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lunes, 23 de enero de 2017

TARDE PARA LA IRA (simple y efectiva)

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Tengo que reconocer que soy bastante reacio a ver películas dirigidas por actores, y si es una opera prima me da aún más pereza. Pero “Tarde para la Ira” tenía un elemento fundamental que me atraía mucho, Luis Callejo, un actor que he visto crecer en cientos de cortometrajes, y que incluso premiamos en 2010 por su fantástica interpretación en el cortometraje “Consulta 16”, en el Festival de cortometrajes Cortomenar, el cual yo dirigía en aquel entonces.tarde-para-la-ira-2_zpsnbldvwpm

Callejo es un actor que se mimetiza con el personaje, que es capaz de interpretar un drama como una comedia a la perfección, con una naturalidad pasmosa. Para mi es un Robert de Niro en sus buenos tiempos… una verdadera fiera interpretativa.

La cinta denota bajo presupuesto, mucho plano a hombro y en definitiva pocos planos, aunque arranca por todo lo alto con una plano secuencia con sorpresa al final, lógicamente no diré de que se trata, pero deja un buen sello de calidad para no perder detalle.

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A pesar de no tener planos suculentos, Raúl Arévalo ha sabido bien como contar una historia que por momentos se convierte en una road movie, con personajes mustios repletos de miseria venidos de barrios marginales de Madrid, caldo de cultivo para delincuentes y asesinos.

Arévalo retrata muy bien este barrio y sus personajes, con su jerga, con sus problemas, y con su manera de pasar la vida. Todos los actores están maravillosos, muy creíbles en papeles donde es fácil cruzar la línea de la sobre-interpretación.

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Me ha encantado los momentos de tensión donde Antonio de la Torre, impávido, es capaz de generar inquietantes escenas donde deja claro que su personaje es capaz de sufrir un ataque de ira llegando a la más absoluta de las locuras, esos momentos previos a la tormenta, dejan claro del carácter interpretativo con el que cuenta De La Torre. Hablamos de una pareja perfecta, de dos actores que se ensamblan muy bien, y que son capaces de embaucar a la primera de cambio.

Raúl ambienta el film en una España actual, pero que atisba mediocridad, una España reflejada en los años 70/80, recordando a viejos vándalos como El Torete o El Vaquilla delinquiendo en el extrarradio de sus ciudades natales.

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“Tarde para la Ira” es una película directa, con la violencia cruda y bien  representada, con un argumento simple pero efectivo. No llama la atención por sus planos, pero si por la inteligencia con la que se ha rodado sin contar con mejores medios. Hablamos de una opera prima digna y que deja con ganas de ver más.

domingo, 2 de octubre de 2016

LOS SANTOS INOCENTES (la España enferma)

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Si hay una cinta que retrate con crudeza y acierto una España negra, de criados y señoritos, esa es Los Santos Inocentes, de Mario Camus. Una novela de Miguel Delibes adaptada por el propio Mario Camus junto a Antonio Larreta y Manuel Matji, que a pesar de los 30 años que han pasado, sigue sobrecogiendo.

Tal vez lo más acertado de este film es la manera de ser rodado, la mano del director, que nos presenta las familias en convivencia, mostrando a los ricos servidos por los pobres,  contrastando y remarcando el tema a tratar, la jerarquía, la sumisión llevada a lo enfermizo, y la crueldad de quienes creen estar por encima de cualquier persona.

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Una España que no desapareció hace tanto, un retrato de la España negra que tantas y tantas crónicas de violencia terminaron dando, y es que hay una cosa muy clara, al ser humano se le puede apretar hasta cierto punto, si lo rebasas, puede explotar.

La ambientación perturbadora donde personajes como el de Paco Rabal, haciendo de retrasado, meándose en las manos, defecando por cualquier sitio, y ofreciendo ese aspecto delirante y sucio, junto a “la niña chica”, una niña con parálisis cerebral, inmóvil, que dificulta las tareas de Régula (Terele Pávez), y que cuando grita nos viene a la cabeza el sufrimiento de un cerdo en la matanza…. son dos de los puntos depresivos de la historia, que se combinan con la extrema bondad y el miedo a ser despedidos de los personajes de Alfredo Landa y Terele Pávez.

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La película comienza con una foto que viene de blanco total, pasando por la imagen nítida, hasta oscurecerse y no dejar ver bien la imagen… una bonita metáfora de lo que vamos a ver.

Podría ser perfectamente un relato visual de Michael Haneke, de hecho de algún modo me recordaba a “La Cinta Blanca” (Das weisse Band - 2009), por supuesto salvando las distancias, donde todo ocurre en un recinto de tierras y campos.

Lo único que lamento es que la cinta no se conserve en buenas condiciones. El grano es tosco, tiene suciedad y sufre daños en el lado izquierdo, oscureciéndose en ciertos momentos. Pero tal vez eso mismo le de más misterio a lo que durante 105 minutos estamos viendo.

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martes, 30 de agosto de 2016

EL DESCONOCIDO (Luis Willis)

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Dani De La Torre debutó con este film en 2015, con un guión de Alberto Marini y con un reparto maravilloso, donde Luis Tosar volvió a recordarnos lo grande que es. Y es que este film, que aborda un argumento ya clásico en el cine, tiene el formato blockbuster hasta en el etalonaje… una película de puro entretenimiento que logra captar nuestra atención desde que Tosar sube al coche.

Lo malo es querer llevar el cine español a un estereotipo de familia americana, donde los niños se pelean durante el desayuno, el Sol entra alegremente por la ventana de la inmensa cocina, y donde los padres están muy ocupados con sus negocios… Este rollo ya no nos gusta ni en el cine yanqui, por lo que es obvio que en el nuestro tampoco.

A parte de estos detalles, la cinta cobra algo de interés cuando en los primeros minutos la llamada nos deja claro que el tipo va en serio demostrándolo con la explosión de su compañero en el coche, rodado dramáticamente y sin planos que nos retrotraigan a los años 90, que es lo que me temía yo antes de verla en mis primeros prejuicios.

