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martes, 13 de septiembre de 2016

MIMIC (las cucarachas de Del Toro)

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Guillermo del Toro fue el encargado de llevar a la pantalla la novela de Donald A. Wolheim en su debut como director en Hollywood tras “Cronos” (1993).

MIMIC es del año 1997, con lo cual debemos de tener en cuenta lo que rodea a aquella maravillosa época de cine fantástico, pues los 90 fueron muy permisivos con los guiones que se escribían a destajo.

Lo bonito de Guillermo es su manera de ambientar y crear atmósfera en sus films. Colores amarillentos y muy cálidos dentro de una ciudad sombría y permanentemente bajo la lluvia. Calles que han dejado en nuestro recuerdo la América con la que quienes no la conocemos, soñamos a día de hoy.

La historia de por si es retorcida… jugar con cucarachas y que sean estas las antagonistas del film es ya bastante asqueroso, pero Del Toro hace bien su papel de director otorgándonos escenas donde estos bichos se retuercen y mueren víctimas de un pisotón, de la manera más repugnante posible para dejar bien claro que deben ser eliminadas…

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A mi parecer la película comienza muy entretenida y se va desinflando a medida que se desarrolla. Contiene personajes muy estereotipados de la época, que inclusive en aquel entonces llegaban a ser cansinos… y cuando llegamos a los “monstruos” ya no hay por donde cogerlo… Cucarachas gigantes que huelen la sangre cual tiburón, y que atacan sin piedad por las profundidades del suburbano… y de ahí no salimos.

Lo malo no es esto, sino el desarrollo de una historia que termina en una acción básica, donde las ocurrencias para salir de las situaciones son poco más que burdas, trilladas y lamentables… Restregarse el cuerpo de las vísceras de las cucarachas para que no huelan, y pasar desapercibido es algo que incluso en los 90 ya pecaba de uso… Aunque claro, teniendo en cuenta que ha día de hoy siguen utilizándolo en series como The Walking Dead… en fin…

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Del Toro tampoco salva la película con un final sorprende dotado de inteligencia, optando por el temido Happy End, donde al final el héroe se salva y se reúne con su amada en la parte trasera de una ambulancia, arropados por una manta marrón mientras la policía y los bomberos terminan de hacer lo que tengan que hacer… un final decepcionante, pero que en los 90 parecía ser la crème de la crème….

MIMIC es un estupendo ejemplo de fotografía, con una dirección de sello propio, pero que no es capaz de entretener hasta el final, y que termina haciendo que mires el reloj irremediablemente.

miércoles, 29 de junio de 2016

PULP FICTION (cabreo en Cannes)

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En 1994 PULP FICTION se hizo con la Palma de Oro, ganando así el festival de Cannes. Pero no a todo el mundo le gustaba este film violento y de humor negrísimo… En la entrega del premio, que lo otorgaba Clint Eastwood, a alguien le pareció denigrante que fuera esa la vencedora del festival, y no dudó en expresar su mala leche ante tal decepción gritándole a Tarantino desde la grada.

Recordando aquel incidente, he conseguido este video en YouTube, aunque lo tenéis mucho mejor documentado en los extras de la propia película, con opiniones del propio director al respecto.

http://dai.ly/x4s9h2

martes, 26 de abril de 2016

RESERVOIR DOGS (el buen vino)

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La increíble apuesta de Lawrence Bender y Harvey Keitel por un guión distinto, interesante y muy violento, era de admirar a comienzos de los 90… y la cosa no quedaba ahí… dejar que lo dirigiera un novato como era por aquel entonces Tarantino (1991), tenía aún más mérito.

Todo seguidor de Quentin sabe que él pretendía rodar el film contra todo pronóstico… 30.000 $ y en 16mm, una peli de muy bajo presupuesto en aquellos lares. Algunas productoras le querían producir el film, pero con cambios en el guión como por ejemplo que aparecieran mujeres, y por supuesto que la violencia bajara su listón con el fin de llegar a más público, pero Quentin se mantuvo firme a su visión de la película, y no dejó que le mangonearan de ninguna manera.

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Pero si observáis el film a día de hoy, sigue siendo tan interesante su dirección, que cualquier “película de manual” se queda como un simple telefilm de media tarde por muy marca Hollywood que lleve el sello.

