LOS SANTOS INOCENTES (la España enferma)

Si hay una cinta que retrate con crudeza y acierto una España negra, de criados y señoritos, esa es Los Santos Inocentes, de Mario Camus. Una novela de Miguel Delibes adaptada por el propio Mario Camus junto a Antonio Larreta y Manuel Matji, que a pesar de los 30 años que han pasado, sigue sobrecogiendo.

Tal vez lo más acertado de este film es la manera de ser rodado, la mano del director, que nos presenta las familias en convivencia, mostrando a los ricos servidos por los pobres,  contrastando y remarcando el tema a tratar, la jerarquía, la sumisión llevada a lo enfermizo, y la crueldad de quienes creen estar por encima de cualquier persona.



Una España que no desapareció hace tanto, un retrato de la España negra que tantas y tantas crónicas de violencia terminaron dando, y es que hay una cosa muy clara, al ser humano se le puede apretar hasta cierto punto, si lo rebasas, puede explotar.

La ambientación perturbadora donde personajes como el de Paco Rabal, haciendo de retrasado, meándose en las manos, defecando por cualquier sitio, y ofreciendo ese aspecto delirante y sucio, junto a “la niña chica”, una niña con parálisis cerebral, inmóvil, que dificulta las tareas de Régula (Terele Pávez), y que cuando grita nos viene a la cabeza el sufrimiento de un cerdo en la matanza…. son dos de los puntos depresivos de la historia, que se combinan con la extrema bondad y el miedo a ser despedidos de los personajes de Alfredo Landa y Terele Pávez.



La película comienza con una foto que viene de blanco total, pasando por la imagen nítida, hasta oscurecerse y no dejar ver bien la imagen… una bonita metáfora de lo que vamos a ver.

Podría ser perfectamente un relato visual de Michael Haneke, de hecho de algún modo me recordaba a “La Cinta Blanca” (Das weisse Band - 2009), por supuesto salvando las distancias, donde todo ocurre en un recinto de tierras y campos.

Lo único que lamento es que la cinta no se conserve en buenas condiciones. El grano es tosco, tiene suciedad y sufre daños en el lado izquierdo, oscureciéndose en ciertos momentos. Pero tal vez eso mismo le de más misterio a lo que durante 105 minutos estamos viendo.

STRANGER THINGS (una borrachera de nostalgia)

Los guiños, los homenajes y las referencias están bien en su justa medida, si cada plano, cada personaje, cada escenario, está vinculado directamente a otra película a modo de tributo, termina cansando.

La nostalgia surge cuando algo te recuerda a algún momento de tu pasado, si ese recuerdo perdura constantemente sin tregua, deja de funcionar como nostalgia, y esto es lo que sucede a mi parecer con la tan publicitada STRANGER THINGS.

Tiene referencias de casi todo el cine de los 80 y los 90, y termina siendo una saturación de imágenes que se alejan del meloso recuerdo de  nuestra infancia, porque con tanto calco de plano, de composición, y de escenas, la cosa se torna de melancólica, a cargante.

Aquí hay un video que compara la serie con las series que pretende hacer tributo, como veréis es algo exagerado, no hay una que se salve… para algunos será genial, para otros demasiada saturación ochentera…



https://vimeo.com/175929311

BUD SPENCER (hasta siempre)

A veces, cuando me preguntan en entrevistas que directores o que cine he mamado… tengo la sensación de que esperan una respuesta del tipo: Jean-Luc Godard, o François Truffaut…. Pero siempre digo lo mismo… yo empecé en esto porque me gustaban las pelis de Van Damme, películas como E.T., y me crié viendo las pelis de Terence Hill y Bud Spencer… Y hoy escribo este artículo para recordar la memoria de este último, que ayer se nos fue a los 86 años.

Bus Spenser era el fuerte del dúo que conformaban las películas más divertidas que yo veía de pequeño… Terence Hill era mi preferido, para que lo voy a negar, me gustaba su desparpajo y su creatividad a la hora de solar guantazos… Pero ninguno de los dos era nadie sin su compañero.



Títulos como “Quien Tiene un Amigo Tiene un Tesoro” (1981), “Banana Joe” (1982) o “Dos Súper Dos” (1984), eran películas que consumía una tras otra, tras el paso por el videoclub cuando iba a visitar a mi abuela, pues en aquella época no tenía video en casa.