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De La Torre se marca un plano secuencia para dejar constancia de que sabe, y puede hacer eso en su primer film, la secuencia donde la cámara va siguiendo a Elvira Mínguez, e interactúa con una inmensidad de actores perfectamente sincronizados, demuestra un trabajo atrevido, y nos da más esperanzas de que lo que veremos estará a la altura.

El guión cojea con algunas incoherencias, incluso dudamos si la policía es tan torpe de enviar a un individuo que dice ser su hermano y no comprobar el DNI (pero bueno miren lo que pasó en el día nacional de Francia con el tipo de la camioneta…) Bueno,  vamos dejando pasar todo porque realmente nos tiene enganchados. También Javier Gutiérrez deja plasmado su buen hacer en esta película, dando vida al pirado que le tiene en un sinvivir…   Tal vez el menos afortunado sea Fernando Cayo, que no llega a convencer con su personaje, está sobre-interpretado y le resta credibilidad a la cinta.

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Lamentablemente el final es un despropósito, y toda la crudeza de los acontecimientos, toda su veracidad se pierde con un final típico de película de acción de los 90 con un salto al agua que les habría explosionado sí o sí, y que Tosar resuelve sin problemas colocando una sillita de niño bebé encajada entre el volante y el asiento (o como sea) y todo esto con la presión del agua haciendo flotar todo lo que estuviera dentro del coche sin excepciones.

Lamentable final para una película que se habría resuelto muy bien sin estúpidos happy end. Y si no había mejor final que el de la acción a lo Bruce Willis, al menos que los dos murieran en el choque contra el agua...

En fin, una pena, una película interesante en su genero, pero que no ha sabido abstenerse a los finales míticos de blockbuster.

viernes, 11 de marzo de 2016

EL CINE ESPAÑOL (memoria rancia)

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El cine español se escurre cada vez más hacia el pozo de la comedia chorra, porque aunque parezca que el espectador es progre, realmente sigue siendo igual de conservador.

Parece que pasó un siglo desde las películas de José Luis López Vázquez, o Fernando Esteso y Andrés Pajares…. Esas películas setenteras etiquetadas como “el destape”, fruto de la represión y censura sufrida en la dictadura de Franco… de pronto queríamos ser como los franceses, ¡ver tetas y culos!, eso sí, sin necesidad de complicadas tramas ni trasfondos de ningún tipo… a enseñar carne sin más.

Esas películas generaban pasta gansa, el espectador español quería cachondeo y tías en pelotas, a poder ser suecas…. y eso es todo. Un cine machista y sincero… así eran las cosas en aquella época.

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A día de hoy se ha jugado con todo tipo de género, pero no ha funcionando tan bien como la comedia… y la comedia cuanto más déficit de calidad tenga, mejor funciona en la taquilla española. Esto está comprobado, los guiones son de medio pelo, con personajes que se repiten una y otra vez hasta la saciedad, y son interpretados una y otra vez por los mismos actores de siempre…. La gente se queja de esto, pero sin embargo van a verlas al cine…

Los actores españoles quieren carne fresca, personajes distintos y sumirse en el drama, pero el drama español, señores, no vende una mierda en nuestro país. Así pues las series, las pelis, e incluso el teatro suele ser comedia, y como digo, comedia de medio pelo, con chistes y sketches rancios pasados de rosca, una comedia con tintes progres pero construida en su totalidad desde el cine que se consumía a finales de los 70, principio de los 80…. Es como ver al humorista Arévalo hacer un monologo de tartajas, gangosos y cojos, y criticarle por ello, para que después que haga lo mismo Dani Rovira o Carmen Machi y se partan la caja con ellos (no digo que lo hayan hecho, es sólo un ejemplo de absurdez)… mismo perro, distinto collar.

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También afecta al mundo del cortometraje, donde a día de hoy se estila el cine de humor “progre”, historias cotidianas contemporáneas con personajes juveniles, música simpática de biblioteca, y argumentos relacionados siempre con acontecimientos que muestren cercanía al espectador… como los monólogos… cuanto más se identifique el publico, mayor éxito.

Quienes tienen la intención de contar otro tipo de historias lo llevan bastante jodido… Si se trata de cortos tienen la opción de poder enviar su trabajo a otro tipo de festivales, aunque esto reduzca el número de selecciones… pero quien quiere hacer un largometraje, mejor que se lo piense dos veces…

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Lamentablemente la mentalidad española en un alto porcentaje (el porcentaje que paga la taquilla) es bastante conservador, y prefiere el gag humorístico fácil, que tramas cinematográficas decentes… series como “Vaya Semanita”, “Agitación más IVA”, etc… fueron detonantes de este tipo de moda que nos ha llevado al encasillamiento absoluto. Y que ni copias de formatos cómicos americanos han conseguido calar tanto como este tipo de chistes rápidos que salen baratos y rentables a los cuatro productores de turno.

En fin….siempre nos quedará parís…

sábado, 14 de noviembre de 2015

A CAMBIO DE NADA (maravillosa historia de barrio)

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Daniel Guzmán ha tardado 10 años en realizar esta película, y muchos os preguntaréis por qué tanto tiempo, si no hay efectos especiales ni grandes secuencias de acción que puedan justificar tan largo camino…. Bueno, a pesar de que Daniel es un actor conocido en nuestro país, eso no le facilita en gran medida a conseguir el presupuesto para el rodaje. También es difícil conseguir los medios y el tiempo para llevar a cabo una película como ésta, filmada en su mayor parte en exteriores, y no en un pueblo tranquilo, sino en pleno Madrid.