Cuando veo a Chris Penn y Lawrence Bender en un mismo plano, y donde Lawrence Bender permanece desenfocado mientras Penn habla, digo… ¡que huevos! La cosa es que si diriges cortometrajes sabes que arriesgarte a hacer cosas así puede ser sinónimo de un mal entendido por parte del público o el jurado… vamos, que pueden pensar que no tienes ni la más mínima idea de las reglas esenciales de la dirección, y muchas veces prefieres no arriesgar a que piensen que está mal dirigida.

No sólo en ese plano Tarantino arriesga, sino que en muchos planos donde por aquella época no era lo habitual, y que a día de hoy es más frecuente por la tendencia que generó tras Pulp Fiction en 1994. Planos secuencia, diálogos de más de 4 minutos (impensable para el nuevo Hollywood), y de más valentías, hacían peculiar este metraje.

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Reservoir Dogs sigue siendo un film muy interesante incluso casi 25 años después, repleto de diálogos que aunque tampoco contengan una alta dosis de genialidad, son suficientemente entretenidos como para dejarte pegado a la pantalla 99 minutos sin parar.

Existen muchísimas conexiones entre los films de Tarantino, por ejemplo el Sr. Rubio (Michael Madsen) se llama Vic Vega, supuestamente hermano de Travolta en Pulp Fiction (Vincent Vega), y sobre todo hace muchos guiños y referencias a anécdotas pasadas en su propia vida… por ejemplo las canciones que se oyen en Reservoir Dogs y en Pulp Fiction, eran las canciones que escuchaba su madre en casa, las cuales se quedaron grabadas a fuego en su memoria.

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Es evidente que su cine a evolucionado para bien o para mal. A mi personalmente me gusta más su estilo antaño, cuando jugaba con gangsters y personajes chulescos… Pero bueno, “siempre arroz” termina cansando. Un poquito de mafia, un poquito de kung fu, un poquito de western… Tarantino a su bola, como debe ser.

lunes, 28 de marzo de 2016

PI, FE EN EL CAOS (un Aronofsky arriesgado en su debut)

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Darren Aronofsky se llevó el premio al mejor director por está enfermiza película en Sundance ´98, y es que no es para menos. Cuando la alquilé por primera vez en el videoclub allá por el año 1999, 2000 (no lo recuerdo bien), lo hice simplemente porque el argumento, junto con la fotografía, me atraparon sin más.

SINOPSIS:

Max es un brillante matemático que está a punto de dar con el descubrimiento más importante de su vida: la decodificación del sistema numérico que rige el aparente caos del mercado bursátil. Pero primero ha de encontrar el valor del número PI. Mientras se acerca a la verdad, y afectado periódicamente por unas brutales jaquecas, Max es acosado por una agresiva firma de Wall Street y una secta judía que pretende descifrar los secretos ocultos tras los textos sagrados. Todos ansían apropiarse del inminente hallazgo de Max. 

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Aronofsky es a día de hoy uno de mis directores favoritos, y no por esta cinta en particular, sino por su estilo, que a pesar de abandonar en algunos films como “La fuente de la vida” (2006), o  “Noé” (2014), es muy reconocible en maravillas como “El Luchador” (2008), o “Cisne Negro” (2010), donde su gusto por el grano destacable en el film, y los planos a hombro dando lugar a secuencias realistas y bastante crudas, dejan un sello inconfundible (ojo, sello, que no “propiedad de”… que ya me conozco a algunos lectores del blog y su afán por que hable con propiedad…).

“PI” es su primer largometraje tras cuatro cortos; y con él atrapa la atención del jurado en el Sundance de 1998, donde una foto en B&N perfectamente quemada a cargo de Matthew Libatique, llamaba la atención de por sí. La manera de adentrarnos en la mente alocada y obsesiva de su personaje “,Max”, interpretado maravillosamente por Sean Gullette, nos va llenando de angustia, de paranoia, de sudores fríos… Aronofsky mueve la cámara de un lado a otro con el fin de inquietarnos, y lo logra sobre todo en los momentos de acción, donde cuelga la cámara de la cintura del protagonista enfocando a la cara, y le hace correr por la ciudad como loco.