Las cintas de estos dos maravillosos actores eran garantía de diversión, y de valores morales, pues la figura infantil estaba siempre presente en sus guiones.

Hoy nos quedamos huérfanos del señor Bud, hoy es un día triste y un día de agradecimientos… gracias Bud por tu cine, por haber creado los recuerdos más entrañables frente al televisor los sábados por la mañana… gracias por toda tu grandeza… tus sopapos seguirán siempre presentes en nuestros recuerdos más nostálgicos.

LA ESCENA DESAPARECIDA DE ELM STREET

Nadie se dio cuenta, pero quienes adoramos a Freddy hemos echado mucho tiempo en falta que no se hablase de la escena que ya no existe en los nuevos  formatos después del VHS (DVD, ETC). Y es que  Nancy se entera de que un hermano que no sabía que tenía, y de que Krueger fue el responsable de su muerte. Lo mismo ocurriría con los hermanos de Glen, Rod y Tina; por lo que todos los padres decidieron tomar cartas en el asunto acabando con Krueger.

Como ya dije en otro post anterior, y que coincidía con la muerte de Craven, no me pareció bien que en la última de Freddy le convirtieran en un pedófilo, una cosa es ser un psicópata asesino, y otra muy diferente, ser un puto pedófilo.

Aquí la escena del recuerdo.

COBRA (chulería pal cuerpo)

Tras “Rocky IV” (1985)  y “Rambo II” (1985) Stallone era ya el musculado héroe de los 80, y fue él mismo quien adaptó la novela de Paula Gosling al cine en una, aunque a día de hoy no lo puedan creer los chavales, exitosa “Cobra, el brazo fuerte de la ley” (1986), y aprovechó la amistad surgida con  en “Rambo II”, para que la dirigiera.

Se trataba de un personaje que desbordaba chulería a mansalva, dejando a Clint Eastwood a la altura del betún, con un aspecto más propio de súper-héroe del estilo de “Hellboy” que de otra cosa más cercana a lo humano. La cinta estaba protagonizada también por Brigitte Nielsen, la chica guapa que termina liada con el prota, y que en la realidad ya eran pareja.



Un argumento sencillo, escenas de acción que no llegaba a enganchar, y cuatro o cinco frases de esas que a día de hoy dan vergüenza ajena, pero que en aquella época nos molaban, y destacaban al personaje.

Stallone tenía por aquella época rienda libre para hacer lo que le diera la gana, y este personaje sería uno de los que por capricho, o no… le pareció interesante realizar.



Tras esto realizó “Yo, el Halcón” (1987), que de nuevo nos enseñaba valores humanos y del que ya hice una valoración en este blog.

Stallone aún tenía mucho que protagonizar, y estos personajes no hacían más que darle más y más fama a lo que después se denominó los brazos fuertes del cine de acción de los 80, 90… donde él, junto con su querido amigo Arnold Schwarzenegger, eran los reyes del lugar.

Como digo no es una buena película, pero es tal vez la nostalgia, quien nos manda tenerla en Blu-ray en la estantería del salón.

LOS SUPERCAMORRISTAS (el trío chino en Barcelona)

SINOPSIS:

Tomas (Jackie Chan) y David (Yuen Biao) son dos avispados vendedores de comida rápida china, que ofrecen desde su furgoneta en las calles de Barcelona. Su encuentro fortuito con la guapa carterista Silvia (Lola Forner) les pone en contacto con el detective novato Moby (Sammo Hung), quien está intentando encontrarla. Silvia es en realidad la rica heredera de una familia acomodada, secuestrada por un malvado conde que pretende apoderarse de su herencia. El trío deberá poner freno a las ambiciones del conde y rescatar a Silvia...

Jackie Chan y Sammo Hung eran en China lo que Laurel y Hardy en EE.UU. Una pareja, en este caso de artistas marciales, que hacían comedia en sus películas.

Nunca he sentido devoción por el cine chino, pero en mis tiempos de “karateka”, me sentía atraído por las artes marciales, y por casualidad cayó en mis manos esta cinta con un ti

tulo algo ridículo y desfasado en España, pero que terminé viendo.