SINOPSIS:

Darío, un chico de dieciséis años, disfruta de la vida con Luismi, su vecino y amigo del alma. Mantienen una amistad incondicional, se conocen desde niños y juntos han descubierto todo lo que saben de la vida. Tras la separación de sus padres, Darío huye de casa y empieza a trabajar en el taller de Caralimpia, un viejo delincuente con aires de triunfador, que le enseña el oficio y los beneficios de la vida. Darío conoce además a Antonia, una anciana que recoge muebles abandonados con su motocarrro. A su lado descubre otra forma de ver la vida. Luismi, Caralimpia y Antonia se convierten en su nueva familia durante un verano que les cambiará la vida.

Con una historia como ésta, nos remontamos al cine más urbano de nuestro país. Cintas como “Barrio” (1998) o la maravillosa “El Bola” (2000), donde, como si de un compañero más nos tratásemos, acompañamos a unos adolescentes por su día a día en un barrio céntrico de una ciudad española.

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Guzmán ha cuidado mucho sus personajes, y ha sido todo un acierto contar con dos jóvenes desconocidos para adentrarnos más en la historia. Cualquier cara conocida nos habría sacado de las situaciones que el guión describe. Miguel Herrán y Antonio Bachiller no son actores, pero lo han clavado. Dan vida a esos dos amigos inseparables que viven en el mismo barrio, en el mismo bloque, y que van descubriendo la vida como ésta se presenta… sin reglas, sin condiciones, y sin aviso previo de las consecuencias…

Tenemos algunas caras conocidas que no llegan a ser protagonistas, como Luis Tosar, que interpreta un papel de padre divorciado, conductor de un camión de contenedores de obra, que incrementa aun más la tensión familiar que el chaval sufre en mitad de ese divorcio.

El dinero que debe aportar a su mujer se lo da a él con el fin de que sea para él, y sólo para él, incluso haciéndole firmar un recibo que a términos legales no vale nada, pero que en la cabeza de alguien humilde y sin demasiado intelecto, cree servirle en caso de cualquier percance con la justicia.

La actriz María Miguel no se queda atrás, la madre ahogada por la situación, que trabaja en una fábrica de embutido, y a la cual no le llega el sueldo, pone el lado miserable a una vida muy bien descrita y ambientada, donde la clase media baja tiene un constante hueco en la pantalla.

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Felipe Vélez es otro de los personajes importantes de esta historia. El tipo que trapichea todo tipo de cosas en un taller de motos que hay en el barrio. Un tipo con muchos años a sus espaldas donde posiblemente la delincuencia y la policía hubieran sido un día a día en su adolescencia. El mismo tipo que anuda el guión con la venta de motos robadas en su taller.

“A cambio de nada” es el título que representa a la perfección el lío en el que se meten los dos chavales por eso, por nada… por amistad, que en resumen es eso: no pedir nada a cambio.

Daniel Guzmán ha metido como parte enternecedora a su propia abuela, una nonagenaria que a pesar de no haber hecho un papel en su vida, se ha sabido desenvolver muy bien a base de frases cortitas que Daniel ha escrito para ella… me parece entrañable y muy bonito tanto en el lado real (inmortalizar a su abuela en un film), como en la película, dando vida a una señora que vive de lo que se encuentra en la calle para venderlo en el rastrillo madrileño.

La conexión que existe entre el chaval y la anciana (Antonia Guzmán) es realmente entrañable. Guzmán ambienta muy bien la cinta, que aunque sea contemporánea, ha sabido retraer los años 90 sin que dé el cante. Salones humildes sin televisores panorámicos, o decoraciones donde el tiempo no ha pasado, como es el caso del salón de la abuela, esto ofrece un espectáculo nostálgico que pocas películas consiguen plasmar.

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Todo fluye con soltura, no hay momentos de parón, y en ningún momento aburre. Los personajes enganchan y enseguida te encariñas. Está repleta de detalles que a los neófitos les pueden parecer sencillos, como por ejemplo el detalle del perro intentando montar a la perrita continuamente. A parte, muestra un Madrid veraniego muy nostálgico y “hermoso”, que recuerda a los años 80, 90.

La cinta cuenta con una escena de acción donde existe una persecución de coches por parte de la policía y los dos jóvenes en pleno Madrid, que aunque es breve, está realmente conseguida.

Como bien decía antes, no es fácil filmar este tipo de escenas a día de hoy, pues rodar en Madrid no es, ni por asomo barato, y ya no tenemos las licencias que existían en los 70 con films como “Perros Callejeros”, con ciudades como Barcelona abiertas a rodajes más complejos y de menor precio.

En definitiva, me ha parecido una maravilla, Guzmán demuestra que sabe escribir y dirigir, aparte de interpretar.

Diez años que han merecido la pena.

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por Isaac Berrokal

viernes, 9 de octubre de 2015

LA HERIDA (la intención era buena)

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Fernando Franco, filma una película que nos recuerda al cine de Haneke, pero sólo en la parte aburrida, pues a pesar de la buena crítica por parte de la academia, es evidente que algo falla.

Las interpretaciones están correctas, y el papel de Marian Álvarez es muy acertado, pero poco más. La cámara va pegada a su cara  y su nuca constantemente sin dejar oxigenar al espectador, y si bien puede ser una forma de agobiar al espectador, también lo es para aburrirle. Los excesos no son buenos, y en este film hay un exceso de rostro de Marian.

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La historia se centra en su desdichada existencia sin dar lugar a más trama, tampoco se desarrolla, no va ni para atrás ni para adelante, simplemente da vueltas a lo mismo dejando ver que su madre está divorciada, que su novio ya no quiere volver con ella y que su padre es feliz con su nueva vida… en definitiva, que su vida ha tocado fondo.

Cuando nos enfrentamos a una película de estas características no sirve sólo ampararse en el método de rodaje, sino ofrecer al público algo más, un aliciente, un par de tramas desarrolladas, o un avance en el guión que enganche o haga pensar al espectador, y que de alguna forma interactúe pensando en cómo solucionaría él los problemas del personaje, o sentirse identificado de alguna manera con el personaje.