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Los planos angulares, la saturación de los claro/oscuros, y los personajes que acompañan a la historia, son realmente un pieza fundamental para que todo se torne oscuro y atosigante…

Es difícil transmitir como lo hace en esta película, y sobre todo tomar la decisión de elegir planos complicados y muy arriesgados que pueden ser un todo o nada ante un público o un jurado conservador… Está claro que es un film que gusta o disgusta, con momentos donde las matemáticas, la ciencia y la física toman el protagonismo, y que si no eres algo curioso, puede llegar a aburrirte…

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Es la 5ª vez que la veo, y debo reconocer que no para de absorberme… como digo, esa fotografía es hipnótica, el ritmo, y sus personajes hacen el resto…

Recomiendo verla en versión original subtitulada, pues el doblaje en este film es de chiste.

martes, 22 de marzo de 2016

AMISTAD (irregular)

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No vais a creerme, pero no había visto este film de Spielberg, por alguna razón no escuché buena crítica en su momento, me hablaban de mala documentación, de tener referencias históricas sobre la época en España muy desacertadas, y de ser una película dura (y de dos horazas  y media)... todo esto mezclado ha hecho que vayan pasando los años y no la viera.

Bueno, pues ayer la pude ver, con  casi 20 años de retraso…. Efectivamente hay un poco de lío entre españoles, portugueses y mexicanos… y es que aunque los americanos no lo sepan, los mexicanos, los argentinos, los cubanos y los españoles tenemos distintos acentos… y aunque puedas solventar que los tiranos españoles hablasen mexicano por alguna razón inexplicable en el film… la cosa es que esto quita credibilidad a los menos incultos.

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Spielberg ya la ha cagado alguna que otra vez con esto de los idiomas… pero se lo perdonamos porque nos cae muy bien y le adoramos…. AMISTAD tiene sus momentos duros, pero tal vez el hecho de haberla visto con 20 años de retraso, se me han hecho bastante menos duros de lo que esperaba. Aún así, es preferible no representar con exactitud todas las barbaries que el ser humano ha llevado a cabo, más que nada porque no deben ser reconocidas ni para el recuerdo de la atrocidad… en mi opinión, esta moderada la violencia.

La película me resultó lenta… muy lenta…. con momentos que apuntaban a la brillantez y que se quedaban en el camino. La banda sonora de John Williams incrementándose cuando el esclavo dice aquello de “libre a nosotros” una y otra vez en un in crescendo de su voz, no consiguió hacer caer la lagrimilla, ni siquiera estremecerme un poco… y mira que soy fácil para eso.

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Una duración de más de dos horas para acabar con un juicio insulso, presidido por un monólogo de un Anthony Hopkins que tampoco me pareció nada del otro jueves (ya sé que a la academia de los Oscar sí les pareció magnífica)…. Un final soso, sin majestuosidad… una especie de mezcla entre la grandiosidad que intenta darle Steven Spielberg, y un final más propio de Michael Haneke…

Lo cierto es que a mi parecer es una película bastante olvidable de un grande como es el papi de E.T…

Pero como siempre digo, esto no es más que la opinión de un tipo que escribe en un blog.

miércoles, 16 de marzo de 2016

LA TORMENTA PERFECTA (drama edulcorado)

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El año 2000 aún reflejaba la esencia de los noventa, ese cine heroico acompañado siempre de una grandiosa banda sonora que engrandecía cada escena, y nos hacía estremecernos como niños…. A día de hoy esto se va perdiendo, y va quedando como un nostálgico recuerdo de cuando no nos importaba la física en el cine.

George Clooney no tiene pinta de pescador, más bien podría ser un reputado catedrático, al igual que su amiga pescadora, interpretada por Diane Lane, que nos da la sensación constantemente de ser su esposa, por su extrema educación y su personaje totalmente fuera de lugar ,en un ámbito de pescadores tan asalvajados…

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Como digo se trata de una cinta noventera a pesar de estrenarse en 2000, con el veterano director Wolfgang Petersen al frente, era inevitable llenar de fantasía escenas donde el mar más embravecido no ofrece ni una sola  consecuencia acorde con lo que sería en la realidad… pero los noventa molaban por eso, porque había licencia para tragarte todo lo que ahora no concebimos tan a la ligera.

Cuando el barco lidia con las olas de 15 metros, y Clooney dirige el barco dando vueltas como un poseso al timón… sin que se moviera un ápice de su sitio tras los empujones devastadores del barco…  me imaginaba mi disfrute si se hiciera a día de hoy, con un Clooney volando por la cabina y golpeándose atrozmente contra los cristales… lo poco que quedasen de ellos…

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El malogrado James Horner dotó a la cinta de magia, ilusión y aventura como sólo un grande como él podía hacer… Ver la película es disfrutar de su banda sonora, que en muchas ocasiones sobresale a las escenas filmadas.

