Claude Van Damme. Un momento cumbre de su carrera donde aún le quedaban un montón de años venideros siendo el rey del videoclub con títulos como: “Sin escape” (1993), “Blanco Humano” (1993) con John Woo, “Soldado Universal” (1992) o la sorprendente  “The Quest” (1996), un film dirigido por el propio Van Damme, y que tuvo estreno en cine con una notable mejorada factura y mejor propuesta de guión.



Hasta la fecha ha intentado apartarse de la figura de acción y dedicarse al drama, pero le ha sido imposible, por lo que aceptó pertenecer al club de Stallone  y Mercenarios en 2012.

Vamos a omitir y olvidar las desesperadas acciones que ha tenido últimamente con películas donde se parodia a sí mismo, y que encima no le han dado ningún reconocimiento…

Van Damme, te queremos, no te rebajes, sigue siendo tú mismo!

Por Isaac Berrokal

LOS ACTORES QUE CASI FUERON JAMES BOND (vol 1)

El otro día Sean Connery cumplía 85 años, entre todos los papeles que ha interpretado, el mas famoso, por el que todos le reconocemos enseguida y con el que empezó su carrera es “James Bond”, pero tanto Connery como los otros 7 actores que han interpretado al famoso agente secreto, estuvieron a punto de no interpretarlo e incluso de perder el papel entre película y película de la saga.

Ahora que quedan pocos meses para el estreno de “Spectre”, vamos a hacer un repaso a los actores que estuvieron a nada de ser Bond… imaginaos como sería hoy la saga si alguno de ellos hubiese acabado en el papel.



Antes de Sean Connery:

El primer actor a resaltar aquí es Roger Moore, si, por increíble que parezca Moore era el elegido para interpretar a Bond en “James Bond contra el Dr. No”, pero no pudo hacer el papel debido a que estaba rodando “El Santo” y su contrato televisivo era incompatible con el cine, tuvo que esperar hasta 1973 para meterse en la piel del famoso agente secreto.

Cary Grant fue considerado para el papel (Grant fue el padrino de boda del productor Albert R Bróccoli) pero lo rechazo porque no quería firmar un contrato que le encadenase a la serie, quería hacer una, no mas y Brócoli no acepto. Lo mismo paso con David Niven (aunque este acabo siendo 007 en “Casino Royale” un comedia de 1967) y Trevor Howard.

Hubo varios mas que fueron considerados par el papel, galanes de la época y acores televisivos, pero, como anécdota curiosa, se lo llegaron a ofrecer al director “ John Frankenheimer”, el mismo le contó al periodista Shawn Levy como fue:

“¿Sabe qué? Me ofrecieron el papel de James Bond en 1962. Estaba en un nightclub en Londres, y Cubby Broccoli me vio. Y yo parecía justo lo que Ian Fleming había escrito, y me preguntó si quería hacerlo. Y lo rechacé. Tampoco dirigiría una. Sus secuencias de acción son más grandes que la vida, y yo no hago secuencias de acción más grandes que la vida. Debes sublimarte a ti mismo al estilo de la película, y yo no puedo hacer eso”.

Finalmente fue Sean Connery el elegido, que, en principio, no tenia nada que ver con el agente descrito en las novelas de Ian Flemming, y por eso mismo lo hizo distinto, mas divertido y menos pomposo y fue un éxito inmediato.



Antes de George Lazenby:

Cuando se quiso sustituir a Connery como Bond debido a los problemas entre el y los productores, hubo una carrera contrarreloj y se llego proponer el personaje a gente de todo tipo (recordemos que Lazenby, quien finalmente lo interpreto en una sola película “Al servicio secreto de su majestad” era un modelo australiano al que cogieron simplemente porque se parecía a Connery físicamente ). Se lo ofrecieron a “Terence Stamp”, que quiso reinterpretar al personaje y propuso unos cambios que no gustaron a Brócoli que lo echó del estudio directamente.

A “Tom Jones”, al que finalmente no cogieron precisamente porque era “Tom Jones” y haber quien se iba a quitar su imagen de cantante de la cabeza mientras lo veía en la gran pantalla. Timothy Dalton, otro que acabo siendo Bond años después al igual que Moore, lo rechazo en aquel momento porque se consideraba muy joven para el papel ( tenia 25 años en aquel entonces ), otros considerados para el papel fueron “John Richardson, Anthony Rogers, Hans de Vries o Robert Campbell”. Finalmente fue Lazenby quien se quedo el papel… y era tan malo como actor y tan insoportable como persona, que solo duro un film.