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Técnicamente es muy pobre, y no pobre en el sentido económico, sino en la utilización de los objetivos y de la iluminación, que aunque se pretenda dejar luces realistas como, de nuevo lo hace Haneke, existe una sutil diferencia entre aparentar y ser… y es que en el cine la luz puede aparentar ser pobre, pero no serlo, y en esta fotografía se ve un déficit que incluso afecta al formato digital en las tomas oscuras.

Podemos destacar a la actriz protagonista que lleva todo el peso de la cinta… un objetivo constante en su cara que llega a causar claustrofobia, y que a pesar de eso Marian puede equilibrar con su interpretación.

Se echa de menos ampliar planos, sentir las localizaciones, y aprovechar las calles gélidas del invierno en la ciudad, así como conocer algunos personajes que rodean la historia.

El constante balanceo de una cara a otra en los diálogos se hace pesado y monótono, y el sonido a veces es incorrecto, por ejemplo  en la escena donde Luis Callejo habla con “la mudita” en el sofá, donde no se entiende nada porque la música de fondo se come los diálogos.

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También hay deslices, como dejar en plano la quemadura del cigarro (se quema el hombro) cuando se denota que no hay quemadura… este tipo de detalles te sacan de la película.

La cinta deja mucho que desear, no vale con profundizar de una manera autodidacta, el espectador necesita captar mensajes más directos y menos rebuscados. Todo esto parece un intento de cine con la marca Michael Haneke o Giorgos Lanthimos, un intento que, sin embargo, de cara a la academia de cine español, le ha salido muy bien.

Por Isaac Berrokal

sábado, 3 de octubre de 2015

REGRESIÓN (una lágrima en la lluvia)

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Me dicen: Alejandro Amenábar, y corro al cine sin contemplaciones. Y por lo general me encanta su cine, unas películas más que otras, pero me suele gustar. Con “Regresión” ya puedo decir que hay una película de Amenábar que no me gusta, y es que a pesar de las buenas expectativas, la película hace aguas en el sentido del entretenimiento.

SINOSPSIS:

Minnesota, 1990. El detective Bruce Kenner (Ethan Hawke) investiga el caso de la joven Angela (Emma Watson), que acusa a su padre, John Gray (David Dencik), de cometer un crimen inconfesable. Cuando John, de forma inesperada y sin recordar lo sucedido, admite su culpa, el reconocido psicólogo Dr. Raines (David Thewlis) se incorpora al caso para ayudarle a revivir sus recuerdos reprimidos. Lo que descubren desenmascara una siniestra conspiración.



El guión lo firma también Amenábar, por lo que me resultaba imposible encontrar una cinta que pudiera precipitarme al aburrimiento. Pero lo hace, y lo hace prácticamente desde el primer acto.

Esta historia de satanismo basado en hechos reales que de alguna forma habla de la obsesión de la investigación, sufre del mal del cine yanqui. Y es que los escenarios, los personajes y en definitiva el guión, lo hemos visto infinidad de veces en infinidad de películas americanas de los 90… y lo peor, en telefilms de sobremesa.

La diferencia es, evidentemente, la mano de un director como Alejandro Amenábar, que utiliza bien sus objetivos (técnicamente hablando) y tira de un buen trabajo de fotografía a cargo de Daniel Aranyó, así como una magnífica banda sonora creada por el murciano Roque Baños. Pero los escenarios y los personajes no son peculiares, y en un film como éste, con una historia de terror bajo sus cimientos, precisa de personajes muy detallados y llamativos para al menos poder disfrutar de algo, ya que el guión no tiene fuelle alguno.

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Personajes americanos cortados por el mismo patrón del cine que consumíamos en los 90, y aunque la historia se ambiente en 1991, no tenemos por qué volver a sufrir una dirección noventera que a día de hoy está desfasada, y esto es lo que hace Amenábar en esta ocasión.

Un guión previsible y un ritmo demasiado lento… diálogos insulsos que no atrapan el interés del espectador ni en los momentos más intrigantes. Escenarios muy trillados como: casas de madera americanas, graneros típicos americanos y modelos de coche que ni generan nostalgia ni denotan una personalidad destacable en el personaje principal (sería estupendo que el coche del protagonista denotase algún perfil de su carácter o personalidad)… es un auténtico despropósito… No hay calidad, no hay detalle, no encuentro mimo en este film… una película que podría haber dirigido Perico de lo Palotes…. Ni siquiera encuentras un solo giro que levante el ánimo del espectador.

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En esta ocasión Alejandro Amenábar ha patinado dándose de bruces con la mediocridad. Sólo espero volver a verle en forma, y que no contraiga el síndrome de Shyamalan.

Por Isaac Berrokal

sábado, 19 de septiembre de 2015

SUEÑOS (Daniel Guzmán)

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Daniel Guzmán es un actor que en entrevistas, y en mi caso, cuando pude hablar un rato con él haciendo yo de figurante en la serie “Policías” (2000), demuestra ser una persona humilde, modestas, cercana y muy agradable. Hace nada estrenó su film “A Cambio de Nada” que le ha llevado la friolera de 10 años y que aún no he tenido la oportunidad de ver. Pero en La Muvida queríamos recordar su cortometraje “Sueños” con el que ganó un premio Goya en 2004 al mejor cortometraje de ficción.

La historia recuerda mucho a los ambientes que películas como “El Bola” (2000) o la genial “Barrio” (1998) nos transmitían… los barrios obreros de ciudades como Madrid o Barcelona con chavales repletos de inquietudes, en una edad donde se absorbe de todo, lo bueno y lo malo, y aderezado con el Sol de un verano agonizante. Con un calor asfáltico que casi hace que te rasques por todo el cuerpo mientras ves la cinta.

Para quienes no lo conozcan será todo un descubrimiento, y para quienes ya sepan de él, será maravilloso volver a visionarlo.