Cine en familia con un sorprendente final al no existir el temido “happy end” típico de la época… Tal vez cante mucho la aventura paralela que viven los rescatadores del helicóptero, la cual parece ser más paja que otra cosa.

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Entretenimiento de salón… palomitas y un buen eructo tras el trago de cocacola final… no llega a conmover a fecha de hoy.

lunes, 7 de marzo de 2016

APOLO 13 (aburrida aventura)

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Ron Howard filmó esta película donde se narraba la odisea que sufrieron los tripulantes del Apolo 13 cuando el hombre se disponían a pisar por segunda vez la Luna, y una explosión en un tanque de oxigeno les frustró la operación, la cual se tornó a la de poder regresar a tierra.

El film de 1995 está rodado de una manera muy clásica en el cine del nuevo Hollywood. Personajes muy planos, que aunque representaran la vida de los astronautas en la realidad, se podían haber adornado un poco para que de alguna forma tuvieran una peculiaridad que identificasen mejor dichos personajes… pero bueno, la veracidad de los acontecimientos son muy fieles en la cinta, y se entiende que los personajes también lo sean, a pesar de que puedan llegar a ser aburridos.

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Tal vez en los noventa estuviéramos más acostumbrados a lo políticamente correcto, y ver la cinta a día de hoy se puede convertir en un aburrimiento, pues no consigue mantener tensión en los incidentes que ocurren en la nave a consecuencia de estar saltando del espacio a la tierra constantemente. Esto hace que en el momento donde la tensión comienza a hacer mella, nos saquen de golpe situándonos en el placido salón de de la familia afectada en cuestión, y de ahí a la jerga espacial de los ingenieros que tratan de explicar la solución, de manera que todos lo podamos entender…

Las explicaciones en la televisión que se realizaron para el público en general son  el recurso que Howard utiliza para hacernos entender por donde van los tiros, pues es fácil perderse en una jerga tan alejada de los ciudadanos de a pie. Aún así, se explica de manera tan sencilla, y con ejemplos tan prácticos, que no llaman la atención lo suficiente como para incrementar nuestra atención.

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James Horner compone temas musicales bastante identificables con esta década noventera, y que en la actualidad se quedan algo desfasados…. Nuestra forma de ver el espacio ahora es más espectacular gracias a Nolan o a Cuarón, quienes nos han deleitado en los últimos tiempos con grandes producciones que han dado un giro bastante importante a esto de viajar al espacio, y en ocasiones sin necesidad de banda sonora.

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Las dos horas largas de Apolo 13 se hacen algo aburridas y pesadas, y más sabiendo el desenlace, algo por todos conocido. Se puede destacar la frivolidad de la prensa ante los acontecimientos, y el interés póstumo cuando se masca la tragedia, pero se hace poco ímpetu, y se desinfla enseguida… esto le ocurre a cada paso… ocurre el problema y la pantalla se ilumina, pero en seguida se viene a bajo por no dar suficiente tiempo a que cuaje en el espectador. En esta ocasión creo, y siempre bajo mi opinión personal, que Ron Howard no ha conseguido el film que todos esperaban… demasiado soso.

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martes, 16 de febrero de 2016

LA HAIN (plasmando odio)

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Mathieu Kassovitz realizó una obra maestra en 1995, cuando quiso inventar la historia que podía haber acontecido tras el caso real de un policía al que supuestamente se le disparó la pistola matando a uno de los chicos de la zona marginal de Paris.

El director escribe y dirige este film que nos narra la historia de tres chicos que han vivido y crecido en los suburbios de París… un judío, un árabe inmigrante y un boxeador amateur negro. Denunciando no sólo el hecho en el que basan la historia, sino la vida entre bandas, racismo y supervivencia al fin y al cabo en un país que les marginan.

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El ingenio de su director a la hora de realizar planos dejó helada a la critica, obteniendo varios premios, entre ellos la de mejor dirección en el  Festival de Cannes.

En blanco y negro, y con un ritmo trepidante, los actores, que además mantenían sus nombres en los personajes: Vincent Cassel, Hubert Koundé y Saïd Taghmaoui, dan vida a la perfección a esta panda de amigos que van montados en una montaña rusa de sentimientos, donde se enemistan y se vuelven a unir según acontece la historia del día a día.