Antes de Roger Moore:

Aquí la lista es de traca, de repente les dio “la mona” y los productores pensaron que debían “americanizar” a James Bond ( esto fue antes de que Connery volviese por ultima vez en “Diamantes para la eternidad”, pero como Brócoli sabia que solo volvería para esta película, siguieron buscando el reemplazo mientras esta se rodaba hasta llegar de nuevo a Roger Moore ). Es así como le ofrecieron el papel a Adam West ( si, el Batman de la serie de tv de los años 60 ), Robert Wagner ( que años mas tarde fue “Nr 2” en las películas de “Austin Powers” ), Clint Eastwood , Burt Reynolds, Joe Don Baker ( quien finalmente saldría en dos películas Bond “Alta tensión” y “Golden Eye” como villano en la primera y colaborador de Bond en la segunda ), finalmente se dieron cuenta de que Bond tenia que ser ingles y le ofrecieron el papel a varios actores ingleses desconocidos por aquel entonces, entre ellos cabe destacar a Michael Gambon.

Al final el papel fue para Roger Moore, el primer actor escogido para ser Bond antes que Connery, su interpretación de “Simon Templar” en la serie “ El Santo” le había llevado a la fama y estaba cantado sinceramente. Fue el Bond mas longevo ( casi tenia 60 años cuando lo interpreto por ultima vez en “Panorama para matar” ) y si me lo permiten… el mejor Bond.

 Continuara…



 by Adrián Alfaro

 

 

ANT MAN (luz al final del túnel)

Me he llevado una grata sorpresa con esta película, por fin parece que en Marvel se están dando cuenta de que no todo tiene que estar ligado a un tono dramático u oscuro y se agradece mucho.

La verdad, es que entre a ver Ant-Man sin mucha mas expectativa que la de ver “ otra de Marvel” y es que de un tiempo a esta parte todas sus producciones parecen cortadas por el mismo patrón, quitando “Guardianes de la Galaxia” de esta ecuación, en todas las demás ( Iron Man, Vengadores, Capitan America, Thor ) hay un “deja vu” de elementos reutilizados que empiezan a ser rutina, de acuerdo que todo este universo debe unirse de algún modo, pero en ocasiones parece que estas viendo la misma película con distintos personajes… el tono, la fotografía, los diálogos, etc. Pero en esta ocasión, se han salido del camino en lo clave, una película hecha desde un punto de vista mas modesto, que se toma su tiempo para presentarnos a los personajes, con un tono humorístico genial y comedido que hace de la película un paseo muy divertido sin caer en lo vulgar o sobado.

[caption id="attachment_189" align="alignnone" width="660"] Marvel's Ant-Man..Scott Lang/Ant-Man (Paul Rudd)..Photo Credit: Zade Rosenthal..? Marvel 2014[/caption]

Los actores están muy bien, es un gustazo ver al gran Michael Douglas en un papel que borda sin hacer de si mismo como en sus últimos trabajos, muchísimo mas inspirado que Tomy Lee Jones en Capitan America y mas profundo que Anthony Hoppkins en Thor, empatizas con el y su personaje enseguida y se nota que se toma el papel con ganas, lo de Paul Ruud es genial, es el actor perfecto para ser Ant-Man, Evangeline Lily hace un papel sorprendente, por fin una mujer que no esta de florero en una película de Marvel, con un carácter y unas motivaciones fuera de tópicos, a parte de que no tiene que exagerar su feminidad ni irse a derroteros sexistas en ningún momento ( en mi opinión, es una mujer muy guapa y aquí se deja ver esa belleza de manera natural ), el villano interpretado por Corey Stoll es magnifico, muy buen actor ( venido del mundo televisivo… House of Cards ) que hace un villano mas típico en líneas generales de manera balanceada y creíble, un papel en el que otros actores fácilmente hubiesen caído en la exageración, no quiero olvidarme del genial Michael Peña que clava un personaje muy divertido sin caer en el ridículo, es el escape mas cómico del film.

Los efectos especiales, como en todas las películas de Marvel son muy buenos, pero aquí, lo mejor de todo es que las escenas de acción y efectos están perfectamente integradas en la trama y son muy originales e ingeniosas, no les hacen falta rayos láser ni grandes enemigos, hay persecuciones y peleas que suceden en una bañera, una tubería, el entresuelo de un piso normal, un tren eléctrico para niños e incluso una gran pelea mano a mano entre nuestro prota y el villano dentro de una maleta que es una delicia.



Os la recomiendo, es una película muy divertida, esta bien hecha y no te toma por idiota. Además, lo mas importante en mi opinión, se toma al personaje y la historia como lo que es, no lo mete en un tono sombrío y ultra dramático como bien decía al principio y se agradece... no todo es Batman.

Adrián Alfaro