Que lo disfrutéis.


por Isaac Berrokal

domingo, 13 de septiembre de 2015

MARIO DE LA ROSA (arte y lucha)

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Mario de la Rosa es un actor plenamente camaleónico, sus apariciones en la televisión y en el cine son numerosas, y puede ser difícil reconocerle justamente por eso, porque se adapta perfectamente a los papeles tanto en interpretación como físicamente, dando lugar a personajes de todas las índoles.

Títulos como “Isabel”, “Acacias 38”, “The Night Manager” u otros títulos de cine como “Wild Oats”, “Ignacio:The first jesuit” u “Omnívoros”… son proyectos donde ha trabajado.

En La Muvida nos acercamos a sus trabajos y sus opiniones.

Antes de nada nos gustaría saber ¿que te motivó a dar el salto a la interpretación?

Suelo decir que a mi me sucedió, pero no es del todo cierto. Digamos que se aunaron la inquietud, la intención y la oportunidad. Eso y una amiga que me dijo: “yo te veo haciendo esto”, era el empujón que necesitaba.

Con las polémicas declaraciones de la actriz Pilar Punzano (Cuéntame) acerca de los sueldos (entre otras cosas) en la televisión, y teniendo en cuenta que ella trabajaba en una serie de gran éxito en nuestro país, hemos podido atisbar que incluso teniendo un papel de reparto la cosa es bastante precaria. ¿Esto es así siempre o se puede decir que son casos aislados según tu experiencia?

Yo la precariedad no la veo por ninguna parte. Es evidente que no siempre las cosas marchan como a uno le gustaría, pero por mi parte no tengo ningún tipo de queja, al contrario.

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Normalmente los sueños de un chaval por ser actor se forjan viendo películas de Hollywood, pero cuando llega la hora de la verdad el panorama es otro, y no siempre los proyectos cumplen con las expectativas. ¿Un actor español sueña con triunfar dentro o fuera de su país?

Primero deberíamos definir lo que es triunfar para cada uno. En mi caso, el triunfo es interno. Está en encontrar un progreso en mi trabajo, con la mayor actividad posible y sin dejar de disfrutarlo. Si esto sucede dentro o fuera del país no es definitorio. Yo trabajo para que sea en ambos mercados, el nacional y el internacional.

¿Crees que está habiendo un cambio en cuanto a estilo y temáticas en el cine y las series españolas?

Está sucediendo y es de agradecer. Lo digo como espectador y consumidor de series temáticas. Se están dando el permiso de hacerlas y están comprobando que hay una ferviente demanda.

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Hemos visto como las telenovelas españolas se han puesto de moda y se mantienen como lo hicieron en su tiempo las venezolanas y las mejicanas. ¿Cómo veis esto desde la profesión? ¿Os gusta y disfrutáis trabajando este tipo de genero, o normalmente se ve como un lugar donde hospedarse hasta que encuentre otro mejor?

¡Bendito hospedaje! La telenovela es un producto con un nicho de mercado muy amplio. Alguna va por la décima temporada ¡y son diarias! Este año he participado en tres de ellas y he podido conocer como se trabaja desde dentro. Desde aquí mi máximo respeto y admiración a quienes las hacen posibles. Se trabaja a un ritmo de vértigo y el resultado es muy bueno. Luego vienen los gustos, ahí cada uno con el suyo.

Hace no mucho trabajaste en el largometraje “Omnívoros” de Oscar Rojo, una producción española de género de terror con el que llegasteis a estrenar en salas de cine. ¿Cómo has vivido esta producción? ¿Has visto muchas dificultades en su gestación? ¿Cómo ha sido el recibimiento mediáticamente hablando?

Omnívoros fue una producción de bajo presupuesto, y dada mi relación con el director y la productora, la viví de una manera muy cercana y personal. Pude participar en varias fases del proyecto. Fue un “viaje” que jamás olvidaré y del que, entre errores y aciertos, aprendí muchísimo.

Hemos visto también tu faceta como director en el cortometraje “THE ZOO”,  ¿sientes la llamada de la dirección, o ha sido un espinita que querías sacarte?

La llamada de la dirección me llegó mucho antes que la de la interpretación. Lo que pasa es que el camino no siempre es directo. Volveré a dirigir seguro, sin dejar de disfrutar el camino.

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¿Qué proyectos tienes entre manos ahora?

Como actor estoy en varios procesos de casting. Mientras llegan las resoluciones me ocupo formándome y escribiendo, otra de mis pasiones.

Para terminar podrías dar 5 consejos a los nuevos actores que se lanzan a esto de los casting y la lucha diaria para conseguir vivir de la interpretación.

No soy de dar consejos, sí de compartir mi punto de vista. Les diría que no dejen de investigar, de arriesgarse, de trabajar para que las cosas pasen… lo demás no depende de nosotros.

Muchas gracias por tu tiempo Mario. Mucha suerte en tu carrera.

Gracias a vosotros ¡¡Arte & Lucha !!

por Isaac Berrokal

lunes, 31 de agosto de 2015

EXTINCTION (a trompicones por la nieve)

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Para empezar debo decir que no he leído la novela, por lo que no tengo referencia ni puedo hacer comparativas tan duras de un film a un libro, pues todos sabemos quien se lleva siempre la palma.

Miguel Ángel Vivas lleva a la pantalla la novela de Juan de Dios Garduño “Y pese a todo…”(2010), pero lo hace de una manera directa al grano, sin muchas explicaciones que nos sitúen en ese berenjenal de criaturas infectadas, o zombies, o lo que sean que han invadido la tierra.

Bien, referente a la historia no queda muy claro que ocurrió, y no sólo eso, sino que no se resuelven ciertas cuestiones en pantalla, y en ocasiones ni siquiera en una explicación hablada por parte de los personajes.

Nos dicen que los zombies han evolucionado en nueve años lo que deberían haber sido en millones de años. A parte, en su evolución desarrollan unos oídos muy complejos tras la perdida de la vista, unos oídos con movimiento de una especie de membranas o algo así que denotan su mayor capacidad auditiva, ahora muy por encima del ser humano, pero que a lo largo de la película resulta que están más sordos que perete, incapaces de oír una niña caminar por el agua a menos de un metro de sus narices…

No quiero entrar en detalles, pues siempre se puede inventar una respuesta para todo, pero claro, en el cine todo debe ser explicado, y nada al libre albedrio del espectador, o al menos en cierto tipo de géneros.