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Mathieu Kassovitz quiso adentrarse en los suburbios para rodar el film, y no sólo para rodarlo, sino vivir en un piso con su equipo para mantener los pies en la realidad que pretendían mostrar. Teniendo el consentimiento de las bandas, y siendo conscientes del peligro que suponía rodar en un barrio así.

Como digo la cinta es ya un clásico, y contiene escenas míticas donde en ocasiones la imaginación de los propios personajes es mostrada explícitamente, recreando planos imposibles y escenas oníricas dentro de la imaginación violenta de sus personajes.

Un guión marcado por la tensión, que no para de sorprendernos al adentrarnos en sus vidas, sus familias y sus costumbres… una lección de vida que nos hace meditar sobre nuestras quejas en nuestras vidas acomodadas.

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lunes, 4 de enero de 2016

EL ÚLTIMO ESCALÓN (el final de los 90)

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Kevin Bacon de nuevo, esta vez más madurito y con un papel donde debía poner a prueba su capacidad dramática dentro de un entorno terrorífico.

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Tom Witzky (Kevin Bacon) es un hombre normal que vive con su mujer (Kathryn Erbe) y su hijo de 7 años. A pesar de su escepticismo respecto a los fenómenos paranormales, accede a ser hipnotizado durante una fiesta en casa de unos vecinos. A partir de ese momento su vida se ve perturbada por extrañas voces y visiones inexplicables que parecen fragmentos de un rompecabezas que podrían servir para resolver un crimen. 

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La cinta mantiene la línea del terror más tópico, donde el espíritu del fallecido se aparece con el fin de ser liberado del lugar donde está enterrado, y desvelar cual fue el terrible asesinato que se mantiene sin resolver… muy típico, pero David Koepp adapta muy bien la imagen de la Novela de Richard Matheson, y te hace entrar muy bien en la espiral de locura en la que el protagonista se sumerge, y sumerge también a su mujer.

Podríamos hablar de una película que a priori no apetece ver por su machacado argumento, pero debemos tener en cuenta que su director lo escribe y lo dirige, y de estas cosas suelen salir buenos resultados.

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Con momentos estupendos, como Bacon volando en un contrapicado sentado en un sillón por una sala de cine  dentro de su hipnosis… O correcta evolución de su personaje, de la cordura a la desesperación, algo que ya demostró hacer muy bien en “Sentencia de Muerte” (2007), a cargo de James Wan.

Es inevitable que la locura de su personaje nos recuerde a la maravillosa “Encuentros en la Tercera Fase”  (1977), donde Richard Dreyfuss destroza también su casa en busca de la señal que explique el fenómeno que está viviendo…

Pero la cinta va más allá, y denuncia de algún modo un asesinato que ocurre por desgracia día sí, y día también en distintas partes del mundo. En este caso en la ciudad de Chicago, en un barrio donde no paran de repetir que es decente…

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En definitiva una cinta de terror con tintes dramáticos, y una historia que atrapa sin caer en el terror más mundano… con una maravillosa banda sonora de James Newton Howard que engrandece la cinta acentuando las escenas con mayor calidad.

Una bonita forma de despedir la década de los 90.

domingo, 3 de enero de 2016

TEMBLORES (el tiburón del desierto)

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Ron Underwood había hecho cortos y dirigido capítulos de series de televisión, hasta que tuvo la oportunidad de dirigir “TEMBLORES”. Un film ochentero que vio la luz en 1990, mostrando a un prometedor y jovencísimo Kevin Bacon algo alocado y sobre-actuado, pero que no dejaba de estar a tono con la dirección de aquel famoso film.

Desiertos y carreteras polvorientas ambientaban una cinta donde unas especies de babosas gigantes (llámalo x) atacaban a los pocos ciudadanos de un pueblo en mitad del desierto texano.

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La cinta vista a día de hoy es bastante impactante, pues utilizaron animatronics y un sin fin de trucos en el propio Set de rodaje para lograr los efectos, y como todos sabemos, nada mejor que lo que se rueda in situ para dar mayor espectáculo y credibilidad.