La cinta se filmó en España, más concretamente en Barcelona, y entre su elenco estaba el genial Pepe Sancho y el boxeador Benny Urquidez, que con su peculiar rostro, era ideal  para el malo malísimo de la película.

Como curiosidad diré que Tarantino era un enamorado del cine chino, y más concretamente del de artes marciales (de ahí su tributo con KILL BILL). Pero el humor que gasta Quentin en sus guiones, no es más que un extracto del humor chino, un humor inteligente que también se deja ver en este film de 1984.



El trío compuesto por Yuen Biao, Jackie Chan y Sammo Hung, hacen las delicias de todo enamorado del cine de acción y las artes marciales (y la comedia), con números increíbles sin actores especialistas… con piruetas, acrobacias, y un ejemplo de habilidad, destreza y trabajadísimas virguerías por parte de Sammo Hung (con mucho sobrepeso), que te dejará ojiplático.

El guión es un clásico del género infantil… malos muy malos, héroes estupendos, y una chica guapa a la que rescatar…. Es una peli para disfrutar del circo acrobático que estos tres magníficos nos ofrecen, no esperéis más.

por Isaac Berrokal

BEST OF THE BEST (campeón de campeones)

SINOPSIS:

Un equipo formado por los mejores deportistas de los Estados Unidos debe competir en nombre de su país en la fase final del campeonato del mundo de Taekwondo que se celebra en Las Vegas. Su principal contrincante es Corea. Dentro del equipo americano está Alex Grady, un luchador casi retirado por culpa de una lesión, y Tommy Lee, a quien atormenta el recuerdo de su hermano que murió luchando contra su próximo rival coreano. A pesar de todo, Alex, Tommy y el resto del equipo intentaran ganar el título mundial.



“Campeón de Campeones” fue el segundo film de Robert Radler, una película de 1989 con la que de nuevo se retrataba la figura del deportista intentando conseguir la plena superación, como ya hiciera la pionera de todas ellas, “Rocky” (1976).



En este caso hay una trama dramática bastante clásica, podemos decir que se trata de una venganza, pero dentro de los límites de una competición…  La película plasma en su mayor parte los entrenamientos de estos taekwondistas, que, por cierto, entre su elenco está un jovencísimo Chris Penn, que aunque nada aportaba a las peleas (hacía del típico gañán dando hostias), dotaba de un carisma especial al equipo de americanos.

Phillip Rhee era la estrella de la historia. Un artista marcial excepcional que aunque no te gusten las artes marciales, era capaz de hacer que tras una película suya, te apuntases a un gimnasio sin parpadear.

Dentro de este tipo de tramas siempre existía, no sólo el resaltamiento del espíritu de sacrificio, sino los valores que aportaban, en este caso valores competitivos donde se reunía todo en la fase final.. en el gran combate donde finalmente el asesino de su hermano (Simon Rhee, quien es hermano en la vida real de Phillip Rhee), lucharían en el último combate por equipos, debatiéndose todo en ese último enfrentamiento.

La pelea es posiblemente la mejor pelea que haya visto jamás en el cine de artes marciales. Phillip Rhee demostró toda su habilidad y su potencial de técnicas marciales, en un espectáculo digno de ver una y mil veces.



El final se muestra muy tenso, a pesar de pertenecer al “happy end” de los 80, te hacía dudar, e incluso te sacaba tu lado más insensible cuando el protagonista dejaba hecho polvo al contrario, el cual se quedaba de pie frente a él a la espera de un golpe que le derribase, y diera la victoria al equipo americano… pero ese golpe no sólo les daría la victoria, sino que libraría de una vez por todas la carga que su protagonista llevaba a cuestas desde que éste matase a su hermano… El golpe que todo el público espera mataría a ese ser despreciable (aunque esto sólo lo sabe el espectador de la película y los protagonistas), independientemente si les diera la victoria a ellos, o no.





El final acaba con los últimos segundos en el marcador y Phillip Rhee ante su oponente exhausto. Rhee no llega a hacer nada, y la victoria es para los coreanos. Pero lo bonito venía en la vuelta de rosca, cuando en la entrega de medallas, son los coreanos los que se las quitan para dárselas a ellos, pues la victoria era evidente. Esas medallas no sólo premiaban su calidad marcial superior a la suya, sino su ética, su dignidad y sus principios como ser humano.