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La cinta cuida elementos como la fotografía, el arte, el vestuario… bueno, lo cuida todo dejando una estética muy creíble, y un ambiente digno donde consigue introducirte; pero en algunos momentos el uso de la animación digital nos saca por completo del film. Ejemplo de ello son escenas donde el “monstruo” es digital, donde no es precisamente una maravilla de animación la que nos encontramos… todo lo contrario, en esos momentos parece como si hubieran dejado a un alumno en prácticas digitalizar un monstruito y no hubiera pasado del aprobado (algo así como ocurrió en “Soy Leyenda – 2007).

La película está repleta de clichés, de sustos predecibles y en ocasiones la banda sonora que utilizan para las escenas donde la dulce niñita hace sus comentarios llevados al extremo más insoportable de la ternura empalagosa que un niño puede ofrecer, chirria de igual modo, por extremadamente pasteloso. Y es que parece sacada de escenas de telenovela venezolana noventera, y lo peor es su reiterada aparición en cuanto la niña se pone ha hablar utilizando diminutivos a granel… llega a resultar cómico.

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La trama de “los padres” está bien llevada. La tensión de los dos personajes va bien hasta que se utiliza el recurso de una simple broma para romper los años de enfado que existían entre los dos, 110 minutos de film daba para currarse un poco más los diálogos de la escena de la cena.

Algo que no resulta creíble es la aparición de la chica en mitad de la nieve. Lo explican en tres líneas cuando la chica narra sus aventuras, pero no consigue profundizar en nuestra credibilidad, pues una chica joven, embarazada y medio histérica, no tiene muchas posibilidades de sobrevivir ante tal amenaza, otra cosa que podía haber dedicado a explicar mejor en los minutos de cinta.

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Como digo la película deja muchos cabos sueltos, cuestiones que al espectador le apetecían saber. Y las escasas escenas de exteriores no son suficientes para aliviarnos de tanta casa de madera e interior en penumbra.

El desenlace es típico de este tipo de género, y aunque tampoco es creíble que puedan huir en una furgoneta sin haberse preparado antes para el hielo y la nieve que cubre medio coche, damos por hecho que de alguna forma la visible destartalada furgoneta, puede con las adversidades del tiempo y consiguen llegar a un lugar que su director nos engrandece con planos sostenidos de las caras de los personajes, un plano que se eleva por detrás de la furgoneta lentamente creando expectación… para luego ver un paisaje generado por ordenador y del cual no se diferencia nada… no logramos saber bien que tiene eso de maravilloso, y lo peor es que no debía estar muy lejos de sus cabañas de madera, pues sin comida y sin bebida no pueden haber tardado mucho en llegar teniendo en cuenta la elipsis que nos presenta el montaje… Tal vez el vecino Patrick hubiera llegado antes a este lugar con su moto de nieve dentro de esos largos paseos que se daba en busca de comida y caza…

En definitiva, tiene más elementos decepcionantes que aceptables, y a no ser que seas un fanático del genero y perdones todo tipo de errores, la cinta se queda a medio camino entre la gran superproducción y la cinta independiente, dando lugar al clásico quiero y no puedo.

Por Isaac Berrokal

martes, 18 de agosto de 2015

ACTORES EN JOLIVUD (la industria española)

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A veces los que nos dedicamos a esto nos da mucho apuro/miedo exponer nuestras quejas, pues esta industria es muy pequeña y al final todos nos conocemos. Pero bueno, bien es sabido que en alguna ocasión he hablado sin pelos en la lengua y luego me han caído algunas manitas de ho****s del propio gremio, pero bueno, que le vamos a hacer.

En La Muvida pretendemos ir un poco más allá de contar sólo lo bueno, y por supuesto todo lo políticamente correcto, por eso hoy quiero lanzar una protesta que sobre todo afecta a los actores, y es que ¿quién no se ha dado cuenta de que la televisión y el cine se representan siempre con cuatro caras….?

Sí amigos, esto es algo que todo el mundo puede comprobar… dale a cualquier botoncito de tu televisor y mira las series que en ella existen… ¿verdad? Son los cuatro actores de siempre, las mismas caras, las mismas voces y los mismos papeles invaden toda la parrilla televisiva y cinematográfica española.

En este país se juega como en Hollywood, pero en vez de con 50 actores con 10… Lo peor de todo es que la mayoría de los actores consagrados son inferiores a los actores secundarios, y muchas veces esto lo podemos ver en los cortometrajes que estos “secundarios” suelen protagonizar… y es que el cortometraje es tan habitual en los actores amateur como en los profesionales, y esto es algo que todo el que se dedique a esto sabe.

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Muchas veces se escogen a actores por sus ojos bonitos, por sus abdominales, por su carita de niño, sin importar a penas su carácter interpretativo y mucho menos si sabe pronunciar dos palabras seguidas (de esto hablaremos en otro articulo). En Hollywood a esto se le lama “el tenderete”, y consiste en que la productora tras leer el guión elije los actores que piensan pueden gustar al público, sin importar si los actores valen para el papel o no.

En España se hace de igual forma. Se presenta un guión y se piensan en los actores más taquilleros del momento, y el único inconveniente es si tienen la agenda libro o no, porque el percal no está tan bien como para rechazar películas por muy Hugo Silva que seas.