A pesar de ser de 1990 podemos disfrutar de un buen circo de fantasía y escenas dramáticas dentro del terror más sucio…. Se echa de menos ver saltar un buen chorro de sangre cuando una de las víctimas era engullida por estos seres… entendemos que de nuevo, los productores optaron bajar la tasa de edad para llegar a mayor público y obtener beneficios de taquilla con esto. Pero sin duda la cinta pide a gritos sangre a borbotones, y sin darnos cuenta nuestra intuición nos dice que falta algo…

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La música a cargo de Ernest Troost tiene momentos admirables, y otros que rebajan la cinta a lo más chabacano. Los momentos de banda sonora por todo lo alto son memorables, pero en cambio cuando adornan todas las demás escenas con una horrible musiquilla cuntry de biblioteca, es francamente deleznable.

Tal vez sus guionistas Steven S. Wilson y Brent Maddock, tuvieron en cuenta el film de Spielberg “Tiburón” (1975), para montar todo este lio argumental. Podemos comparar el desierto al mar, y los monstruos al tiburón… Unos monstruos que atacan las “embarcaciones”, que en este caso son casas y coches donde los protagonistas se refugian.

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Incluso la manera de eliminar a uno de los bichos es la representación gráfica del final de la cintra de Spielberg… volándolo por los aires con dinamita.

“Temblores” sigue siendo un buen film para pasar el rato, y apto para todos los públicos… los 90 empezaban bien sin lugar a dudas.

domingo, 13 de diciembre de 2015

MISERY (una psicópata como ninguna)

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Hace ya 25 años de la adaptación de la  novela de Stephen King “Misery”.  Novela que el actor y director Rob Reiner, dirigiera con maestría llevando a la actriz Kathy Bates directamente a levantar un Oscar a la mejor actriz por esa gran interpretación.

Y es que la cinta tiene el cuidado y la elegancia que este tipo de historias necesitan. Una historia minimalista, con dos personajes protagonistas que desarrollan la acción casi en su totalidad, dentro de una casa de montaña.

Los films de escasas o únicas localizaciones son bastante difíciles de llevar a cabo, pues suelen terminar estrellándose en el aburrimiento por tópicos previsibles que merman el interés hasta decir basta.

MISERY tiene un argumento mediocre, resuelto con un gran guión que esquiva estereotipos y escenas maltratadas una y otra vez por guionistas de oficio de la industria de Hollywood.

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Contamos con dos buenas interpretaciones, y giros en el guión que dan pie a la desconfianza de lo que uno va observando en la trayectoria de dicha guión.

El desquicie de su antagonista está plenamente medido y no se excede ni un ápice, dando lugar a una personalidad demencial con momentos de lucidez que dan credibilidad a su personaje. Una montaña rusa de sentimientos que nos tambalea de un lado a otro en según que escena, y que nos devuelven la confianza en los personajes según se van sucediendo los acontecimientos.

Uno de los secretos de esta buena puesta en escena puede residir en sus personajes. Bastante comedidos y serenos ante los imprevistos, y que en ningún momento hacen nada extraordinario que los etiqueten de héroes… tal vez el desquite de los héroes de los 80 comience por este tipo de éxitos en pantalla.

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Annie Wilkes es un personaje oscuro, con la educación por encima de todo, algo que contrarresta sus actos más delirantes, tal vez sea de aquí de donde sacó esos personajes tan retorcidos Michael Haneke para su “Funny Games” (1997), quien sabe.

Como digo, se trata de un personaje aterrador, que sabiendo de su limitación física, sabe jugar muy bien sus cartas para retener a su ídolo, y es que su vida está marcada por una serie de asesinatos minuciosamente ejecutados, que le han llevado a la libertad en un país tan duro en sus juicios y condenas como es EEUU.

Esto nos lleva a la incapacidad del espectador de poder adelantarnos a sus actos. Se justifica su ingenio maquiavélico, y su experiencia como asesina insaciable. Tal vez patine en un desenlace donde la pelea sobra, y que con ese primer golpe con la máquina de escribir, hubiera sido suficiente para dejar el final por todo lo alto, pero aun así, no desmerece en nada.

Una obra redonda que sorprende incluso a día de hoy, 25 años después.

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por Isaac Berrokal

martes, 10 de noviembre de 2015

SOLDADO UNIVERSAL (de lo mejor de Emmerich)

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Jean Claude Van Damme tuvo la oportunidad de trabajar bajo la dirección de un grande del espectáculo, hablo de Roland Emmerich, director de espectaculares películas como: “Independence Day” (1996), “El día de mañana” (2004) o “2012” (2009).  Sin ninguna duda “Soldado Universal” es uno de sus mejores films, tratándose de todo un film de entretenimiento repleto de diversión, y una historia que se presta a ello.