Una de esas películas maravillosas para enseñar a los chavales en su pre-adolescencia.

Por Isaac Berrokal

YO, EL HALCÓN (un pulso con la vida)

Silvester Stallone fue la estrella indiscutible de los 80, de eso no cabe ninguna duda. Y dentro de su filmografía había cine para todos los gustos, pues incluso se atrevió con la comedia en 1992 con “Alto! O mi madre dispara!”. Pero en 1986 interpretó a Lincoln Hawk, un humilde camionero que tendría que luchar por recuperar el amor de su hijo, un hijo criado por circunstancias de la vida, por su multimillonario abuelo, quien detestaba a morir a su padre.

En este film del director Menahem Golan (director de cine de encargo con hasta 10 películas por año) se expone la historia de amor de un padre por su hijo, pero de una manera inusual para aquel entonces. Una “road movie” atípica donde un padre y su hijo, se irán conociendo en un viaje en el que atravesarán el estado hacia un campeonato de pulsos que ofrece como premio, un camión último modelo y un montón de dinero.



En esa historia enfocada para un público más adolescente, se demuestra una vez más que la vida viene sin preguntar, y que hay que enfrentarse a ella de la manera más humilde e inteligente. Todo ello con estupendas frases motivadoras que giran en torno al deporte (supongo que lo es) del pulso, el cual sirve como base para enriquecer y fortalecer la personalidad de un niño pijo y consentido, por un abuelo sobreprotector sin valores humanos.

La cinta no es gran cosa, pero para fans de Rocky era suficiente. En aquel entonces Stallone había estrenado, hacía un par de años, Rocky IV y aún le quedaría por filmar la 5ª entrega, por lo que se dio un chute de “espíritu de sacrificio” con este trabajo.



A día de hoy es mejor quedarse con el recuerdo de los 80, que verla de nuevo. Es una de esas cintas que pierden mucho con el tiempo, y más aun con la edad del espectador, pero sigue siendo una estupenda película para enseñar valores a los más pequeños.

Por Isaac Berrokal

SUPERDETECTIVE EN HOLLYWOOD (grande Axel Foley)

Si hay alguien que nos ha hecho pasar un buen rato con una saga iniciada en los 80, ése es Eddie Murphy con “Superdetective en Hollywood” (Beverly Hills Cop – 1984). Recordar un personaje tan maravilloso como  Axel Foley es sacarte una sonrisa. El guión fue nominado al Oscar, y es que en aquella época lo del poli sacado de los suburbios de Detroit y llevado a lo más guay de Beverly Hills era plena novedad... pioneros de un argumento donde la comedia y el drama son perfectamente combinados con una dirección fresca y unos personajes a cada cual mejor.

Para los que mamamos del cine de los 80, la risa característica de Axel Foley podía ser un buen reclamo en el colegio para destacarte imitando un personaje que no todo el mundo había calado aún. Este film tenía todos los elementos para divertir a jóvenes, niños y adultos, pues los temas más peliagudos eran tratados con mucho tacto y una gracia que no derivaba en un humor insano. El ingenio de los guionistas Daniel Petrie Jr. y Danilo Bach, y el buen hacer al mando de la dirección de Martin Brest, conseguían lanzar un producto apto para todos los públicos.



Bien es sabido la cantidad de películas que se filmaron después con este punto en común de polis malos, polis serios, y polis anárquicos que conformaban guiones con gran cantidad de situaciones donde todos tendrían algo que aportar.

Cómo resolvía las situaciones Foley era algo que todos esperábamos ansiosos ante la pantalla. Con ingenio, mucha gracia y disparatadas ocurrencias que nos hacían descojonarnos a la par que adentrarnos aún más en la historia y cogerle más cariño al personaje.



Como un Mary Poppins que se presentaba en plena comisaría de “pijos” de Beverly Hills, era Murphy en este film. Incluso en la despedida, sus compañeros de aventuras que pretendían conservar sus modales disciplinados y correctos, se sentían afectados por la pena que les daba separarse de este individuo. Cine que a pesar de ambientarse en escenas policiacas con gran uso del tópico, conseguían resolverse de una forma inusual a la vez que inculcaban valores positivos que quedaban integrados en la mente de los más jóvenes.