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Lo peor de todo es que parece ser que las productoras y directores no escuchan al gran público, pues sus comentarios suelen ser del estilo: “joder… otra vez el Javier Cámara”… “joder… otra vez el chaval este… como se llama… Mario Casas…” Y es que la gente no es tan idiota como les parecen a ellos. El público en general no va a ver cine español porque la gran mayoría de veces no les gustan los actores, así que ya ves tú que paradójico… las productoras cogiendo al actor de moda pensando que al público le mola eso, y resulta que es de lo que se quejan…

Claro, el hecho de trabajar en ese ámbito les hace rodearse de gente que no percibe la realidad de lo que opinan ahí fuera… en mi trabajo estoy aburrido de escuchar a los productores hablar de los actores que quieren con la palabra “vender” siempre en cada frase… No parecen darse cuenta de que tal vez debería abrirse el abanico de actores para que la gente pueda escoger… todos los días patatas…. Buuuffff….

Esto en lo que a cine se refiere, en televisión la cosa está un poco más ampliada, pero poco más. Nunca entenderé como en series como “El secreto de puente viejo” hay actrices de 28 años haciendo de señoras de 60…. Pieles tersas, pinturas cutres de canas y una jerga viejuna… ¡venga!, a vender… Mi madre ve esta serie y ella misma no sé cree los personajes… es que no sé que les cuesta contratar actrices con esas edades y que encajen en el perfil.

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También existe, como en la política, “el dedazo”… y es que mucho quejarse de lo que hacen los gobiernos y luego ellos hacen lo mismo en su circulo industrial… Si indagáis un poco descubriréis que al final hay más familia en las producciones que en la de los Borbones… y lo peor es que de ese circulo comienzan a salir los nuevos directores de cine español, actores que dado sus contactos pueden permitirse rodar una película y que una productora se la financie o al menos se lo distribuya o promocione… Y teniendo en cuenta que el formato de cortometraje en España es muy superior al largometraje, da pena que sean los enchufados los que reciban un trato más cercano por parte de las productoras. Si las cosas no fueran como en el gobierno, directores como Alex Montoya, o actores como Luis Callejo, no tendrían tantas dificultades por salir a delante con la profesión y llevar nuestro cine a lo más alto.

También tenemos el tema de los directores españoles que se marchan fuera a buscarse la vida porque aquí el pastel es de los cuatro de siempre… David Victori, Rodrigo Cortés, Paco Cabezas, J.A Bayona… en fin, fuga de cerebros, como con el gobierno ¿verdad?

lunes, 17 de agosto de 2015

LA CUEVA (el terror de otra manera)

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SINOPSIS

Tres chicos y dos chicas viajan en plan mochilero a una isla paradisíaca. Cuando llegan, alquilan motos, recorren los parajes más hermosos y recónditos, acampan en el bosque, se emborrachan y se bañan en el mar. Al día siguiente, deciden explorar una cueva profunda y laberíntica, pero se extravían. Si quieren sobrevivir dentro de la cueva, deberán hacerlo en condiciones inhumanas: sin agua y sin alimentos, no parece que haya ninguna posibilidad de conseguirlo. 

Con este argumento Alfredo Montero escribe, dirige y monta esta película producida por MORENA FILMS. El film está filmado casi en su totalidad desde el punto de vista de la grabación de una cámara que uno de los personajes lleva. Se trata de una película de bajo presupuesto donde centra toda su atención en una cueva donde los protagonistas se pierden y terminan desquiciándose por la ansiedad de no poder salir.

Con sinceridad pensé en que lo que iba a ver era la típica peli de amiguetes, pero me he llevado una grata sorpresa al descubrir la capacidad del director para contagiarnos de agobio y desesperación.

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Los actores no están del todo creíbles, pero la dirección consigue hacerte olvidarte de eso y sumergirte en una aventura donde la tensión va aumentando a buen ritmo y sin dar lugar al aburrimiento, y esto es bastante difícil.

Una cámara, una antorcha y unas cuentas linternas iluminan correctamente algo tan difícil como una cueva. Cuando no hay horizonte, cuando no hay colores en el enfoque, todo se reduce a un batiburrillo sin sentido, una especie de estampado setentero que termina desquiciándote, pero en esta ocasión la fotografía ha ido variando gracias a secuencias con “night shoot” (visión nocturna) donde convierte todo en un verde tenebroso que de vez en cuando es activado para liberarnos de tantos grises rocosos y con su justo motivo en el film.

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Me ha sorprendido gratamente descubrir que se trata de una película de supervivencia que va tornándose al horror humano, al psicológico y no al paranormal. Ver como los personajes se describen bien en su presentación y van dejando algunos matices que nos lleven a creer realmente que el ser humano puede llegar a ser un monstruo para su misma especie. Es sin duda un autentico propósito dejar todo en 80 minutos de metraje para no cansar y ofrecer lo justo al espectador.

Hay cosillas que me han sacado un poco de la historia, pero son mínimas, la única que puedo subrayar pertenece al final, por lo tanto si no la has visto será mejor que dejes de leer AQUÍ.

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Salir de la cueva y de pronto retomar la cinta desde un punto de vista cinematográfico dejando el plano subjetivo de la videocámara a un lado y ofreciendo una banda sonora dramática, es en mi opinión un error. La película ha sido mantenida perfectamente con el recurso subjetivo, y ese cambio me deja un poco descolocado.

En general me parece una buena película que nada tiene que envidiar a otras de su mismo formato. Cine divertido, dramático con un tono terrorífico no más irreal que el que se ve cada día en las noticias. Un acierto con sello nacional.

Enhorabuena.

LUCAS (de Alex Montoya)

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En esta ocasión quiero hacer mención de otro director de cortometrajes que es todo un referente del buen cine y el trabajo bien hecho. Alex Montoya, un director que desde su MARINA (2010), me ha hipnotizado con su buen hacer cinematográfico, aunque tal vez su trabajo más sonado fue “Como conocí a tu Padre” (2008), a mi me resultan todas sus obras una delicia.

Alex es un tipo que dota a sus cintas de una tremenda naturalidad, personajes cercanos del día a día y su capacidad para enredarlos en el drama. Cabe destacar a parte de los casting donde los actores suelen ser auténticas joyas sin descubrir, la fotografía de sus obras, cine en estado puro que te hipnotiza desde el minuto uno.