SINOPSIS:

Siguiendo un programa altamente secreto, el ejército está trabajando con cadáveres a los que transforma en soldados invencibles. Una pareja de reporteros se aproxima a la base en la que se realiza el experimento y toma fotografías del lugar.

La cuestión es que Van Damme toma vida cual Frankenstein dentro de ese experimento militar, transformándole en una auténtica máquina semi-humana que se enfrentará a todo tipo de misiones casi suicidas.

Dolph Lundgren hace aquí un personaje muy goloso para cualquier actor… el mítico prototipo de villano, un coronel militar obsesionado con la guerra, y con una alta afición a matar gente. Los dos “cyborg” irán acentuando sus sentimientos, desvinculándose de la misión impuesta por el ejército, y dejando aflorar un sentimiento del lado humano que da lugar a un fallo en el proyecto

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Van Damme se humaniza, y Lungren lo hace también, pero a modo de psicópata asesino.

El ejército trata de dar captura a su soldado defectuoso, un Jean Claude divertido, creíble, y que empatiza con el espectador rápidamente gracias a situaciones cómicas que muestran el lado humano y entrañable del personaje.

La actriz Ally Walker da vida a una periodista que acompañará a Van Damme en esta road movie, equilibrando el humor y el drama dentro de la ficción. Un personaje muy parecido a los que interpretaba la actriz Goldie Hawn en sus películas, recordando en este film a “Dos Pájaros a Tiro” (1990) con Mel Gibson.

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El humor es un clásico del cine de los 90, con escenas que recuerdan a “Terminator II: el juicio final” (1991) tanto en escenas cómicas como de acción. Además estos dos personajes tienen un punto débil, el calentamiento. Las máquinas se calientan y deben ser recargadas mediante frío, lo que le da mucha miga al guión, y deben encontrar la manera de enfriarse con hielo en plena persecución.

El personaje de Lungren, el temible Andrew Scott, que va haciéndose un collar de orejas humanas con los asesinatos que va cometiendo, es el antagonista más divertido y alocado que recuerdo en mucho tiempo. Un personaje que le viene como anillo al dedo, y que le dio la oportunidad de demostrar que no sólo era un actor de físico, sino que era capaz de interpretar con credibilidad y eficiencia. Aunque de poco le sirvió en su carrera, la verdad.

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El film cuenta con momentos tiernos, tal vez no sea trascendental, pero te hace pensar en la vida y la muerte en algunas escenas… sobre todo en un final donde se implican a los padres del personaje de Van Damme, donde la destrucción en una batalla típica final, nos hace plantearnos hasta qué punto podemos proteger a nuestros seres queridos.

Este film cuenta con numerosas entregas posteriores que no han pasado del alquiler de vídeo, no llegan a la altura del trabajo de Emmerich, y no son dignas ni de mención.

En mi opinión, y para mi gusto, esta película es una de las mejores de Roland  Emmerich, tal vez porque no se excede en la destrucción, y mucho menos en los efectos especiales. Personajes comedidos dentro de la licencia que da la ficción nos da a la hora de contar este tipo de historias. Recomendable con un buen bowl de palomitas

por Isaac Berrokal

martes, 13 de octubre de 2015

CINE DE ACCIÓN DE LOS 90 (entrañables clichés)

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Todos recordamos los 90 con buen rollo, con un aire guasón y colorido… una década que, en lo que a cine se refiere, fue muy marcada por los clichés que Hollywood se empeñó en crear.

Porque lo que estaba claro en los 90, es que los protagonistas debían ser masculinos, y no sólo eso, sino cachitas, más bien jóvenes y sobre todo guapos. El superhéroe de los 80 mazado y con cara de resolver todo a hostias estaba en declive.

Es curioso, pero en las películas de esta época sólo se veían mujeres protagonizando historias si se trataba de comedia, o comedia-romántica… y encima en pocas ocasiones, el protagonismo era casi en su totalidad para figuras masculinas.

Los machos que protagonizaban los films, terminaban con mujeres de bandera, guapas, con grandes pechos y rubias de ojos azules, a poder ser… era el estandarte que se seguía.