Necesitamos recuperar esa esencia… o mejor dicho, necesitamos viajar a los 80 y volver a ser niños de videoclub.

por Isaac Berrokal

KICKBOXER (Van Damme en estado puro)

Muchos de vosotros es posible que tengáis como deporte las artes marciales, eso mismo me pasa a mi, y seguramente parte de la culpa la tenga Jean-Claude Van Damme y los directores Mark DiSalle y David Worth, quienes dirigieron esta cinta con guión de Glenn Bruce y la idea “poco original” del mismísimo Jean-Claude Van Damme y Mark DiSalle, el cual recuerda a otro clásico del que ya hablamos en La Muvida, “The Karate Kid” (1984).

KICKBOXER narra una historia que es todo un clásico en el cine de deportes de lucha. Dos hermanos llegan a Tailandia porque uno de ellos, el hermano campeón de Muay Thai interpretado por Dennis Alexio, va a competir contra el sanguinario y desconocido Tong Po (Michel Qissi), una especie de guerrero surgido de las profundidades del infierno que a su vez es un reputado mafioso de la zona. La cosa es que finalmente Tong Po deja paralítico al campeón en un combate, y su hermano (Van Damme) jura venganza, algo muy típico pero que a la chavalería le mola.

La mayor parte de la película la pasamos en un bosque donde Van Damme entrena a las ordenes de un maestro que se sentía reticente a entrenar a un americano, pero que dada la situación accede a ello, este está interpretado por Dennis Chan.

En la cinta no solo vemos un entrenamiento duro y exigente, sino que también hay momentos cómicos donde podemos ver a Van Damme bailar y dar patadas y puñetazos a la vez en un garito de la zona. Un baile que se ha hecho muy popular en estos tiempos y que incluso ahora le piden que realice en ciertas entrevistas americanas.

Kickboxer fue una película de videoclub que lanzó a la fama definitiva al actor Belga, y que con el éxito obtenido consiguió hacerse una figura popular y encasillada en el genero blockbuster, un genero que ha intentado quitarse de encima en varias ocasiones sin éxito.

Para todos esos chavales que aun no conozcan esta película, no dudéis en verla, tal vez os paséis del futbol al Muay Thai.

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por Isaac Berrokal

ROBOCOP (Paul Verhoeven)

Como esta es la sección adecuada, me voy a poner nostálgico … ¡Ojala se hicieran películas como esta hoy en día! Y es que es imposible igualar a Paul Verhoeven, su crítica social, su gore, su manera de profundizar y hacerte temblar en cada escena, su genial elección de actores (lo que Peter Weller hizo aquí es brutal). A mi de pequeño, en la escena en que uno de los villanos se deshace en acido, mis padres me tapaban los ojos… cuando pude verla por fin con unos añitos más, comprendí por que lo hacían, es muy gore y muy buena.

Una banda sonora genial, unos malos que daban miedo de verdad y una estética y stop-motion así como animatronics alucinantes. Es de esas películas que veías con tus padres y descubrías lo grande que era el cine, aunque no llegases a entender todo.

Hoy en día pocos padres sientan a sus hijos a ver una película para mayores de 18 con ellos, es algo que se va perdiendo por miedo a la violencia y situaciones adultas. Yo la vi y no soy un asesino, ni voy por la calle pensando en desmembrar a la gente (si, me he puesto Verhoeven por un momento) el buen cine se debe disfrutar desde pequeño.

Adrián Alfaro

THRASHIN (patinar o morir)

THRASHIN (1986) fue el descubrimiento de un deporte que en España en aquellos años se denominaba como un juego… “vamos a jugar al monopatín” se decía… Con esta película protagonizada por el que después sería actor protagonista de películas como “Planet error” (2007) o “No es país para viejos” (2007), Josh Brolin (Su primera película fue Los Goonies – 1985, y Thrashin su segundo film), entendí que el jugar al monopatín tenía un nombre, y era ser skater.

Este film fue una revolución en España, pues el skate sólo se veía en alguna revista extranjera que de alguna manera aparecía por ciudades como Madrid o Barcelona.