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LUCAS es su último corto, me quedé fascinado con tal proeza… Además cuenta con Luis Callejo, un monstruo de la interpretación que no deja indiferente a nadie, capaz de llevar hasta el podio trabajos de menor nivel y dejarlos como absolutos vencedores.

Aquí os dejo este magnífico trabajo del que se rumorea puede convertirse en largometraje.

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miércoles, 15 de julio de 2015

LOS LÍMITES DEL CIELO (sueños caros y triquiñuelas para lograrlos)

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Tarantino dijo una vez: “No esperes al momento perfecto, porque este nunca llegará. Si quieres hacer una película coge tu cámara y hazla!

Está claro que esa es la actitud, pues el cortometrajsita suele ponerse trabas estúpidas para lanzarse a por su primer largo y de esta manera va retrasando su proyecto y va apagando su ilusión por él. Israel González no es uno de ellos, Israel es de los directores que hacen uso de sus fuertes ganas para llevar a cabo un largometraje de bajo presupuesto que ya tiene su primera selección en el Festival de Cine y Arquitectura de Asturias (FICARQ). En La Muvida estrenamos la sección de entrevistas con él, lean y aprendan amigos.

¿Como surge la idea de rodar una película con la que está cayendo?

Pues por la necesidad y el placer que tengo de contar historias. Me encanta, soy un loco apasionado del rodaje, ya lo sabes, jaja.

Cuando te planteas hacer una película debes tener muy clara la historia. ¿De que habla "Los Límites del Cielo"?

Esta película habla de un grupo de personas que deambulan por la noche madrileña, en busca de su propia felicidad. Personas que se mienten, engañan y se auto convencen de la vida que les ha tocado llevar. Habla del amor, la felicidad, la amistad, la soledad, la traición, etc.. temas universales que era lo principal que buscaba para que la historia pueda funcionar en cualquier parte del planeta, ya sea aquí o en china. Todos necesitamos los mismos sentimientos.

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Al ser de bajo presupuesto se entiende que no hay intención de exhibirse en salas ni de ponerlo a la venta en bluray, ¿es así?

La película se ha rodado especialmente para el circuito de festivales y poder hacer así, como hacen muchos cineastas con los cortometrajes, enseñar mi trabajo. Pero si entra una distribuidora que la quiera llevar al cine, nosotros, encantados.

¿Tuviste en cuenta los festivales donde podría funcionar, o simplemente te apetecía contar una historia y te dejaste llevar sin ningún tipo de estrategia?

Como he dicho antes, lo único que buscaba era un historia universal, si haces eso, da igual el tipo de festival o público que busques, la historia funcionará. No me planteo a que tipo de festivales o público va a ir dirigido, solo ruedo lo que quiero o tengo la necesidad de contar.

¿Con cuantos actores y equipo técnico contaste, y como fue el rodaje de este largo?

El elenco de actores es de veinte. Algunos, rostros conocidos de la televisión, pero la mayoría nuevos. Si algo tenía claro de esta película, es que no quería rostros conocidos como he hecho cuando he rodado anteriores trabajos míos. Esta historia tenía que ser contada con caras nuevas para que fuera creíble y creo que se ha conseguido. En cuanto al equipo técnico, solo ha estado Kike Novillo al mando del sonido, mi mujer Raquel Hernández con la claqueta y el making of (embarazada) y Kike de la Fuente que nos echo una mano algunos días. Y el rodaje, pues como te puedes imaginar ha sido muy duro. Levantarme a las 6 de la mañana para trabajar hasta las 19:00, salir e ir a rodar por la noche hasta las 3 de la mañana y así día tras día, pues duro. Pero ha sido un crecimiento personal enorme y lo hemos pasado muy bien (con mucho frío, pero bien).

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¿Que expectativas tienes para la película?

Pues espero que al menos llegue al público que la vea, que guste y que podamos seguir trabajando en otras cosas que es lo que nos gusta.

El cortometrajista siempre tiene como objetivo el salto al largo. ¿Crees que los directores de cortometrajes se ponen demasiados impedimentos para rodar un largo?

Si, desde mi punto de vista si. Ha quedado demostrado que si quieres, puedes hacer una película sin medios, yo he rodado con una cámara de fotos (CANON 550D) y 300 euros de presupuesto, en 40 horas. Así que se puede. Hay que echarle valor y si realmente quieres algo, lo haces. No digo que sea fácil, pero lo haces.

Dinos 5 consejos para rodar una película de bajo presupuesto.

1- Tener ganas, muchas ganas.

2- Escribir una historia que realmente quieras contar.

3- Escribe pensando en la producción, es decir; que tengo?, que puedo conseguir?, con quién cuento?, etc…

4- No hacer caso de lo que nadie te pueda decir, tu siempre hacia delante, por que la gente que te quiera parar, son los que no se atreven a hacerlo.

5- Bajo ningún concepto, repito, ningún concepto, ABANDONES. Cada día repite a ti mismo esta frase; “SOY EL PUTO AMO Y NADA NI NADIE PUEDE PARARME”, si realmente lo crees, lo conseguirás.

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Ahora que tienes una peli, ¿qué va a ser lo próximo?

Bueno ya me conoces y sabes que no paro de hacer cosas, jaja. Pero ahora mismo estoy centrado en mi segunda película, ya estoy trabajando en ella, será con algo más de presupuesto, pero con un dinero muy modesto, si no pasa nada y todo va bien, en septiembre estaré rodando para saltar al mercado Americano Independiente.

Gracias por tu participación en La Muvida, y te deseamos muchos éxitos con "Los Límites del Cielo" y tus nuevos proyectos.

Muchas gracias y aquí me tenéis.

Un saludo.

PARADA EN EL INFIERNO (un western macabro)

Tengo que reconocer antes de nada que esta crítica la hago desde un punto plenamente subjetivo, pues tanto Matellano es amigo desde hace a...

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