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Los clichés de la época eran claros, pero también había cosas que no podían faltar en ciertos films de acción, era muy importante que hubiera escenas donde:

  1. En protagonista cruzase en plena persecución o huida, una calle repleta de coches que debían frenar en seco, rozándole o tirándole al suelo.


  1. Aunque saltase de un puente a un barco, recibiese disparos en extremidades, o fuese atropellado por un vehículo, nuestro protagonista no notaría ni una bajada de tensión, ni la pérdida de sangre afectaría a su físico… y sobre todo era importante que a los tres minutos de haber ocurrido esto, nos olvidásemos por completo de dichas heridas.


  1. Era fundamental que no sudase… mantuviera el peinado limpio y debidamente peinado, y si caía al agua, al salir, el pelo debía estar medio seco.. digamos que rollo “efecto mojado”, pero sin chorrear una gota de agua, eso era muy vulgar.


  1. También debía ser inmune al cansancio. Por ejemplo en “Speed” (1994), Keanu Reeves sufre un percance cuando se encontraba bajo el autobús intentando desactivar una bomba. El carro se rompe y tiene que subir a pulso enganchándose a los bajos del autobús hasta subir por la trampilla interior… Bien, cuando consigue esto, su expresión es como la del que acaba de terminar un libro y piensa por unos segundos en su final. Ni un ápice de aliento, ni una gota de sudor, nada… un T1000, sin duda alguna.


  1. Algo que venía en el manual del buen productor americano, era que en todo film debía haber una persecución de coches que pasara por un mercadillo callejero repleto de fruta (a ser posible en Chinatown) para ser arrollado por los coches, con un chino quejándose de forma cómica para echarnos unas risas a costa del pobre desgraciado.


  1. Al finalizar la peli el protagonista con su nueva novia, debían acabar sentados en la parte de atrás de una ambulancia cubiertos con una mantita. Todo esto previo a un maravilloso beso “The End”.

Bueno, y referente a las chicas… era sencillo, durante la película iban mostrando chicas un tanto vulgares, hasta que de pronto aparecía una chica despampanante, entonces sabías que terminarían juntos, y por supuesto existiría un beso que sellaría el “happy end” del desastre que estuvieran pasando.

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Daba igual de que tratase la historia, los productores de Hollywood consideraban que la vida era ya de por sí un drama, como para ofrecer más aun en sus producciones.

En los 90 era esencial sonreír, todos los protagonistas de las pelis de acción sonreían incluso en las situaciones más complicadas... y no sólo eso, sino que tenían que tener en la recámara una buena frase para dar la puntilla cómica y chulesca a lo que estaba ocurriendo.

También había un cliché para los personajes negros. Los negros eran por lo general salidos de barrios conflictivos de New York, y eran muy cachondos… siempre sonreían mostrando su reluciente dentadura, y por supuesto su papel era efímero, o como mucho secundario. En los 90 un negro no podía llevar la voz cantante del film, eso era un insulto para el pueblo americano (la cosa se fue normalizando al final de la década). Y si hablamos de cine de terror la cosa estaba clara, nuestro negro cachondo que nos ha hecho reír durante 30 minutos de metraje, debía morir de la forma más horrenda, cruel, e indigna posible.

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También era importante que todas las películas se rodasen en New York, no había credibilidad en la historia si no veíamos taxis amarillos por las calles. Si algún director se atrevía a filmar algo en un ambiente europeo, era como no estar en casa… en tu ciudad… es más, era como no estar en el planeta tierra, los espectadores americanos se echaban las manos a la cabeza y exclamaban “¡no hemos venido a ver ciencia ficción!”

La actitud de los protagonistas de las pelis de acción de los 90 era un tanto extraña. Podían expresar ternura, afinidad, compasión y un gran lazo de amistad con el co-protagonista, pero en cuanto éste moría en horribles condiciones, no pasaban ni dos minutos, que ya ni se acordaban de él… seguían haciendo su vida como al que se le muere el hámster.

El cine noventero nos ha dado muchas alegrías y grandes películas, que duda cabe. Pero si las vemos a día de hoy, no puedes hacerlo sin tener en mente la frasecilla: “eran los noventa”, para justificar tanta incoherencia y despiporre.

Pero bueno… eran los 90.

Por Isaac Berrokal

PARADA EN EL INFIERNO (un western macabro)

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