Podemos decir que en los 80 una película de skate no tenía ninguna posibilidad, por lo que apareció directamente en circuito de vídeo en una época donde acababa de llegar el formato Beta y VHS, pero los españoles tenían buenas tragaderas de cine debido a la novedad y consumían todo lo que llegaba.

La película cuenta como un joven patinador viaja a California para juntarse con unos amigos que terminan una rampa (half pipe) en la que patinaran todo el verano. Allí se enamora de una chica muy mona que resulta ser la hermana del jefe de la panda de malotes del lugar....
Bueno, la historia es básica pero entretenida, lo bueno de este film son las escenas de patinaje, tanto en rampa como en calle los trucos estaban bien ejecutados por dobles de la talla de Steve Caballero o ony Hawk. Skaters de máxima categoría que emergían en aquella época dando lugar a estrellas de este deporte.


Una película veraniega con un buen ritmo y unos personajes muy divertidos que a muchos nos marcó de por vida haciendo del skate un modo de vida.

La cinta fue dirigida por David Winters, que la verdad no hizo grandes trabajos, pero nos quedamos con éste, que vale por los más grandes.... Al menos para los que alguna vez fuimos skaters.

Larga vida a Thrashin!

THE KARATE KID (dar cera, pulir cera)

  

En 1984 apareció THe KARATE KID, una película de John G. Avildsen con guión de Robert Mark Kamen que sacó a flote el espíritu de sacrificio de millones de adolecentes. 

Tras la magnífica ROCKY, también del mismo director, llegaba la hora de hacer lo mismo con la chavalería de los 80. Una película donde la superación y los valores de un chico nos harían creer en que si quieres, puedes. 

Daniel Larusso fue en aquel entonces la representación de todos los chicos marginados del colegio donde estudiaban, esos chavales a los que se les acosaba y hacía la vida imposible.El profesor Miyagi, interpretado por el genial Pat Morita, se encargaba de disciplinar y convertir en un luchador karateka a este chaval simpático y desvalido. 

  
Evidentemente se ve la falta de asesoramiento, algo que no ocurría en la saga de Rocky, y que definitivamente en ésta película se hace notar de manera sorprendente, y queda claro que no hay karate en ella, tal vez esa era la intención del director,  no distanciar al espectador meofito y así abrir el abanico a un público más amplio. 

  
La película fue un tremendo bombazo a nivel mundial, se dieron paso a dos películas más de la saga y un reboot que protagonizó Jaden Smith y el artista marcial y actor Jackie Chan en 2010.  A día de hoy, y a pesar de las miles de películas que se han hecho de superación para adolescentes, sigo siendo partidario de que sea ésta, y no otra, debe ser la que vean los chavales para conocer los principios básicos que una persona debe tener en su vida. 

The Karate Kid, grande!

INDIANA JONES Y EL TEMPLO MALDITO (1984)

Rodada en una etapa personal convulsa para Steven Spielberg, “Indiana Jones y el templo maldito” es sin duda mi película favorita de las cuatro de la saga y una de mis favoritas de la década de los 80. Respecto a la saga, es más rápida, oscura y violenta que las otras tres. En mi opinión aguanta más que bien el paso del tiempo, es de esas películas que me sigue contagiando el “efecto carrusel” y la emoción de la escena siguiente aunque la haya visto mil veces.



La película en si lo tiene todo, empezando por la mejor BSO del enorme John Williams de toda la saga, es perfecta. Tiene escenas que se me grabaron a fuego en la memoria, como la persecución en la mina, el principio en el restaurante “Skywalker”, la caída en lancha hinchable desde el avión, todas las escenas del ritual negro... vemos a Indiana volverse malo y siendo víctima del vudú, la cena en el palacio es de traca con ese menú tan extraño, la escena del puente colgante con esos cocodrilos hambrientos… en fin... Para Spielberg, es una película extraña y de la que ha acabado casi renegando, como he indicado al principio del artículo, la rodó en una época convulsa de su vida personal y cree que ese oscurantismo y violencia es excesivo para el personaje de Indiana y la saga… en mi opinión, es precisamente por eso por lo que la película resulta más creíble y emocionante. Como curiosidad, es una precuela de “En busca del arca perdida”. ¿Cuántas veces de pequeño hemos soñado con ser “Tapón” y ayudar a Indiana? .

Adrián Alfaro López.